BLACK VIBRATIONS - IL BLOG SULLA BLACK MUSIC

MARVA WHITNEY

2012-01-16T18:48:00.000+01:00

"E' la mia cosa" cantava Marva, e sicuramente lo era perchè far parte della James Brown Revue non era semplice. Si sapeva quanto fosse esigente Mr. Dynamite con la sua band. Ci rimase però per soli 3 anni, giusto il tempo di accompagnare il padrino del Soul in alcuni tour importantissimi e di pubblicare 2 dischi sulla "sua" etichetta, di cui uno live e l'altro in studio. Inutile dirvi che quest'ultimo è diventato un disco cult.

Marva Ann Manning nacque il 1° Maggio del 1944 a Kansas City, ed iniziò ben presto ad avvicinarsi alla musica, anche perchè la sua famiglia era praticamente un gruppo gospel: i Manning Gospel Singers, di cui lei naturalmente faceva parte e dove suonava il tamburino e cantava.

Studiò musica anche al college e agli inizi degli anni 60 entrò a far parte di un altro gruppo: The Alma Whitney Singers, e a soli 16 anni sposò Harry Whitney, dal quale prese il cognome.

In quel periodo comincio a cantare R&B e blues e questo creò non pochi problemi con la sua famiglia religiosa, e il suo matrimonio non durò poi così tanto.

Marva Whitney, nonostante tutto, continuava a cantare nei locali notturni a Kansas City ed entrò a far parte di un altro gruppo locale: Tommy & the Derbys. Questo gli permise di aprire i concerti di grandi artisti come Johnny Guitar Watson, The Drifters, Dionne Warwick...

Nel 1966 stava per arrivare James Brown con la sua band, e il manager di Marva organizzò un incontro per un provino, ma non fu possibile per quell'anno. L'anno successivo l'agente di Marva ci riprovò e, benchè Marva non fosse così entusiasta di entrare a far parte della James Brown Revue, visti i passati litigi con la famiglia, salì comunque sul palco per il provino. JB e l'allora band leader "Pee Wee" Ellis rimasero impressionati dalla voce sua voce potente, e subito l'accolsero nella band. Fu così che nacque "Soul Sister #1".

Marva accompagnò James Brown tra il '67-'68 in alcuni dei suoi più importanti tours come quello in Vietnam, durante la guerra, quello in Europa e l'indimenticabile tour in Sud Africa.

Non tardarono ad arrivare anche i primi singoli su 45 giri pubblicati per la King Records, tra cui Unwind Yourself / If You Love Me, e Your Love Was Good For me / What Do I Have To Do To Prove My Love To You.

Come su detto, non era semplice lavorare con JB. Pretendeva il massimo da tutti, sia musicalmente sia come presenza scenica. E anche Marva dovette sudare per soddisfare le esigenze di Godfather of Soul. Il risultato però fu il singolo per il quale ancora oggi Marva riecheggia nell'olimpo del funk: "It's My Thing" che arrivò nella top 20 dell'allora classifica R&B.

La conseguenza di quel successo fu la pubblicazione dell'LP "It's My Thing" nel 1969, sempre per la King Records, che conteneva alcuni dei singoli usciti in precedenza come I'm Tired, I'm Tired, I'm Tired e If You Love Me ed altri, e pezzi (oggi campionatissimi) come Things Got To Get Better (Get Together). Funk all'ennesima potenza. Uno dei dischi più ricercati dai collezionisti.

Nello stesso anno venne pubblicato anche "Live And Lowdown At The Apollo", una delle migliori performance live di Soul Sister #1.

Nel 1970 dopo i suddetti lavori e giri per il mondo con il padrino del soul, Marva lasciò la James Brown Revue e tornò in Kansas, ma non tralasciò la musica, tornò presto negli studi di registrazione e pubblicò per la T-Neck il singolo Giving Up On Love.

Dopo il divorzio con Harry Whitney, Marva sposò il capo della Forte Label per la quale, naturalmente, pubblicò svariati singoli tra cui Daddy Don't Know About Sugar Bears nel 1972.

Da quel punto in poi la carriera discografica di Marva si bloccò, riusciva però a procurarsi svariate date in tutto il mondo, ma non in maniera costante.

Inutile dire che i campionamenti, specialmente in ambito hip hop, furono svariati. Questo manteneva i suoi lavori sempre ricercati, specialmente dai cultori del funk.

Forse è proprio per questo che nel 2006 fu "ingaggiata" dagli Osaka Monaurail, funk band giapponese con i quali pubblicò il disco "I Am What I Am", oltre a girare con loro nei vari concerti.

Dopo ben 37 anni da "It's My Thing".

Bè, dalla sua voce potente si poteva intuire una certa tenacia. E il ritorno sulle scene, nonostante l'età, con una band dell'altra parte del mondo, fa capire che...

è ancora la sua cosa!

Dj Danko

DEMON FUZZ

2011-12-21T13:42:00.005+01:00

“We are different. Totally different.”

La storia che sto per raccontarvi si colloca il quel periodo fecondo della scena inglese di fine anni ’60 dove ska, pop e psichedelia sono i padroni incontrastati dei club londinesi. In quel periodo gli Skatalities propongono uno ska festoso e stradaiolo e riscuotono un discreto successo di pubblico senza mai avere quel quid pluris che gli avrebbe aperto la strada del successo.
La scena inglese si presenta in pieno fermento socio/culturale, effetto dei cambiamenti verificatesi nella composizione della popolazione iniziati subito dopo la seconda guerra mondiale: il governo per ripopolare il paese dall’impoverimento di forza lavoro iniziò ad incentivare gli abitanti del Commonwelth a trasferirsi in Inghilterra.

In questo contesto eterogeneo, gli anni vicini al ’68 videro Londra diventare “capitale” della rivoluzione culturale in atto in cui la globalizzazione iniziava ad affacciarsi ponendo al centro delle attenzioni gli aspetti tipici delle culture dei paesi periferici del disciolto Impero Britannico. L’effetto fu ben visibile sulle arti visive e nella musica in cui gli aspetti tribali, importati in Inghilterra, si mescolavano perfettamente con gli elementi della cultura britannica.
Lo ska suonato dagli Skatalities con ritmiche africane, è un esempio di ciò.
Gli Skatalities si erano formati grazie ad un annuncio pubblicato su NME, rivista musicale inglese, dai fratelli Raphael e “Sleepy” Jack Joseph, rispettivamente chitarra e basso, con l’intento di creare un gruppo per far ballare nelle balere inglesi frequentate dai Mod. All’annuncio risposero Paddy Corea, sassofono, e Ray Rhoden, tastiere, e, successivamente, il giamaicano Steve John, alla batteria. La band iniziò ad esibirsi con il nome The Blue Rivers and The Marrons dopo poco, tra club e strade, senza giungere a nulla nonostante un lp, Blue Beat In My Soul, registrato nello stesso studio di registrazione dei Rolling Stones.

Il mancato successo portò i fratelli Joseph a inserire un altro annuncio su NME alla ricerca di altri musicisti per allargare la band. Si aggiunsero Ayinde Florain, percussioni, e Clarence Brooms Crosdale, trombone. L’ingresso dei nuovi musicisti e l’approccio verso nuove sonorità intrise di reggae, dalla differente battuta ritmica, condussero la band a mutare nome in Skatalities. Dal northen soul proposto nella prima fase si passò allo ska.
Ma la svolta vera e propria fu durante un viaggio che Paddy Corea fece in Marocco alla fine del 1968 dove sentì suonare bande tribali e strumenti ad ancia che non conosceva e che producevano un suono molto simile ai richiami dei muezzin per le celebrazioni musulmane e gli venne l’idea di provare a cambiare il registro sonoro degli Skatalities.

L’idea piacque e alla band si aggiunse Smokey Adams, un cantante dalla voce molto r&b con influssi gospel, e durante le prove, dopo aver rifiutato un ingaggio per i Marrons allo Star Club di Amburgo, nacquero i DEMON FUZZ.

Il nome è dovuto al sotterraneo di un negozio di dischi della West London. Il significato è un gioco di parole che rimanda l’immagine di Diavoli Bambini o Poliziotti Cattivi (distorti, dal termine fuzz) ma senza alcun riferimento a realtà del momento. Anzi, come dichiarato dallo stesso Corea durante una sua intervista alla BBC: “…eravamo troppo differenti e cercavamo di darci un nome che facesse sorridere ed incutesse rispetto per la nostra diversità. Allora ci venne in mente che stando nel sotterraneo eravamo dei demoni che dovevano venir fuori…”.
I DEMON FUZZ propongono un sound che è una miscela esplosiva condita di tribalismo africano, rock, psichedelia, soul e funk in cui Hendrix, Sly Stone, Funkadelic, Miles Davis e Ornet Cooleman si mescolano perfettamente. Nel periodo post sessantotto essere così differenti dal punto di vista sonoro era una garanzia di successo.
I Demon Fuzz vengono ingaggiati dalla Pye attraverso la Dawn per un disco che, purtroppo, resterà unico: AFREAKA.

Diciamo subito una cosa che sgombera ogni dubbio e perplessità. Il titolo del disco non è un caso. È un omaggio a Lee Morgan ed al suo pezzo Afreaka! La scelta è semplicemente spiegata nella passione che Corea aveva per il trombettista americano e per la diversità dell’album che stavano registrando in cui inizivano a presentarsi gli influssi della cultura musicale africana.
Le tracce sono 5, una più bella dell’altra ed ognuna in grado di essere citata e descritta per pagine e pagine.

Past Present and Future parte con un arpeggio, pieno di fuzz (distorsioni) che dopo poco entra in un ritmo swingante afro e poi, ancora una volta, cambia pelle per trasformarsi in un reggae boogie accattivante. Disillusioned è una ballata folk con richiami ai Temptations e al rock di natura progressive che iniziava a fare capolino. Another Country è una potentissima miscela afro beat e funk con tracce di psichedelica. Il funk torna poi prepotentemente su in Mercy, ultima traccia del lato B, la quinta.
Storiche ed incredibili sono anche le versioni, uscite su cd qualche anno fa ma già presenti come alternate take, di Fuzz Oriental Blues, strumentale, Message To A Mankind, e, in perfetta linea con Screamin’ Jay Hawkins, I Put Spell On You (la trovate in 45 giri..), dove le meravigliose qualità vocali di Smokey Adams vengono fuori.

La copertina del disco è meravigliosa: un lottatore mascherato africano che guarda fiero oltre l’orizzonte indossando una maschera dal naso lungo e i colori bianco verde rosso e nero. Sul retro, Sempre il lottatore, di schiena, che mostra con fierezza una cicatrice.

Ho lasciato per ultimo, la prima traccia del lato b del disco per avere un buon modo per chiudere il discorso sui Demon Fuzz. Se avete ancora dei dubbi ascoltate Hymn To Mother Earth ad occhi chiusi. Fate in modo che ogni singola nota, ogni variazione ritmica, ogni arpeggio, ogni respiro nelle ance ed ogni battuta entri in voi e vi guidi. Siete pronti? Ecco… sta per iniziare un viaggio nei cinque continenti. Immaginate di essere aria, di essere acqua, si essere odori e musica. Ecco, dopo l’intro c’è la batteria e la voce di Adams, poi la chitarra, la tastiera… poi il basso vi trascina da un’altra parte. Carovane, sguardi, montagne, deserti…
Ecco perché si è diversi. Ecco perché.

Buona musica.

Vincenzo Altini

THE FUNK BROTHERS

2011-11-28T13:12:00.004+01:00

MOTOWN: STANDING IN THE LIGHT OF “THE FUNK BROTHERS”

Una concreta Istituzione della musica Soul e fabbrica di inestimabili hits radiofoniche, che ad oggi continuano a risuonare nelle nostre casse, anche perché “exploitate” dai Dj più noti della scena Mainstream e non.

Sulle copertine dei dischi a marchio Motown possiamo discernere nomi di indiscutibili KINGS del soul, giusto per citarne qualcuno, Jackson 5, Sam Cooke, Marvin Gaye, Stevie Wonder…e la lista potrebbe andare avanti ancora per un bel po’!

Cari appassionati di Black Music, voi che leggete questo articolo sicuramente avrete già sentito questi nomi innumerevoli volte.

La prima volta che ho ascoltato “What’s going on” ,celeberrimo LP di Marvin Gaye, sono rimasta in down per quelle melodie cosi perfette, dove ogni strumento risuona all’unisono con quella che è l’anima del compositore. Tale sensazione l’ho ritrovata in altre eccellenti composizioni come “Cloud Nine” ottimo LP dei The Temptations, o in alcune note soulful hits come “I was made to love her” di Stevie Wonder o "I Can't Help Myself (Sugar Pie Honey Bunch)" dei Four Tops.

Ascoltando gli arrangiamenti, ho potuto intuire un’impronta decisa, un filo conduttore, una sapienza innata nel miscelare melodie e pensieri dell’artista, plasmati in materia e incisi su solchi in vinile. È cosi che la mia ricerca è iniziata, ed è cosi che sono diventata fan dei FUNK BROTHERS.

I ’60, sono stati anni fecondi per la scoperta artistica, in cui il jazz aveva spianato la strada della sperimentazione a diversi compositori. Detroit pullulava di giovani e talentuosi musicisti il cui background musicale variava dal blues, allo swing fino al riecheggiare di sfumature R&B.

E' nel contesto della Detroit di fine 50’s, per esattezza nel 1959, che nasce la band di Hitsville Motown. Collettivo di 13 membri, (presumibilmente - la formazione andrà in continuo variare), jazzisti ingaggiati per fare da spalla ai più noti artisti del patron Gordy. Un autentico ensamble di genii che prima di entrare a far parte della Motown family, si dilettava semplicemente facendo musica. La formazione primordiale dei F.B. vede come leader il pianista Joe Hunter (fondamentale per la composizione di successi come “Pride and Joy" e "Come Get These Memories) , il bassista James Jamerson (definito “l’uomo che ha creato il sound della motown”) e il dynamic drummer originario dell’Alabama, William "Benny" Benjamin. Più tardi il lead-band Hunter verrà sostituito dal talentuoso pianista, veterano del jazz, Earl Van Dyke che diventerà il nuovo leader, e rimpiazzato alle tastiere da Mr Jhonny Griffith. Oltre a questi si aggiungeranno a questa Big Band Richard "Pistol" Allen eccellente batterista funk-jazz, Paul Riser (trombone); i chitarristi Robert White, Eddie Willis e Joe Messina, Jack Ashford (tamburino, percussioni, vibrafono, marimba); e un incredibile Eddie "Bongo" Brown alle percussioni.

La lista dei musicisti inclusi nei Funk Brothers è davvero lunghissima.

Si dice che ogni musicista passato in Motown dal ’59 al ’72 sia stato un membro della band, ad esempio lo stesso Dennis Coffey, o Wah Wah Watson sono inclusi nella lista di componenti F.B. perché musicisti Motown dal ’68 al 72’, cosi come l’eccelso batterista soul Uriel Jones, noto per il funky sound caratterizzante entrambe le versioni di “Ain’t no mountain high enough”. Peculiarità del sound made in Motown è quel suono cosi popolare, folk ma allo stesso tempo raffinato, ricercato, intrinseco di basso assoluto, e di un saggio tocco percussionistico che riesce ad infiltrarsi a mò di virus nel sangue, e far muovere a tempo qualsiasi materia dotata di anima, dai primi anni 60 delle mielose Ballads, al funk incessante dei 70’s.

Per quasi 13 lunghi anni, l’indiscutibile talento della band di Detroit ha trasformato uno scantinato, comprato come abitazione da Gordy, nel celebre “Studio A” anche detto “Snake Pit”, una prolifica industria, aperta 24 ore su 24 alla creatività dei musicisti Motown, che molto spesso in essa trascorrevano giornate intere a comporre, per una remunerazione di 10 $ a pezzo.

Di loro si dice che abbiano suonato più number one-hits dei The Beatles,Elvis Presley, The Rolling Stones, e The Beach Boys…messi insieme!

Giusto per far capire a chi non aveva mai sentito nominare i Funk Brothers prima, essi sono autori ed esecutori di successi come:

"My Girl" The Temptations, "Reach Out I'll Be There" The Four Tops, "You Can't Hurry Love" delle Supremes, "I Heard It Through the Grapevine" di Marvin Gaye, "The Tears of a Clown" di Smokey Robinson and the Miracles, "Midnight Train to Georgia" di Gladys Night and the Pips, "War" di Edwin Starr, della storica session di incisione di “What’s going on” di Marvin Gaye, e di 1000 (non si fa per dire) titoli ancora.

Per molti anni i Funk Brothers sono rimasti “nell’ombra della Motown” tanto per citare il celebre libro pubblicato nel 1989 “Standing in the Shadows of Motown”, da cui trae spunto l’omonimo documentario del 2002, in cui si rende giustizia alle doti dei Funk Brothers e in particolare del leggendario bassista James Jamerson, scomparso prematuramente perché affetto da patologie derivanti dalla sua dipendenza dall’Alcol, che a giusto titolo è stato inserito solo più tardi nel 2000, nella Rock and Roll Hall of Fame e riconosciuto come uno dei bassisti più forti di tutti i tempi, a cui hanno reso omaggio illustri rappresentanti della musica, non solo Soul, come Paul McCartney, Pino Palladino, Marcus Miller, John Patitucci e altri ancora.

Come tutte le cose belle, anche la storia dei Funk Brothers ha una fine.

Nel 1973, vista l’incredibile mole di affari estesa a tutta l’America, Berry Gordy decide di trasferire il suo Headquarter a Los Angeles, e cosi anche lo storico “Snakepit” diventa inattivo.

La fabbrica di Hits più produttiva della storia della musica cessa la sua attività, e con essa anche le strade dei membri della band si dividono.

Purtroppo in un solo articolo è facile omettere alcune importanti informazioni, Perciò incito chiunque sia interessato all’argomento, ad approfondire la ricerca e ad andare oltre ciò che si scorge a lettere cubitali su una copertina. È proprio all’ombra dei riflettori che ritroviamo storie come quella dei Funk Brothers…

…Don’t stop Diggin…come unica certezza!

Michela “Cini” Labarile

THE GATURS

2011-11-07T11:33:00.013+01:00

The Gaturs and Willie Tee.

La curiosità è una spinta che porta a scoperte piacevoli. E' il motore dell'incontro ed è l'anima della conoscenza.

Per chi raccoglie musica - colleziona dischi - il diggin' è un attività importantissima ed esaltante in cui la curiosità ha un ruolo importante: in pochi minuti si passa dalla rassegnazione alla soddisfazione all'esaltazione. Il viaggio, in questa ridda di emozioni, passa attraverso il contatto tra le dita e le copertine di dischi passate in rivista. La rassegnazione è legata a quei momenti in cui lo scorrere, lento, inizia a farsi frettoloso nella ricerca di "qualcosa" che non si trova. La soddisfazione subentra nell'istante in cui il tocco sfiora il disco cercato, le mani lo sollevano e lo sguardo scende sui titoli, sulla formazione, sull'anno di stampa. L'esaltazione: si trova qualcosa che non si sperava o non si sapeva di trovare. Questo è il punto che qui c'interessa: la scoperta di una novità.

Collezionare dischi è un'arte che va affrontata e studiata.

Collezionare dischi è spingersi oltre quella base di conoscenza, nella musica e nell'arte, che tutti abbiamo.

La curiosità è quel concetto intellettuale che porta a nuove scoperte, ad innamorarsi di nuove immagini, ad approfondire la scoperta casuale.

L'arte del diggin' si svolge tra mercatini pieni di dischi impolverati e tra immagini sfornate da internet su siti musicali specializzati. Qui, però, molte volte, più della curiosità casuale svolge lavoro di spinta la ricerca diretta di quel disco del quale si conosce già qualcosa e il motore è la voglia di possesso.

I Gaturs sono stati una scoperta piacevole. Lì ho trovati in una compilation dedicata al funk from New Orleans (zona di provenienza dei Meters, per intenderci) e questa scoperta mi ha spinto a cercare altre notizie. Mi aspettavo di trovare una produzione copiosa e interessante, visto che il pezzo inserito nella compilation - Yeah, You're Right - m'incuriosiva parecchio grazie al sound funk raffinato e, per alcuni versi, colto, dotato di spiccate radici jazz.

Il mio curioso diggin' produce una semplicissima scoperta: dei Gaturs non ci sono molte notizie. La loro produzione è legata a pochissime tracce nate tra il 1970 – Cold Bear e The Booger Man – e il 1971 – Wasted e Gatur Bait– per la Gatur Records in formato 45 giri.

Come spesso accadeva in situazioni simili, in quei tempi, la “casa discografica” altro non era che un tentativo di finanziamento di un gruppo che si autoproduceva un disco, un 45 giri, per poi metterlo in circolazione e crearsi l’occasione per il successo. La Gatur Records di Wilson Turbiton (il tastierista dei Gaturs), visto lo scarso successo commerciale, scomparve dalle scene e i diritti furono acquisiti dall’Atlantic Records e rimessi ad una sua controllata: la Atco Records che rimise in circolazione The Booger Man, in versione 7” nel 1971.

Va detto che il 7” prodotto dalla Gatur Records gira, nel mercato collezionistico, a prezzi proibitivi: si arriva ad una quotazione oltre i 100 euro per Wasted.

In piena epoca acid jazz, nel periodo di recupero delle sonorità degli artisti di fine anni 60' - '70, nel 1994, la newyorkese Funky Delicates ha stampato e commercializzato “Wasted: The Gaturs feat Willie Tee”, un disco che raccoglie i 45 giri prodotti dalla Gaturs Records. Wasted è una compilation nata da registrazioni di alto livello collezionistico. Oltre ai brani dei Gaturs troviamo pezzi a nome di Wilson Turbiton, tastierista della band, conosciuto, poi, come Willie Tee. Tutti pezzi in cui la formazione è la stessa dei Gaturs e in cui spicca l’uso della chitarra di Louis “Guitar June” Clark e della batteria – i pezzi sono conditi di sani break – di Leonard Paina. Funky Funky Twist è l’espressione di quanto detto: il brano parte con un break… subentra la chitarra sincopata… tastiere e voce. Inizia il funk. Si balla.

La curiosità è soddisfatta.

Buona musica.

Vincenzo Altini

JACKIE BROWN OST

2011-10-23T16:36:00.002+02:00

Con un salto attraverso lo specchio del suo mondo visionario, Tarantino, insolito Bianconiglio, ci guida in un mondo dal tempo riavvolto: la Regina Nera, con le fattezze di una splendida Pam Grier, regna incontrastata su una terra dominata da corruzione, perversione e criminalità; attorno, personaggi che intrecciano storie così realistiche da favorire la condivisione di quella morale – non poi così corrotta – che spinge Jackie oltre i limiti.

Blaxploitation docet, perché gli ingredienti ci sono tutti, e si fanno ben visibili: lo “sfruttamento del nero” (da cui il termine, unione di “black” ed “exploitation”) qui riproposto come omaggio ai classici del filone (i protagonisti – quelli tosti – sono neri, ma il bianco non è la “cancrena bianca” delle origini), storie di eccessi di violenza, tradimenti incalzanti, sesso (qui accennato) e musica, tanta musica; ma non una colonna sonora qualsiasi, no: qui ci sono quel funk e quel soul che un film à la blaxploitation ha il dovere di sfoggiare.

Il passaggio a questo mondo di delirante egocentrismo e di genuino egoismo ci è allietato da una voce che, sola, vale più di mille altre: “Across 110th Street” di Bobby Womack suggerisce il giusto ritmo per iniziare il nostro viaggio ai confini del tempo. Voce calda ed appassionata perfetta per narrare la storia di uomini qualunque con la medesima sensibilità di artisti come Marvin Gaye e Curtis Mayfield. A contraltare, ecco apparire i The Meters che, con la loro “Cissy Strut” pervasa da roboanti linee di basso, si riconfermano tra i pionieri del funk, semmai un dubbio ci avesse sfiorati.

C'è anche l'amore, quello che solo i Delfonics sanno raccontare: sapienti maestri di quel soul che a Philadelphia, negli anni '70, vide la luce dalla commistione di soavi melodie con arrangiamenti funk e sonorità jazz, e le cui note sottolineano il crescendo del sentimento tra i due protagonisti, così diversi tra loro, ma così vicini da apparire perfetti l'uno agli occhi all'altra.

Indiscusso dominatore di questa colonna sonora divenuta tutt'uno con lo sviluppo della trama ed i suo intrecci è Roy Ayers, amato vibrafonista e stimato compositore il quale, con la maestria che lo contraddistingue, compone una perfetta didascalia ai momenti d'azione della pellicola servendosi delle note delle sue “Exotic Dance”, “Aragon” ed “Escape” (tutte tratte dal film “Coffy”, diretto da Jack Hill nel 1973).

Dal canto suo Randy Crawford, inconfondibile ugola dei Crusaders, con “Street Life” provvede a scandire il tempo ed il senso dell'avventura che Jackie sta vivendo viaggiando, a bordo della sua macchina, verso il luogo dove si giocherà il tutto e per tutto, in nome di una sacrosanta giustizia privata.

Ogni traccia scelta dal regista come accompagnamento e parte stessa dell'opera ha vita propria e costituisce, spesso, un richiamo esplicito alla fonte da cui attinge (tra tutti “Long Time Woman”, cantata dalla stessa Pam Grier, in riferimento al film "The big doll house - Sesso in Gabbia” che la vede tra le principali interpreti).

Numerose le personalità che si incontrano in questa storia, ancor più numerose le voci che ne narrano le sfumature, ma ecco che, quando ogni tassello si ritrova al proprio posto, la voce che ci saluta è, ancora una volta, quella di Bobby Womack che, ora, ci riporta, dolcemente, alla realtà.

Astrid Majorana

WAYNE SHORTER

2011-10-06T13:56:00.005+02:00

Definire Shorter “sassofonista” è un’espressione corretta ma, nella sua semplicità, estremamente restrittiva. In realtà quando si parla di lui ci si deve preparare ad affrontare la storia del jazz degli ultimi 50 anni: Shorter è, infatti, uno dei più grandi e rivoluzionari musicisti. In quest’ottica, allora, considerando il jazz come libera espressione anche rivoluzionaria si può dire che Shorter sia jazz. Vi spiego il perché.

Le sue prime apparizioni sulla scena si riscontrano tra il 1956 e il 1958 anni in cui suona, quasi casualmente, con personaggi del calibro di Horace Silver, Nat Phipps e Maynard Ferguson (nella cui formazione transitò, anche, Joe Zawinul) facendosi conoscere per un carattere decisamente allegro e determinato. Fu grazie a questa caratteristica ed alla completa lontananza dal mondo dell’eroina che spinse Art Blakey, su segnalazione di Silver, a chiamarlo a sostituire il sax di Hank Mobley nei Jazz Messengers. Fu l’occasione della sua vita.

In un periodo caratterizzato dalla ricerca di esplorazioni musicali, con nuovi suoni e arrangiamenti che iniziavano ad emergere, il ruolo di Shorter all’interno dei Messengers fu quello di mantenere i piedi per terra e continuare l’esplorazione dell’hard bop dirigendone il suono verso frontiere meno spinte e più facili da affrontare.

Shorter divenne il direttore artistico dei Messengers, scrivendo e riarrangiando pezzi che avrebbero dato nuove direzioni all’hard bop. Esempio di ciò è dato dagli album Buhaina’s Delight (Blue Note), Art Blakey & The Jazz Messengers (Impulse) e Caravan (Riverside), tutti pubblicati tra il 1961 ed il 1962, dove a brani di nuova produzione, scritti da Shorter, Walton, e Hubbard, si alternano arrangiamenti in cui si evidenzia, nella cura del sound, un ruolo sempre più forte della sezione fiati a discapito della sezione ritmica.

Il 1964 è l’anno del debutto solista di Shorter per la Blue Note. Night Dreamer, JuJu (dove appare l’intera ritmica del quartetto di John Coltrane) e poi Speak No Evil, sono tre album fondamentali in cui il sound alterna momenti classici ed essenziali (Night Dreamer) a punte di ricerca sonora di stampo coltraniano (Mahjong e JuJu). Questi tre album furono il biglietto da visita con cui Shorter si presentò a Miles Davis.

In realtà fu Coltrane, stimando in particolar modo Shorter, a proporlo a Miles Davis in sostituzione dei vari Stitt, Coleman, Rivers e, nuovamente, Hank Mobley.

Il quintetto che ne venne fuori ha qualcosa di eccezionale al punto che Davis lo considerava il secondo miglior quintetto della sua storia. Del resto, con gente come Shorter, Hancock, Ron Carter e Tony Williams non avrebbe potuto essere altrimenti. Questo quintetto fu caratterizzato dalla presenza di quel gruppo di giovani musicisti che a livello critico erano considerati le migliori promesse del jazz per singolo strumento e la loro abilità andava oltre quelle che erano le singole aspettative. Il Miles Davis Quintet è, ancora oggi, citato come base essenziale dell’espressione jazz e una delle più influenti formazioni. La ragione di tale considerazione è nell’unicità del suono prodotto: ancora una volta si hanno momenti sonori di hard bop e sperimentazione solistica intervallati ad espressioni classiche e morbide.

Shorter compose per il quintetto Prince of Darknes, E.S.P., Footprints, Sanctuary, Nefertity e molti altri brani importantissimi nella discografia di Davis e Herbie Hancock arrivò a definirlo il miglior maestro di composizione con cui avesse mai avuto modo di lavorare. Lo stesso Davis – una volta tanto – definendo Shorter un grande compositore, ebbe modo di complimentarsi attribuendogli il valore assoluto di saper “…riconoscere nella musica che la libertà è l’abilità che ogni musicista ha di capire quando il suono d’insieme sia preponderante su quello che è il proprio lavoro…”.

Il quintetto di Davis si sciolse nel 1968 e Shorter continuò a partecipare ai progetti di Miles senza trascurare la produzione solistica per la Blue Note. Schizofrenia e Super Nova 8 (con Chick Corea e John Mclaughlin), seguenti a Adam’s Apple - dove appaiono tocchi di free jazz -, furono il preludio al salto successivo che si rese evidente e necessario a seguito della grossa collaborazione data a Miles Davis per Filles De Kilimanjaro, In A Silent Way e Bitches Blue.

Dal 1970, tranne che per alcuni live con Miles Davis, Wayne Shorter abbandona il sax tenore e dedica le sue attenzioni allo studio del sax soprano. Moto Grosso e Odyssey Of Iska furono il passo definitivo verso il sax soprano.

Odyssey Of Iska rappresenta un ulteriore passaggio: subito dopo l’uscita del disco, reincontrando Joe Zawinul, con Miroslaw Vitous, Airto moreira a Alphonse Mounzon nacquero i Weather Report, al confine tra jazz e rock, vera e propria band leader del movimento jazz fusion. Con la guida combinata di Shorter e Zawinul i Reaport hanno prodotto tra i più importanti brani jazz fusion con musicisti come Pastorius e molti altri che si sono susseguiti nella mitica formazione. Ognuno di questi musicisti ha potuto conoscere la straordinaria capacità direttiva e compositiva di Shorter sino al 1985 anno in cui Shorter lascia i Reaport.

Si susseguono collaborazioni e progetti di varia importanza e natura. Da segnalare: Native Dancer with Milton Nascimento (1974), Live at Montroux Jazz Festival with Carlos Santana (1988), 1 + 1 with Herbie Hancock (1997) tutte collaborazioni che hanno prodotto dischi usciti a nome di Shorter e molte collaborazioni con musicisti di vario genere, tra cui Pino Daniele per Bella ‘mbriana.

La carriera di Shorter toccando punti di riferimento che vanno oltre la moda del momento può essere definita jazz.

Jazz è un modo di approcciare la musica dove tutto è curiosità. Dove tutto è musica. Senza pregiudizi, senza essenza, senza intellettualismi.

Buona musica.

Vincenzo Altini

JAMIROQUAI

2011-09-12T09:20:00.008+02:00

Quando si pensa ai Jamiroquai, li si identifica con Jason "Jay" Kay, la voce, il frontman, quello con i copricapo vistosi e la passione per la velocità. Certo, si circonda di musicisti che fanno la loro onesta parte, ma Jamiroquai è inequivocabilmente lui!

Una domanda mi è tornata spesso in mente su Jason Kay, soprattutto quando il suo suono, quel disco/electro/boogie, è diventato sterile e sempre uguale: ci è o ci fa? Della serie, è un grande talento che si addormenta sugli allori (e sui dollari) oppure è un furbone che ha beccato il filone giusto e raschia il fondo del barile fin quando si può?

A sciogliere il dubbio ci ha pensato l’ultimo disco, Rock dust light star, uscito nel novembre 2010, nel quale finalmente sembra aver recuperato la verve dei primi lavori. Del resto, l’aveva preannunciato nel 2007, quando dopo un concerto da guinness su un aereo in volo da Londra ad Atene, aveva comunicato alla Sony di voler rescindere il contratto e smettere di fare musica fino al ritrovamento dell’ispirazione.

Parola mantenuta: Rock dust light star, inciso per la Universal, è un bel disco!

Per carità, non ci sono grandissime innovazioni. Il classico richiamo a Stevie Wonder (Two completely different things), qualcosa dei Police nella parte reggaeggiante di Hey Floyd, schitarrate rock (nella title track e in Hurtin’), brani per i dancefloor (White knuckle ride, forse il più debole dell’album), dell'energico funk (She's a fast persuader), canzoni dal sapore jazzy (Smokes and mirrors) e ballad pop intense (Blue skies, Goodbye to my dancer). Ma la minestra non sembra riscaldata.

Tra i solchi si sente energia, come se fosse suonato dal vivo, c’è la maturità di chi è cresciuto e ha sostituito l’anarchia con la serenità e c’è una ricerca musicale, che spazia tra i vari generi cari a Jason Kay.

Forse manca la freschezza di Emergency on planet earth, il disco dell’esordio. Ma quello è un album irraggiungibile, pieno di sfumature, di incroci musicali e di mistero: chi era quel giovanotto con cappellone da indiano e tuta Adidas che si dimenava sul palco? E poi, quella voce, così simile allo Stevie degli esordi: un miracolo!

E deve essere stato un miracolo anche passare in poco tempo dal rifiuto ricevuto dai Brand New Heavies, gruppo di punta dell’acid jazz, dopo un’audizione per la ricerca del cantante, alla firma di un contratto con la Sony. Quel When you gonna learn, singolo stampato dalla piccola etichetta Acid Jazz, era irresistibile e non poteva passare inosservato ai volponi di una major.

Nell’album, uscito nel maggio del ’93, in piena riscoperta dei suoni dance della musica nera, spiccano alcuni brani - Too young to die, Music of the mind, Blow your mind, Emergency on planet earth - e i temi ecologisti e sociali.

Il secondo disco, The return of the Space Cowboy, uscito solo un anno dopo, è quello con i suoni più psichedelici. Sarà per l’uso frequente di droghe, ma quando canta JK sembra volare in una zona interplanetaria, dove tutto va bene, le vibrazioni sono positive, gli amici sono vicini e le inibizioni spariscono. E’ lo spazio ideale cantato in Space Cowboy, una suite lunga quasi sette minuti, che remixata da David Morales fa conoscere il "cowboy delle stelle" anche ai discotecari.

Il botto è nell’aria e arriva con il terzo album, Travelling without moving (1996), nel quale si ascoltano, uno dopo l’altro, Virtual insanity (accompagnato da un video pluripremiato), Cosmic girl, Use the force, Everyday e Alright: bastano questi brani da soli per giustificare l’acquisto di un disco, che vende oltre undici milioni di copie in tutta Europa.

La pioggia di soldi e di popolarità, rimpinguata dal successo del singolo Deeper underground, inserito nella colonna sonora di Godzilla, non fa bene alla band, abbandonata da uno dei creatori di quel suono ormai riconoscibile, il bassista Stuart Zender, per presunti dissapori con Jason Kay, sempre più annebbiato dalle droghe. Il risultato è il disco successivo, Synkronized (1999), uscito perché c’è un contratto e quindi deve uscire, ma che non porta niente di nuovo alle orecchie degli ascoltatori. Però il disco vende e, allora, perché non continuare così? Ed ecco A Funky Odyssey (2001) e Dynamite (2005). Due buoni dischi… se li avesse fatti un esordiente, ma da Jason Kay e la sua band ci si aspetta qualcosa di originale. E, invece, c’è sempre la solita ricetta: una dose massiccia di disco (Love phoolosophy nel primo, Dynamite nel secondo), una porzione abbondante di pop di qualità (You give me something, Seven days in sunny June), una spruzzata di rock (Feels just like it should) e piccole zollette di zucchero per i cuori teneri (Corner of the earth, Tallulah).

La chiusura del periodo più asettico della produzione dei Jamiroquai viene sancita dalla raccolta High times: singles 1992-2006, che contiene l’inedito Runaway, con la quale si chiude il rapporto contrattuale con la Sony.

E siamo, finalmente, ai giorni nostri con il gran ritorno sancito da Rock dust light star e dalla chicca Smile, non inclusa nell’album, disponibile in download gratuito sul suo sito.

Bentornato JK!

DONALD AUSTIN - CRAZY LEGS

2011-08-23T11:37:00.007+02:00

Come già detto molto spesso negli articoli precedenti, ci sono musicisti che nella loro carriera hanno fatto poco, ma quel poco che hanno fatto ha lasciato il segno.

Proprio grazie allo sforzo dei collezionisti riprendono vita dei dischi che altrimenti sarebbero rimasti nel dimenticatoio. Dischi che non meritano assolutamente questa fine. Non a caso molti di questi album vengono ristampati sia in vinile sia in cd, per dar modo agli appassionati, o a chi magari si avvicinana alla black music, di usufruire di una facile reperibilità e di poterne apprezzare la bellezza.

Uno di questi casi è proprio il disco "Crazy Legs", su etichetta Eastbound, del chitarrista Donald Austin, originario di Memphis. C'è poco da dire su di lui, ha lavorato da arrangiatore e sessionista per Junie Morrison degli Ohio Players, per Fuzzy Haskins dei Funkadelic e per Ron Banks dei Dramatics, questo è il suo unico disco in carriera, e a dirla tutta è composto da parecchi brani usciti precedentemente su 45 giri.
Un disco che però attira l'attenzione di tutti i collezionisti nel mondo.

Parliamo di tredici tracce tutte strumentali che partono proprio dalla title track Crazy Legs, il brano più famoso del disco, inserito anche in parecchie compilations dedicate al funk, che parte con il suo ormai famoso riff di chitarra.

Funk potente quello di Donald Austin, caratterizzato da quel sapore blues che non fa mai male, anzi...

Non mancano breaks di batteria e covers, Hot Rooster e Can't Stand The Strain dei Funkadelic ne sono un esempio, eseguite in maniera notevole.

Da evidenziare assolutamente brani come Side Sadle, a mio parere la più potente del disco, la bellissima Rainy Day Fun, il country funk di Manassas Boogie che contiene anche un ottimo break, Nanzee e Sex Plot.

Tutto il disco comunque nell'insieme merita molto.

Nota particolare va fatta per la splendida copertina del disco, non a caso è una delle cover scelte da Joaquim Paulo per la sua splendida raccolta "Funk & Soul Covers" che sicuramente porta alla luce anche l'importanza di questo disco anche a livello collezionistico.

Non fate mancare questo disco nella vostra collezione, anche se la copia originale costa non poco, potrete trovare delle reperibili ristampe. Non ve ne pentirete.

Funk The System

Dj Danko

GROVER WASHINGTON JR.

2011-07-07T16:22:00.011+02:00

Grover Washington jr.

Luglio 1971. La Tamla Records si sveglia e mette in stampa What’s Going On di Marvin Gaye. Contemporaneamente, in una saletta del mitico studio Van Gelder in Engelwood Cliffs Groover Washington jr è in fase di registrazione del suo primo album. La storia, forse una leggenda, dice che dopo aver sentito Inner City Blues Groover sia andato in sala di registrazione ed abbia portato una variazione alla scaletta del suo primo disco solista. Altra storia dice, invece, che la Tamla abbia pubblicato il disco di Marvin perché era stata informata della registrazione e dell’imminente uscita di Inner City Blues per la Kudu Creed (debut album che sarà pubblicato nel settembre del 1971). Fatto è che What’s Going On e Inner City Blues si trovarono, per un certo periodo, in classifica insieme ed entrambe in posizioni di vertice. Certo è che What’s Going On con tutti i suoi brani fu uno dei dischi più importanti della musica nera e Inner City Blues, brano che darà il titolo al debut album di Grover Washington, è, ancora oggi, uno dei pezzi che conta più cover e riarrangiamenti..

L’importanza della discografia di Groover Washington jr, però, non è nella sua “partecipazione” al successo di Inner City Blues, vero e proprio inno denuncia delle condizioni di vita nel ghetto delle città americane, ma nel suo apporto, grazie allo stile pulito e morbido, alla corrente Smooth Jazz.

Il suono pulito, le note “facili” ed immediate, la quasi totale mancanza delle complesse armoniche del jazz e l’uso della ritmica in chiave armonica, tipiche dello Smooth Jazz, hanno decretato il successo radiofonico dei dischi di Groover Washington jr e di molti degli artisti che, in un modo o nell’altro, ne hanno seguito la scia. Prima del lavoro di Grover Washington, c’è da dire che il jazz era praticamente scomparso dalle classifiche e dalle programmazioni radiofoniche finendo relegato in trasmissioni ad hoc in una forma di auto ostracismo.

Groover nacque a Buffalo nel 1943 in una famiglia della middle class nera americana, in cui l'elemento di unione era rappresentato dalla musica: la madre era corista gospel ed il padre collezionista di vinili e discreto sassofonista. A 8 anni gli fu regalato un sassofono grazie al quale, in piena adolescenza, fu chiamato a far parte di una band, i Four Clefs, con cui iniziò a girare per gli States sino a quando non fu richiamato dallo Zio Sam. Fu durante la ferma che incontrò Billie Cobham che lo spinse a prendere la decisione di dedicarsi definitivamente alla musica ed al rientro a New York gli presentò molti musicisti con i quali iniziò ad entrare ed uscire dalle sale di registrazione in qualità di session man.

La svolta, però, giunse con l’album Breakout, di Johnny Hammond in cui Grover si trovò ad essere chiamato per sostituire, all’ultimo momento, Hank Crawford. Il suono pulito e deciso del sax di Grover impressionò Creed Taylor, produttore dell’album di Hammond, che gli propose d’incidere un album con la CTI ( Kudu Creed) in qualità di band leader. Il debut album sarebbe stato, appunto, Inner City Blues con una formazione in cui figurano elementi come Ron Carter al basso, Idris Muhammad alla batteria, Airto Moreira alle percussioni, poi Eric Gale (che lo accompagnerà per gran parte della produzione discografica) alla chitarra e Richard Tee all’organo.

Grover dirà: “…ero stanco di vedere scatole di dischi in cui il mio nome appariva solo in seconda facciata…”. Il disco, spinto dal suono che riproduceva elementi pop, soul e r&b, in una forma di fusion molto morbida e semplice seppure sofisticata ed elegante, ebbe un discreto successo. Splendide sono le versioni di Inner City Blues in cui viene ripresentata l’intro originale del brano – sirene di polizia ed ambulanze ed urla, e Ain’t No Sunshine di Bill Withers, tratta da Just As I Am del 1971, anch’esso uno dei brani più conosciuti della storia della musica nera.

Seguirono: All King’s Horses, dove spicca Lover Man, e Soul Box, dove appaiono le versioni di Trouble Man e You’re The Sunshine Of My Mind in chiave smooth jazz.

Ma è con Mr Magic ( 1974) che le porte del successo, quello vero, si spalancano. Il disco arrivò al 10 posto della classifica Billboard con la title track stabilmente, per mesi e mesi, nelle classifiche pop ed r&b. Mr Magic è un pezzo di nove minuti di pura goduria in cui la chitarra di Gale, quasi sincopata come le migliori chitarre jazz, introduce le note del sax di Groover in un viaggio che si spinge, con morbidezza, verso suoni puliti. La sensazione che si ha, oltre alla voglia di farsi dondolare, è quella di un colpo di calore, di un abbraccio delicato, di un invito a lasciarsi andare.

Poi toccò, tra un tour e l’altro, a Feel So Good (1975), che bissò il successo di Mr Magic riuscendo ad arrivare nella top 10 della classifica r&b, e A Secret Place (1976), con l’elegantissima Dolphin Dance, e Live At Bijou (1978) con una versione significativamente straordinaria di Mr Magic.

Nel periodo finale degli anni ’70, mentre imperversavano sonorità molto danzerecce e goliardiche che si arricchivano dell’apporto di altre strumentazioni e forme musicali, la produzione di Grover, sebbene influenzata dal periodo, rimase fedele ai canoni stilistici derivanti dalla morbidità espressiva del suo sax producendo brani avvincenti e sensuali come Reed Seed - dall’album Reed Seed del 1979 – in cui Washington si cimenta con il sax soprano e Do Dat, funkeggiante e morbida con lievi accenni pop.

Il vero capolavoro, però, è Winelight prodotto per la Elektra nel 1980.

Pensato, registrato e dato alle stampe in pochi giorni, subito dopo aver sottoscritto il contratto con la Elektra del gruppo della Warner, il disco contiene 6 perle: Winelight, la title track, Let It Flow (Fo Dr.J.), dedicata a Julius Erwing, Dr. J, guardia dei Philadelphia 76ers, In the Name Of The Love, Take Me There, Make Me A Memory e Just The Two Of US, la vera perla, con la collaborazione di Bill Withers. L’album entrò nella top ten delle classifiche pop e r&b e Just The Two Of Us fu al 2° posto della stessa classifica per tutta l’estate del 1981. Winelight vinse il disco di platino per quell’anno ( lo comprò anche un mio amico fissato per l’heavy metal, ndr) e si aggiudicò il titolo di Miglior Performance Jazz Fusion (Winelight) e disco dell’anno.

Just The Two Of Us è considerata la canzone simbolo del Smooth Jazz.

Con Winelight, Washington fu considerato un talento di livello mondiale e tutta la sua produzione musicale fu oggetto di rivalutazione

Baddets (1981), The Bets Is Yet To Come (1982) e Inside Moves (1984), album successivi al successo di Winelight, furono nave scuola per molti artisti che lasceranno, poi, impronte significative nel Smooth Jazz. Kenny G, Walter Beasley, Steve Cole, Sade e altri ancora, devono molto al lavoro di Grover.

Dopo esser stato influenzato da artisti come Dexter Gordon, Roland Kirk, Stanley Turrentine e Cannonbal Adderley e Sonny Rollins, come ha più volte dichiarato, Grover Washington svolge, ancora oggi, ad oltre 10 anni dalla sua morte avvenuta per arresto cardiaco durante la session di registrazione di un disco, profonde in fluenze nell’ambito dell’Hip Hop. Mister Magic è stato campionato da Salt – N – Pepa, Dj Jazzy Jeff & Fresh Prince, Heavy D, The Pharcyde, ecc ecc. I Ti Feel So Good, da Guru per Sliker Than Most. Knuclehead da Ice Cube, Ed Og & the Bulldogs, Brand Nubian. Just The Two Of Us da Eminem, Smif’n’Wessun, Will Smith, ecc ecc.

Un suono caldo. Deciso e delicato. Influssi classici ed interpretazione moderna.

Questo è Grover Washington jr.

Buona musica.

Vincenzo Altini

PAUL HUMPHREY

2011-06-23T09:31:00.007+02:00

Ci sono batteristi e batteristi...

Sicuramente se si nomina Paul Humphrey, la grande maggioranza dei semplici appassionati di musica nera non sa chi sia. Gli ascoltatori attenti, quelli che spulciano nelle note di copertina per conoscere i musicisti che hanno partecipato al disco che stanno ascoltando, invece, lo ricorderanno sicuramente.

Si perchè stiamo parlando di uno dei "session drummer" più attivi nella Los Angeles anni 60 e 70 e nel panorama jazz funk d' oltreoceano.

Nato il 12 Ottobre del 1935 a Detroit, ha partecipato alla realizzazione dei dischi di un'infinità di artisti tra i quali Les McCann, Blue Mitchell, Quincy Jones, Joe Cocker, Charles Kynard, Gene Ammons, Frank Zappa con il quale ha curato le ritmiche del disco "Hot Rats" del 1969, Al Kooper, i Four Tops, Jimmy Smith con il quale ha contribuito alla realizzazione di uno dei suoi album più belli: "Root Down" (live), e per dirne un'altra Paul Humphrey è anche il batterista dell'album "Let's Get It On" di Marvin Gaye. Quindi non proprio uno sconosciuto.

Artisti come Paul Humprey restano spesso nella penombra, ma partecipano in modo diretto al successo dei grandi artisti e alla realizzazione di brani che hanno fatto storia.

Nella sua carriera però, Paul Humphrey ha prodotto anche dei dischi da band leader. Il primo è stato stampato nel 1969 sotto il nome di "Paul Humphrey & The Cool Aid Chemists" su etichetta Lizard.

Accompagnato da David T. Walker alla chitarra, Clarence McDonald alle tastiere e Bill Upchurch al basso, il nostro Paul sforna questo discone con delle chicche notevoli. In primis da annotare è la hit Detroit, a mio parere la più potente del disco, ma a scalare le classifiche sono le comunque notevoli Cool Aid che arriva nella Top 20 R'n'B e ci rimane per 11 settimane per poi entrare anche nella Top 40 Pop, e Funky LA che si piazza al numero 45 dei singoli black.

L'album inoltre contiene le favolose cover di Ain't That Peculiar, Music Talk, Sack Full Of Dreams e Them Changes. Un disco da avere sicuramente.

Nel 1973 pubblica per la Blue Thumb Records l'album "Supermellow" questa volta accompagnato da Joe Sample alle tastiere, Winton Felder e Chuck Rainey al basso, Arthur Adams e David Cohen alle chitarre e Nick DeCaro agli accordi. Un disco che scorre in maniera molto piacevole e che va dai controtempi quasi reggaeggianti di Supermellow e Boo A-Cha, alle più veloci e funky Hot Ice Cream, Poppa Charlie e Got It Together.

Tra Ottobre e Novembre del 1973 Humphrey registra quello che sarà il suo terzo album, che verrà pubblicato l'anno successivo sempre per la Blue Thumb Records con il titolo di "America, Wake Up!". Con un titolo così ci si aspetta magari che la title track (in questo caso il brano che apre il disco) abbia magari un testo impegnato, invece ci si ritrova davanti ad un brano di un minuto e mezzo dove su un ottimo groove vengono semplicemente presentati i musicisti del disco. A differenza dei primi 2 dischi abbiamo la presenza del sassofono, ma questo non aiuta nella qualità del disco che sicuramente, pur essendo molto orecchiabile, non raggiunge la qualità dei due precedenti. La traccia che sicuramente preferisco è That's Deep.

Nella seconda metà del 1974 Paul Humphrey pubblica "The Drum Session" insieme ad altri 3 batteristi/percussionisti: Willie Bobo, Shally Manne e Louis Bellson. Un disco naturalmente dove gli assolo di batteria jazzati e latin la fanno da padrone. Ma anche dove brani come Super Mellow cambierebbero i connotati a qualsiasi esperto di musica jazz funk del pianeta. Davvero un disco imperdibile. Dal primo all'ultimo istante.

Nel 1979 Paul chiude i suoi lavori da solista con "Me And My Drums", ma nella sua carriera non ha mai smesso con il suo lavoro di session drummer sino agli anni 90. Da segnalare anche il suo apporto come art director e design nell'album "Spirito Divino" del nostro Zucchero Fornaciari.

Paul Humphrey, inoltre, è stato ultimamente riportato alla notorietà grazie al progetto KeepInTime che racchiude batteristi storici come lo stesso Paul Humphrey, James Gadson e Derf Reklaw che realizzano vere e proprie session con dj's quali Cut Chemist, Numark, Shadow, Babu, J Rocc e Madlib. Un progetto davvero interessante ed originale, tutto da gustare!

Posso ribadire, infine, che tutto ciò che è passato sotto le bacchette di Paul Humphrey è sinonimo di qualità e che, nonostante il suo non sia un nome che balza subito agli occhi, il consiglio è quello di provare a girare le copertine dei dischi degli artisti che ascoltate, magari a contribuire alla buona riuscita dell'album che avete appena apprezzato c'è proprio Paul Humphrey, alla batteria naturalmente.

Dj Danko.

EARTH, WIND & FIRE

2011-06-12T21:07:00.012+02:00

La black music è un universo che nella sua magnifica semplicità appare di difficile aggressione. Se cercassimo, infatti, d'individuare i caratteri che consentono di definire la musica nera dovremmo fare riferimento alla ritmica di James Brown, alla voce di Marvin Gaye, all'uso dei testi di Gil Scott Heron, ai riferimenti della musica del mondo di John Coltrane ecc ecc ... senza arrivare a dare quella definizione alla ricerca della quale il nostro viaggio è iniziato.

In realtà la musica nera è un contenitore che raccoglie in se tematiche espressive e suoni che partono dall'Africa e viaggiano attraverso i cinque continenti e producono un suono caldo nell'uso della vocalità, sincopato nella ritmica e avvolgente nei fiati e nelle melodie. Questo concetto esemplificativo non definisce la black music e rischia di originare discussioni lontane dal volere dello scriba.

Faccio outing: sono totalmente contrario alle definizioni musicali ritenendole uno strumento a cui le case discografiche ricorrono per vendere i loro prodotti. Secondo la mia visione, totalmente personale ed egocentrica, esistono solo due classifiche: una per i dischi che semplicemente acquisto e l'altra per i dischi che acquisto ed amo e, senza voler tediare nessuno con la descrizione completa del “perchè acquisto” e del “perchè amo”, dico che i dischi che amo si caratterizzano dall'aver testi con poetici riferimenti sociali e/o storie complesse nella loro genesi e vita.

I dischi degli Earth Wind & Fire si collocano come pochi nella mia personalissima classifica dei dischi che amo. Vi spiego il perchè.

Gli Earth Wind & Fire nascono nel 1969 da un'idea di Maurice White, batterista sessionista della Chess Records di Chicago, che spinto dalla sua passione per l'Africa e l'Egitto e dalla musicalità unità alla performance live della Family Stone decise di formare un gruppo jazz pop in cui far confluire le tematiche coltraniane e l'espressione pop di Sly Stone. All'idea aderirono Wade Flemons (voce, piano e marimba) e Don Whitehead (tastiere e voce) ed il gruppo prese il nome dei Salty Peppers. I Salty, sotto contratto per la Capitol Records, produssero alcuni jingle pubblicitari e un paio di singoli di discreto successo (soprattutto il primo – La La Time) senza, però, soddisfare appieno le idee di White. L'idea era difficilmente realizzabile in trio e, inoltre, le tematiche del gruppo erano, per il gioco di poteri all'interno della formazione, ancora troppo lontane dal raggiungere quel concetto di musica del mondo con influssi soul funk afro e pop che solo successivamente, e molte formazioni dopo, White avrebbe realizzato.

Nel 1970, White sciolse i Salty e, con il fratello Verdine al basso, Sherry Scott cantante, Phillard Williams alle percussioni, Michael Beale alla chitarra, con una sessione fiati composta da Chester Washington, Leslie Drayton e Alex Thomas, oltre ai “vecchi amici del Salty” Flemons e Whitehead, creò gli Earth Wind & Fire nella loro originaria formazione a dieci elementi.

Nella spiegazione del nome della band si ritrovano la personalità di White e la mission a cui gli EW&F sono chiamati: Terra Aria Fuoco Acqua sono gli elementi di cui, secondo alcune teorie filosofiche, il mondo, animato ed inanimato, è composto. La mancanza dell'elemento Acqua è dovuta al narcisismo di White: il suo segno zodiacale – il sagittario – è un segno di fuoco influenzato da aria e fuoco. Di qui il nome Earth Wind & Fire. Questi elementi con riferimenti di astronomia e di filosofia torneranno nelle copertine e nei testi dei dischi degli EW&F e verranno citati, volta per volta, nei live.

Esce l'Album Earth Wind & Fire e, successivamente, The Need Of Love (Warner Bross) il cui singolo estratto, I Think About Lovin' You, entra nei primi 40 posti della R&B chart.

Di li a poco, causa il malcontento della gestione possessiva di Maurice White, il gruppo, nonostante il successo, subirà un rivoluzionamento: Maurice licenzierà tutti i componenti, tranne il fratello Verdine, e ricomporrà la formazione con altri elementi facendo confluire nel progetto quei musicisti in grado di riprodurre un sound orientato verso sonorità afro funk, con influssi pop, soul e jazz.

La caratteristica del sound degli EW&F che verrà fuori dalle formazioni che registreranno gli album Last Days And Time, Head To The Sky e Open Our Eyes è rappresentata dalla presenza della kalimba – strumento tipico africano consistente in una serie di piccole strisce metalliche poste su una cassa di risonanza a forma di scatola – suonata, per la prima volta, da Maurice White in Power da Last Day And Times. Power è un brano strumentale che non riscuoterà un grande successo ma che sarà considerato, poi, una pietra miliare dell'evoluzione e della realizzazione del sound tipico degli EW&F. Il brano che riscuetrà maggior successo sarà Where Have All The Flowers Gone, una cover del brano di Pete Seeger ma da quel momento in poi, la kalimba - elettronica e non - sarà sempre presente.

Open Your Eyes consentì alla band di aggiudicarsi, con il singolo Mighty Mighty, arrivato al 29° posto nella classifica pop, il primo disco di platino. In Open Your Eyes sono presenti tematiche fortemente spirituali. Il singolo Devotion, altro successo, dimostra che il suono gioioso e ottimista della band non è un cortocircuito di semplicità e di scarsa visione delle problematiche della vita. Il loro sound, accattivante, anche ammiccante, è inteso come uno strumento teso a comunicare che il divertimento e la gioiosità, elementi essenziali della socializzazione, sono uno strumento per riflettere e per sentirsi parte integrante del progetto divino della vita.

Ma la bomba non è ancora esplosa.

Nel 1974 Sig Shore, regista di Superfly, chiamò gli EW&F per la colonna sonora di That's The Way Of The World (Così Va Il Mondo). Il film, la cui trama verte sul rapporto tra gruppi musicali e case discografiche, in cui Harvey Keitel è il produttore che assolda The Group (proprio gli EW&F) per portarli al successo e poi abbandonarli al momento della caduta, fu un vero e proprio flop al botteghino ma non per la colonna sonora. I fratelli Withe ( a Maurice e Verdine si aggiunse anche Fred) videro le porte del successo spalancarsi inesorabilmente: Shining Star, tratto dalla colonna sonora arrivò al primo posto delle classifiche sia pop che soul. Thath's The Way Of The World si apre con Shining Star brano caratterizzato dal martellante pulsare delle chitarre ritmiche dal suono secco e percussivo, classico del funk alla James Brown, da una controfase superdolce di chitarra che gli conferisce un feeling rock alla Doobie Brothers, da spettacolari break fiatistici che rivaleggiano con quelli dei Kool And The Gang e da furiosi hook. L'album seguì lo strepitoso successo del singolo e raggiunse la vetta della classifica soul e gli EW&F vinsero un Grammy per l'anno.

La band partì per un tour europeo con il chitarrista Santana da cui scaturì la registrazione di un doppio live, Gratitude, entrato a buon merito tra i più importanti album della black music. Gratitude, uno dei pochi live dell'epoca, usato, ancora oggi, come metro per la registrazione dei live, è un esempio di black music a tutto tondo in cui la band mette in mostra le radici jazzistiche e l'ispirazione africana (Sun Goddess e New World Symphony), arrivò, manco a dirlo, al primo posto delle classifiche conquistando il doppio disco di platino, traguardo ineguagliato da qualunque altro gruppo di black music.

Il 1975 fu l'anno d'oro degli Earth Wind & Fire con un live doppio, una serie di 45 giri che arrivano nelle vette di tutte le classifiche (Singasong – nata durante un sound check – e la cover di Can't Hide Love, brano già portato al successo nel 1973 dai Creative Source) e un tour destinato a diventare leggenda. Da quel momento in poi gli EW&F diventano uno dei gruppi più importanti della scena musicale mondiale.

A Gratitude seguirono Spirit, 1976 – arrivò al secondo posto – e All'n'All, 1977 – arrivò al terzo posto, in cui brani come Getaway, Serpentine Fire e Jupiter contengono un'esplosiva miscela di funk jazz da cui emerge una tecnica di primordine che evidenzia assoli di sax arricchiti da splendidi arrangiamenti percussivi e da superbe prestazioni vocali.

Senza dimenticare la storica e super ascoltata September, 1978, in piena epoca disco music, ballata e riballata così tante volte e da così tanta gente da essere considerata uno dei pezzi più ballati in assoluto.

Dal 1972 al 1979 gli EW&F sono stati ogni anno in tournée. Dopo il 1975 i loro concerti sono diventati leggenda. Ogni città che hanno visitato è stata invasa da suoni, lucici, effetti laser, abbigliamenti inverosimili, zatteroni e macchinari scenici di ogni genere. Poi arrivarono le astronavi e raggi che proiettavano i musicisti sulla terra. Sensazioni incredibili. Scene meravigliose e tutti, accorsi da più parti, a bocca aperta. Stupiti. Stupiti dalla musica, stupiti dalle scene.

Nel 1984 gli EW&F si sciolsero.

Si riunirono tre anni dopo attorno al nucleo centrale dei fratelli Maurice e Verdine White, Phill Bailey e Andrew Woodfolk per altri concerti e altri successi.

I successi degli Earth Wind & Fire sono tanti. Non è facile riassumerli tutti ed evitare l'elenco inconsistente di dischi e di successi.

Questo è solo uno spunto per continuare ad ascoltare la loro musica e restare lì, così, a bocca aperta. Con un sorriso stampato in faccia a ballare ed immaginare che un'astronave sia scesa sulla terra.

Buona musica.

Vincenzo Altini

ELLA FITZGERALD

2011-06-03T09:18:00.006+02:00

«Some kids in Italy call me Mama Jazz; I thought that was so cute.

As long as they don’t call me Grandma Jazz»

Oggi vorrei raccontarvi di una delle grandi donne della storia della black music. Considerata da molti critici e dai puristi jazz la migliore di sempre, anche migliore di Aretha Franklin. Di sicuro è stata la numero uno in assoluto per quel che riguarda strettamente il jazz. Mi riferisco a Ella Jane Fitzgerald.

Siamo nel 1917, nasce Ella, in una famiglia a dir poco problematica, suo padre infatti lascia la moglie poco dopo la sua nascita e crescerà con sua madre e il suo fidanzato. Nel 1932, quando Ella ha solo 15 anni, sua madre muore in un incidente stradale, evento questo che segnerà per sempre la vita della giovane artista. La sua situazione familiare poco piacevole la costringe a scappare di casa, finirà poi in un orfanotrofio del Bronx. Il suo debutto su palcoscenico avvenne nel novembre del 1934, all’Apollo Theater di Harlem, New York per una serata di giovani talenti dilettanti. Ella era lì per ballare ma presa dall’emozione e dalla paura di fallire, non riuscì a muovere un muscolo. Decise allora di non abbandonare il palco e di cantare. Si esibì in Judy e The Object Of My Affection due pezzi delle Boswell Sisters e vinse addirittura il primo premio.

Venne notata di lì a poco da Chick Webb che era in cerca di una cantante per il suo gruppo, iniziò così una collaborazione fino al 1939 quando Webb morì. In quegli anni molti furono i successi tra cui Love and Kisses e la sua versione, nel 1938, di A-tisket, A-tasket, una canzone popolare riadattata che conquistò il pubblico.

Dopo la morte di Chick Webb, Ella continuò con la sua “Famous Orchestra” ancora per qualche anno, ma nel 1942 firma un contratto per l’etichetta Decca e grazie al suo abile manager Milt Gabler e al produttore Norman Granz, Ella inizia ad esibirsi regolarmente alla Jazz At The Philarmonic (JATP) e registrerà nel giro di pochi anni una quantità incredibile di album uno più estasiante dell’altro.

Siamo alla fine dell’era dello swing e all’avvento del bebop che costrinse Ella a modificare il suo stile per adattarlo alle nuove sonorità in voga in quel periodo. Sarà per Ella un cambiamento che la portò in alto, ma veramente in alto. Iniziò a collaborare con personalità del calibro di Dizzy Gillespie che con il suo carisma e talento incredibile influenzò non poco lo stile di Ella. In questo periodo Ella inizia a cantare usando anche la tecnica dello “scat” ovvero, l’improvvisazione nel canto fatta di sillabe senza senso a creare una melodia e un ritmo come se la voce fosse uno strumento musicale. Ci si trova così con Ella che rincorre con la sua voce la tromba di Dizzy in un vortice d’energia e musica tanto affascinante quanto unico.

Con la Decca, Ella pubblica, in 5 anni, ben 6 album tra i quali spicca “Lullabies Of Birdland” del 1954 che contiene brani come Lullaby of Birdland, Angel Eyes oppure Oh, Lady Be Good, assolutamente imperdibili.

Tra il 1955 e il 1956 nasce la Verve Records, per opera di Norman Granz che crea quest’etichetta attorno al successo di Ella. È anche il momento più importante della carriera artistica di Ella che inizierà il suo progetto “Songbook”. Pubblicherà infatti una serie di 8 album in otto anni, in cui collaborerà con moltissimi musicisti dimostrando a sé stessa e al pubblico di avere un talento fuori dal comune non solo nel jazz. Il suo desiderio era quello di cantare pezzi non strettamente bop, in modo da conquistare un pubblico sempre più vasto.

Le canzoni contenute nel primo album vennero scelte accuratamente da Ella in una raccolta chiamata “Great American Songbook” che contiene canzoni popolari, rarità che non hanno niente a che fare col jazz. Il successo fu spropositato! Vi dico solo che “The Cole Porter Songbook” datato 1956 e primo della serie “Ella Fitzgerald sings…”, nel 2000 è stato introdotto nella Grammy Hall Of Fame, per la sua particolare importanza storica, e nel 2003 è stato scelto tra i 50 album per la National Recording Registry, un registro che raccoglie registrazioni, discorsi, e musiche particolarmente rappresentative per la cultura degli Stati Uniti.

Tra il 1956 e il 1957 Ella registra ben 3 album con un’altra icona del jazz, ovvero Louis Armstrong con il quale nacque una profonda amicizia oltre che un’intesa artistica a dir poco sconvolgente. Nel 1956 esce “Ella & Louis”, un album sublime, di un’ eleganza unica come la maggior parte di tutti gli album di Ella. Contiene pezzi come A Foggy Day di George e Ira Gershwin, oppure They Can’t Take That Away From Me, o la famosissima Tenderly, brano del 1946 scritto da Jack Lawrence, reinterpretato negli anni da gente come Chet Baker, Tony Bennett, George Benson, Nat King Cole, Billie Holiday, Sarah Vaughan, Frank Sinatra e molti altri. Il successo della coppia Armstrong-Fitzgerald è replicato nel 1957 con “Ella & Louis Again”.

Due delle “divinità jazz” insieme per la seconda volta, a regalarci perle di rara bellezza comeAutumn in New York oppure Let’s Call the Whole Thing Off, brano scritto da George e Ira Gershwin per il filmShall We Dance del 1937 nel quale questo brano è introdotto da 2 personalità immense del cinema e dello show business come Fred Astaire e Ginger Rogers che danzano sulle note di questo splendido e frizzante brano. Da segnalare la presenza di Oscar Peterson al piano nella band di quest’album… che ve lo dico a fare!

Niente in confronto a quello che sarebbe stato il successo del terzo album di Ella e Louis, sempre del 57, ovvero “Porgy & Bess” che contiene brani tratti dalle musiche di un musical di George e Ira Gershwin chiamato appunto rivisitato in chiave jazz “Porgy & Bess” basato su una storia di DuBose Heyward. Disco sconvolgente, poetico, raffinato e caldo con la voce di Ella che fa viaggiare la mente in luoghi sconosciuti con la splendida Summertime che è definita dagli esperti una delle registrazioni jazz più sofisticate e piacevoli mai registrate. Ci sono, in commercio oltre 24,000 versioni di questo pezzo a dir poco storico e immortale. “Porgy & Bess” è entrato nel 2001 nellaGrammy Hall Of Fame per il suo valore storico.

Nello stesso anno ancora un grandissimo album con un altro mostro sacro del jazz, Duke Ellington. Esce infatti “The Duke Ellington Songbook“ l’unico della serie dei Songbook a vedere lo stesso compositore delle canzoni nell’album, ovvero Sir. Duke. Album diviso in tre parti, una più incredibile dell’altra con Ella che segue il maestro Duke con una personalità unica usando il suo scat con una sconvolgente facilità. In questo album suonano musicisti del calibro di Oscar Peterson, già collaboratore di Ella nell’album con Louis Armstrong e Dizzy Gillespie che non ha bisogno di presentazioni, una delle personalità più influenti della storia del jazz. Gli arrangiamenti di Duke Ellington sono qualcosa che va al di là di quello che ogni artista umano possa immaginare. Qui stiamo parlando di genii che hanno scritto la storia della musica signori! Uno dei lavori più spettacolari, per qualità, eleganza, originalità che spicca secondo Me nell’intoccabile discografia di Ella Fitzgerald. Sarà la presenza di Sir. Duke ma è l’album che mi ha colpito di più. Fortemente Consigliato.

Il Songbook è solo il primo album della collaborazione di Ella con Duke Ellington. Verranno pubblicati infatti altri 3 dischi di cui 2 live.

Negli anni successivi vengono pubblicati gli altri songbook tra i quali spicca “The George and Ira Gershwin Songbook” che varrà per Ella un Grammy come Best Female Pop Vocal Performance. Tantissime furono le collaborazioni di Ella con artisti di grande spessore; un esempio sono i due album del 1979 col pianista Count Baise, “A Classy Pair” e “A Perfect Match”, uno dei quattro live di Ella registrati al Montreaux Jazz Festival che valsero il premio di Best Jazz Female Vocal Performance nel 1980. Ella aveva già collaborato con Count Basie nel 1963 con l’album “Ella and Basie!” che ebbe decisamente più successo dei due del ‘79.

Con gli anni Ella ha dovuto lottare con gli effetti del diabete che dopo anni di cure indebolirono notevolmente il suo fisico, nel 93 per delle complicazioni dovettero amputarle entrambe le gambe e nel 1996 morì, a Beverly Hills, California. Aveva 79 anni.

La discografia di Ella Fitzgerald è impressionante. Conta ben 81 album escluse le raccolte e contiene dischi di una raffinatezza ineguagliabile. Pietre miliari jazz che davvero hanno fatto storia e ispirato generazioni di cantanti. Il talento di Ella è qualcosa di unico, difficile da descrivere. La sua voce che si estendeva fino a tre ottave l’hanno resa una delle più emozionanti soliste di ogni tempo. Se poi si considera la sua capacità d’improvvisazione, in particolare nelloscat, allora si capisce veramente che abbiamo a che fare con una di quelle personalità che lasciano il segno nel cuore e nella mente di chi ascolta. Devo dirvi però che secondo Me, gli album di Ella sono dischi complessi che possono risultare noiosi se non ne si comprende la grandezza. Perciò se non amate il genere del vocal jazz dimenticatevi di Ella. Però se lo fate, sappiate che state commettendo un sacrilegio!

Una personalità che sarà ricordata per sempre anche per i numerosi premi e riconoscimenti ricevuti come la medaglia d’onore per le arti oppure la “Presidential Medal Of Freedom” che viene attribuita a quelle personalità particolarmente influenti per la cultura, l’interesse nazionale e l’impegno sociale. Nella sua vita collaborò attivamente anche in associazioni benefiche no-profit e fondò la “Ella Fitzgerald Charitable Foundation” che continua tuttora la sua opera secondo gli ideali di Ella.

Innumerevoli sono stati nel corso degli anni i tributi da parte di artisti contemporanei. Cantanti come Dee Dee Bridgewater e Patti Austin hanno pubblicato album come “Dear Ella” (1997) di DDB e “To Ella With Love” (1996) di Patti Austin; nei quali reinterpretano i successi immortali dell’immensa Ella. Nel 2007, per celebrare il quello che sarebbe stato il suo 90° compleanno, viene pubblicato “We All Love Ella: Celebrating the First Lady Of Song”, un album che contiene grandissimi successi di Ella reinterpretati da artisti come Natalie Cole, Chaka Khan, Queen Latifah, Dianne Reeves, Ledisi, Etta James, Steve Wonder e molti altri.

Ella Fitzgerald inoltre è una delle poche artiste, forse l’unica, alla quale è stato dedicato un monumento. Una sua statua situata a Yonkers, sua città di nascita e dal 2007, vennero pubblicati in serie limitatissima dei francobolli dedicati a Ella.

Del resto se viene soprannominata “The First Lady Of Song” ci sarà un motivo no?

Giù il cappello!

Yayo

BRAND NEW! JOHN LEGEND - Rolling in the deep - Dj Danko & Apollo Negri Remix

2011-05-30T19:59:00.004+02:00

Lo spazio Black Vibrations è orgoglioso di presentare questo remix della cover dell'ottimo John Legend di un brano di Adele, prodotto da Dj Danko, fondatore di Black Vibrations, con la collaborazione di Apollo Negri, organista Hammond di livello internazionale, componente dei Link Quartet, che sfodera un assolo di altissimo livello. Godetevi questo brano e se Vi gusta, fatelo girare.

BARRY WHITE

2011-05-05T20:47:00.005+02:00

Pochi uomini sono in grado di far vibrare i corpi con le loro parole, uno di questi è Barry White.
Con la sua voce calda e pastosa ha riscaldato migliaia di piste da ballo e chissà quante case, nelle quali la musica del gigante buono si diffondeva. Soprattutto nelle camere da letto! Chi non è mai stato “ispirato” da Never, never gonna give you up o I’m gonna love you just a little more baby?

Tanto buono il grande Barry nella sua adolescenza non deve essere stato. A sedici anni, quando era ancora lo sconosciuto Barrence Eugene Carter, tentato dalla strada e dalle gang di Los Angeles, viene arrestato per il furto di pneumatici di una Cadillac. Uscito di prigione, giura di non farlo mai più e si dedica alla musica, diventando il cantante-pianista prima degli Upfronts e poi degli Atlantics and the Majestics. Ma a Barry piace creare i brani, più che cantarli. Inizia così a lavorare per varie etichette di Los Angeles e a scrivere le prime canzoni con il nome di Barry Lee.

Come succede spesso nella musica, c’è un incontro fondamentale alla base del grande passo, ed è quello con l'arrangiatore Gene Page e con la vocalist Glodean James con cui crea il terzetto delle Love Unlimited, composto dalle sorelle Glodean (che diventerà sua moglie) e Linda e da Diana Taylor. Il brano che le fa conoscere è Love’s theme (1973), nel quale Barry mette in pratica le lezioni di musica classica, apprese dalla collezione di dischi della madre, per fonderle con una disco music dagli arrangiamenti orchestrali sontuosi. Ai dj americani il brano piace così tanto da richiedere una versione strumentale, ancora più intensa, che viene pubblicata, con lo stesso titolo, nell’album della Love Unlimited Orchestra, il super gruppo di Barry White nel quale si sono avvicendati, tra gli altri, Ray Parker Jr, Johhny Guitar Watson e Lee Ritentour.

Ritorniamo al 1973. Barry consegna un nastro con tre sue canzoni, incise per un fantomatico vocalist maschile, al suo amico produttore Larry Nunes della 20th Century Records. “Con quella voce vuoi far cantare ad un altro le tue canzoni? Devi farlo tu!”, gli dice il boss e Barry, non troppo entusiasta di presentarsi in pubblico davanti a un microfono, decide di assecondarlo.
Esce l’album I’ve got so much to give, che avrebbe dovuto chiamarsi White Heat, e il primo singolo I’m gonna love you just a little more baby, trascinato da una base incalzante sulla quale il grande maestro prima sussurra le sue intenzioni in una lunga intro per poi esplodere con urlo liberatorio carico di passione. E’ una bomba che scala le classifiche di Bilboard, nelle quali resta per oltre quaranta settimane, e che, di fatto, dà il via alla disco music.

In dieci anni, fino al 1983, sfodera 16 album, una superproduzione costellata da singoli di successo: riempipista ballati ancora oggi nei dancefloor “più tradizionali” (You’re the first, the last, my everything; Let the music play; It’s ecstasy when you lay down next to me), lentoni dalla durata infinita (Playing your game baby; Never never gonna give you up); interpretazioni di grandi classici (It’s only love doing its thing; Just the way you are). Tutti con lo stesso marchio di fabbrica: arrangiamenti eleganti come lenzuola scure di seta, basi corpose con bassi che arrivano dritti allo stomaco, lunghe chiacchierate iniziali durante le quali Barry mormora qualcosa con la sua voce bassa e… tanto, tanto amore.
C’è sempre una unione da celebrare, una promessa di amore eterno o di una notte indimenticabile.
Probabilmente è stato il cantante che ha utilizzato più volte la parola “love” nei suoi titoli, o nei suoi brani, e se James Brown è stato “The Sex Machine”, Barry White può essere tranquillamente ricordato come “The love machine”. Anche perché, nella sua vita privata si è dato parecchio da fare: quattro figli dalla prima moglie, la sua fidanzatina di scuola, e altri quattro da Glodean James.

Dopo una lunga inusuale pausa, ritorna verso la fine degli anni Ottanta. La nuova musica nera è il rap o il new jack swing, ma Barry, al quale i rapper devono tanto, mantiene il suo stile e ritorna a cantare i suoi temi preferiti. Certo, non siamo ai livelli del suo momento d’oro e molti brani sono trascurabili, ma Sho’ you right e The longer we make love (nelle versioni con Chaka Khan e Lisa Stansfield) meritano di essere ricordate. Così come non possono passare inosservati il duetto “vietato ai minori” con Tina Turner (Living in your wildest dream), con i loro “Oh, baby!” iniziali che potrebbero far crollare anche i muri di una casa, e la sua partecipazione a The secret garden di Quincy Jones, sicuramente la sua interpretazione moderna più intensa che arricchisce di brividi un brano già fortemente sensuale.

I problemi di salute, enfatizzati dalla sua notevole mole, lo allontanano gradualmente dalla produzione musicale fino a quando, il 4 luglio 2003, Barry White muore per un blocco renale, forse sussurrando qualcosa come all’inizio della maggior parte dei suoi brani.

Mr. Soundelicious

SAM COOKE

2011-04-29T15:21:00.005+02:00

La forza risiede nel coraggio del cambiamento. La novità stupisce, spaventa a volte, pone interrogativi ai quali rispondere è complicato, occorre, spesso, tutta una vita. Ogni uomo è parte della trasformazione, è esso stesso mutamento, e vi è stato un tempo in cui gli uomini si sono sentiti vivi, spinti dalla voglia di essere liberi e di poter esprimere la propria unicità.

Sam Cooke è stata voce di questo tempo, predicando l'arrivo dell'uguaglianza, della giustizia e della parità. Nella lotta per i diritti civili, ha dato un motivo per credere: “A Change is Gonna Come” , un cambiamento sta per arrivare, questo cantava, profetico, nel Febbraio 1964 al Tonight Show, pochi mesi prima di andarsene per sempre, ucciso con un colpo di pistola (per legittima difesa dicono), al Motel Hacienda, in California.

“E quando i mormorii saranno finiti / E il tempo troverà la sua anima / Tutto quello che posso dirvi, cari/ È che Sam Cooke è vostro / Non invecchierà mai” (Dj The Magnificient Montague). Ed è questa la verità. Poco importa il finale nel motel da tre dollari, ciò che conta è quanto lui abbia significato nella vita.

Graziato da una voce potente e carezzevole, perfetta a livello tecnico (sapiente utilizzatore del “melisma”, l'estensione di una lunga sillaba su varie note o battute), fece proprio il gospel, lo portò in strada, lo fece respirare, lo rese carnale.

Già ai tempi dei canti in Chiesa, all'età di vent'anni, si era palesata la sua potenza: ogni suo assolo “faceva gridare e piangere le sorelle”, mistica era la sua voce, pura la sua anima.

È vero, ebbe fortuna negli incontri, sin dall'inizio, da quel James Woody Alexander – tenore dei Pilgrim Travelers – che da subito ne intuì l'incredibile talento.

Maturò molto negli anni, a tutti i livelli: la voce si faceva più morbida e al contempo sicura.

Ancora oggi riconosciamo l'esistenza di una dualità nella carriera di Sam Cooke (all'anagrafe Sam Cook, la “e” fu semplicemente un tocco di eleganza): il Sam delle ballate, dell'amore per la donna che non gli è accanto ma che presto sarà tra le sue braccia (“Bring It On Home To Me” - 1962), e il Sam delle canzoni ritmate, dai toni leggeri e spensierati (“Wonderful World” - 1958). L'album “Ain't That a Good News” (1964) è la nostra eredità in questo senso: racchiude la sua doppia natura e il significato tutto della sua carriera musicale: il gospel delle radici si è tramutato in musica dell'anima, sensuale sì, ma elevata, mai scontata o volgare; non “musica del diavolo” quindi, ma soul music.

Da quando lasciò i Soul Stirrers nel 1956 per avventurarsi nella carriera solista, crebbe in lui quella voglia di sperimentarsi che lo spinse ad un'intensa ricerca professionale. Grande manager di se stesso (fondò una etichetta discografica – Keen Records – e una casa editrice), capace di compiere le scelte giuste al momento giusto, Sam Cooke fu in grado di percepire i segnali del mondo che lo circondava, aperto alla vita e alle sue infinite sfumature. Nella canzone “Blowin'n The Wind” di Bob Dylan vide lo spiraglio per quel cambiamento che tanto aveva a cuore e colse la possibilità di dire la sua, a modo suo: sentiva che qualcosa stava davvero per accadere, con il cuore in mano si aprì alle persone per rassicurarle che quanto avevano sognato era vicino.

Il “cambiamento” era davvero alle porte e, a modo suo, ne prese parte, vivendo nel ricordo di chi, nelle sue parole, aveva trovato la forza di essere, finalmente, individuo.

Astrid Majorana

BILLIE HOLIDAY

2011-04-20T08:55:00.008+02:00

"Puoi ascoltare Billie e percepire la sua grandezza ed anche amarla, a qualunque eta'. Ma per capirla e' necessario che prima la vita ti abbia consumato un po'. Devi avere avuto i tuoi blues. Allora e soltanto comprenderai i suoi." (Eddy Cilìa)

Sebbene il titolo della sua più' famosa biografia "Lady sings the blues" lasci pensare che il suo repertorio sia stato ricco di blues e invece questi si contino a stento su una mano, mi sento di condividere in pieno questa affermazione perche' i 44 anni della vita di questa straordinaria donna son stati un lungo e interminabile blues. In ogni pezzo da lei cantato viene fuori l'immenso assurdo di una vita segnata da dolori e umiliazioni inimmaginabili ma che solo negli ultimi anni l'hanno inginocchiata e portata alla resa.

Nel 1927 aveva appena 10 anni quando raggiunse la madre a New York e cominciò a prostituirsi nei bordelli di Harlem. Un luogo in cui, certamente, una bambina non dovrebbe mai entrare. In cambio, la tenutaria del bordello le permetteva di ascoltare sul vecchio fonografo i dischi di Bessie Smith e Louis Armstrong. Quando la polizia scoprì il bordello lei venne arrestata e solo quando uscì, per evitare di tornare a prostituirsi, ad appena 15 anni, cercò lavoro come ballerina nei locali di Harlem. Immediatamente si accorsero che possedeva una voce che ammaliava. L'esperienza della reclusione, che più di una volta provò nella sua vita, ne segnò moltissimo il carattere e il temperamento al punto tale che non poté fare a meno di ricorrere all'uso di droghe e alcool nel tentativo, come sempre fallimentare, di alleviare il peso delle sue sofferenze. Ma lei stessa, in una delle dichiarazioni più intense implorò coloro che le stavano accanto di non far uso di droghe poiché era perfettamente cosciente, a dispetto della stragrande maggioranza degli artisti della storia del jazz e non, delle limitazioni infinite sulla qualità del suono, che l'uso di certe sostanze producesse.

Proprio per questo non stupisce che la sua voce, seppur non caratterizzata da una estensione ampia, a differenza di altre sue colleghe, quali Ella Fitzgerald e Sarah Vaughan, abbia lasciato un segno indelebile nei ricordi dei musicisti che hanno avuto il piacere di suonare con lei, di quelli a cui le si son ispirati e in tutti coloro che ascoltano la meravigliose interpretazioni che sembrano non avere tempo.

Il clarinettista e pianista Tony Scott, uno dei tanti musicisti che collaborò con lei e con cui ebbe una grande amicizia, vedendola irrigidirsi in un moto di stizza nei confronti delle abilita' vocali di Sarah Vaughan, le disse: "Quando Sarah canta My Man Is Gone si capisce che e' andato a comprare le sigarette, quando la canti tu, e' scontato che non tornerà' mai più". E questo aneddoto non fa altro che confermare il fatto che la Holiday possedesse una capacità straordinaria di "cantare" con l'anima in una maniera talmente istintiva da non lasciare gara neppure alla Vaughan che, pochi anni dopo, sarà' eletta Bop Singer d'eccellenza. In ogni caso le abilità tecniche del canto della Holiday sono rintracciabilissime con un ascolto attento e appaiono efficaci nell'arrivare a destinazione dell'ascoltatore, anche con orecchie meno "preparate". Lei stessa sosteneva di usare la voce come fosse uno strumento a fiato, come nelle improvvisazioni di Armstrong o Lester Young, e di lasciarsi andare alle emozioni pure che quelle note prodotte le davano. Nel suo cantare cambiava le note ogni volta per “appropriarsi a fondo” del pezzo e questo è il motivo per il quale i testi delle canzoni da lei cantate, come Fine and Mellow, come Body & Soul, o Angel Eyes, o God Bless the Child, assumevano la stessa forza evocativa delle note su cui ogni parola si poggiava.

Oltre ad un innato senso dello swing, le caratteristiche del canto e dell'enfasi che Billie riusciva a trasmettere derivavano proprio dalla consapevolezza delle pause che usava prima di alcune note. La pausa le consentiva una “sottolineatura” del testo e imprimendo maggior forza espressiva sul senso della frase. Stessa discorso utilizzato per i “ritardi” usati rispetto al tempo di battuta con cui cominciava le frasi o le improvvise variazioni di registro. Tutte modalità' da lei sapientemente usate che le permettevano di catturare l'attenzione quasi come si stesse sentendo un monologo teatrale. Perchè lei cantava si, ma "recitava" il brano. Motivo per cui il suo stile resta tutt'oggi ancora inimitabile.

Billie suonava spesso con Lester Young (per il quale coniò il nomignolo Prez, il presidente), che considerava il migliore tra i sassofonisti sulla scena jazzistica, raggiungendo un’affinità tale che spesso sembrava che l'uno sapesse esattamente cosa stesse pensando l'altro durante l'esecuzione. L’alchimia tra i due trasmetteva una limpida sensazione di fluidità ed empatia come se in entrambi continuasse il pensiero ed il sentire dell’altro. Ascoltate il brano She's Funny That Way in cui sax tenore e voce esprimono perfettamente l’alchimia, anche di profonda amicizia, tra Billie e Lester.

Sembra stupefacente che i due si siano spenti nello stesso anno, il 1959, a distanza di pochi mesi, ma non sorprende affatto il rammarico e il dolore che la Holiday provò nel non poter cantare al funerale del suo amatissimo amico, poiché ricoverata sotto stretta sorveglianza della narcotici in uno squallido ospedale di New York e trattata come una criminale qualunque.

Ecco la fine ingloriosa che si e' potuta destinare ad una donna di tal grandezza! Provo un moto di vergogna ogni volta che ci penso…

Nel '33 Era appena diciottenne quando incontro' uno dei suoi due pigmalioni, l'allora giovanissimo produttore Jhon Hammond il talent scout che successivamente scoprirà prima Aretha Franklin e, poi, Bob Dylan. Hammond la presentò al cognato Benny Goodman, col quale Billie incise un paio di brani che passarono per lo più' inosservati. Ma nonostante questo inizio un po' in sordina, dal ‘35 al ‘38, la Holiday conobbe il raffinato pianista Teddy Wilson e sempre guidata da Hammond, sotto l'etichetta della Columbia record, incise gran parte di quel suo repertorio swing che la fece conoscere al grande pubblico.

In quegli anni fece capolino in sala di registrazione con Count Basie - con quale incise più di 100 brani in meno di due anni - e col suo amico di sempre Lester Young. In seguito cantò nell'orchestra di Art Shaw.

Nella raccolta "The Quintessential Billie Holiday" che racchiude appunto la produzione dal ‘36 al ‘38 sotto l'etichetta Columbia record, si trovano brani di una grande leggerezza, di uno swing pulito e fluido come Me, Myself And I, In Your Down Blackyard o Miss Brown To You ed eleganti e sentimentali come A Fine Romance, o che ti strappano dalla sedia e t'inducono al ballo sfrenato come in He Ain't Got Rhytm, o la delicata Easy To Love e la meravigliosa e struggente God Bless the Child, uno dei pochi brani che lei stessa scrisse e che dedicò alla madre, seppur sempre assente nella sua vita.

God Bless the Child, insieme ad Angel Eyes, I'll Be Seeing You e You've Changed, è capace di catapultare in dimensioni parallele, in cui c'e' assenza di gravita, ma non di suono, in cui si lievita avvolti da sensazioni uniche che restano appiccicate addosso per ore.

Nonostante la solarità' che caratterizzo alcuni di questi sui brani, il peso intenso della sua condizione di donna di colore negli stati del Sud non tardò a manifestarsi. Nel ‘38 comincio a far uso di droghe pesanti e il suo umore risentì delle innumerevoli forme di razzismo perpetrate nei suoi confronti.

Benché fosse l'elemento di spicco delle orchestre dovette più' volte ricorrere ad espedienti per potersi fare "accettare". Nell'orchestra di Count Basie il suo colore della pelle era giudicato troppo chiaro e doveva colorarla con del cerone nero e, al contrario, in quella di bianchi di Art Shaw la sua pelle era fin troppo scura per poterle permettere l'accesso nei locali e negli alberghi dalle entrate principali. Si racconta che una volta in un albergo che ironia della sorte aveva il nome di Lincoln, le imposero di utilizzare il montacarichi di servizio per poter accedere ai piani superiori. Nonostante questo mantenne sempre una certa fierezza e rispetto per se stessa e le sue origini suscitando a tal punto invidie e gelosie. Fierezza che manifestò anche nel periodo di vita nei bordelli di harlem: le sue "colleghe" le diedero il soprannome di Lady Day, poiché si rifiutava di prendere la mancia dalle cosce dei clienti come facevano tutte.

In quegli anni, negli Stati Uniti, le cronache dell'epoca denunciavano, per il periodo tra il 1889 e il 1940, più di 3000 linciaggi, il cui 90% era a danno della popolazione afroamericana. Nonostante la fine dello schiavismo la Corte Suprema degli Stati Uniti, accettando la segregazione razziale, continuò a trattare la popolazione di colore come fosse di serie b, con l'apparente apertura del principio "separati ma uguali”.

Un' insegnante ebreo russo del Bronx, membro della sinistra americana, un tale Abel Meeropol, rimase talmente colpito da una foto dell'epoca che ritraeva una folla inferocita dinanzi a due corpi di negri appesi ad un albero negli stati del sud che decise di comporre la poesia BITTER FRUIT, il frutto amaro.

L'intento audace era quello di dar voce alla popolazione di colore e decise di affidare la parte musicale a qualcuno dei musicisti che conosceva. Tutti si rifiutarono e dovette egli stesso mettere in musica il brano dandogli il nome definitivo di Strange Fruit, lo strano frutto.

Nonostante le rivendicazioni che la Holiday fece spesso nei riguardi della genesi di questo immenso capolavoro, pare non ci siano dubbi sulla sua paternità. Ma non ve ne sono nemmeno sull'indiscutibile fatto che Strange Fruit, dal '39 in poi fu consacrato come il manifesto per eccellenza della lotta contro la segregazione proprio grazie alla uniche e irripetibili performances che la Holiday ne fece.

Fu tale la resa artistica e la densità' di dramma misto a pathos e rabbia e forza che venne fuori dalle interpretazioni della Holiday di questo brano che per oltre 50 anni rimase uno scoglio duro per molti musicisti, con cui raramente sceglievano di confrontarsi.

In una delle tante biografie a lei dedicate infatti qualcuno ha scritto che “Ascoltando molte delle varie cover della canzone, si ha l'impressione di ascoltare una bellissima versione di una bellissima canzone; ascoltando Billie, si ha l'impressione di stare esattamente ai piedi dell'albero".

Personalmente son solo due le cover che considero all'altezza di una ipotesi di paragone: quelle di Nina Simone e Cassandra Wilson. In ogni caso l'interpretazione della Holiday resta unica nel suo genere. Al punto tale che la rivista Time che nel 1940 aveva boicottato il brano come "propaganda in musica" 60 anni dopo lo ha eletto "canzone del XX secolo".

Per poter cantare questo brano era necessario un posto in cui le idee liberali e rivoluzionarie avessero spazio. L'unico posto che sul finire degli anni 30 concedeva l'accesso a neri e bianchi senza distinzione di sorta, cenacolo di intellettuali e papponi, studenti e appassionati di buona musica era il CAFE SOCIETY di New York. Fu lì che Lady D, alla fine del suo consueto repertorio, cantò per la prima volta Strange Fruit.

Qualcuno ha detto che l'atteggiamento che lei ebbe nel proporre questo brano fu quello di chi sta dicendo: "…fino ad ora vi ho intrattenuto, ora ascoltatemi!" catturando così l'attenzione assoluta delle platee.

Lei stessa disse una volta che "questa canzone aiuta a distinguere le persone a posto dagli idioti e dai cretini". Un'affermazione fortissima ma anche comprensibilissima.

Persino la Columbia record si rifiuto di incidere il brano e la Holiday dovette cercare qualche casa discografica disposta e credere nel progetto e così nacque la collaborazione con la Commodore Records, una piccola etichetta indipendente. Con la Commodore incise tra il 39 e il 42 ben 16 brani tra cui una meravigliosa versione di Fine and Mellow in cui canta il non-amore in maniera calda e straziante. Ne viene fuori un cofanetto complessivo col nome di "THE COMPLETE COMMODORE RECORDINGS".

Ben presto però, dopo l'eco fortissima avuta dagli spettacoli della Holiday, la Commodore risultò troppo piccola per stare al passo della sua ritrovata notorietà e così lo stesso produttore le creò il contatto con la Decca. Fu la prima volta che la Lady D ebbe l'opportunità di suonare accompagnata da un coro di archi e il risultato fu entusiasmante.

Quando approda alla Verve nel 1952 la sua voce era parzialmente compromessa dagli abusi di alcool e droga ma ancora si sentiva quella forza espressiva e quella capacità teatrale che, insieme alla maturità' e duttilità' raggiunta, la rendevano ancora unica. Sino a Lady in Satin, controversa registrazione che precede l'anno della sua morte, in cui si vede il tramonto inglorioso di una dea, la discesa agli inferi di una voce dilaniata dall'eco profondo che la chiama verso la fine.

Può darsi che le mie parole nel descrivere la vita e l'anima di questa DIVINA del jazz non abbiano stupito gli appassionati sfegatati e può' darsi anche che abbia solo ripetuto cose che si possono leggere ovunque nello sconfinato materiale cui tutti ormai abbiamo accesso guidati anche solo dalla semplice curiosità di conoscenza e approfondimento. E certamente i canali di musica permettono di accedere e vedere continuamente video delle sue meravigliose interpretazioni e ascoltare in religioso silenzio la magnificenza della bellezza delle sue incisioni.

Ma se posso, vi chiedo un piccolo momento di astrazione. Una piccola esperienza di immedesimazione. A me piace farlo.

Per un attimo, chiudete gli occhi e immaginate di essere in quel lontano 1939 al Cafe' Society di New York e di essere in attesa di vivere uno dei momenti più' importanti della storia della musica. Siete li seduti ai tavolini rotondi dall' aria bohémien. Il suono ovattato del tintinnio dei bicchieri, odore di rum e whisky e strani intrecci fumosi a disegnare arabesche nell'aria.

Ad un certo punto i camerieri smettono di servire ai tavoli, tutto si ferma, i musicisti non suonano più, nessun tappeto di fiati o battuta ritmica Solo una introduzione del pianoforte a creare suspense. Le luci si spengono e un solo faretto illumina il suo volto delicato e i suoi occhi di nocciola, le labbra rosso fuoco, i capelli raccolti in un elegantissimo chignon e l'immancabile gardenia bianca ad incorniciare cotanta purezza. Lei, Lady Day, bellissima e intensissima, con gli occhi chiusi come raccolta in preghiera.

Ed ecco, prendete fiato e lasciatevi condurre dal suono di queste note. Queste note che son parole e le parole son coltelli che affondano la loro lama nella parte più profonda dello stomaco, sentite come toccano corde mai pizzicate del vostro animo, e come scivolano nei meandri della vostra anima. Silenzio. Un silenzio assordante. E dopo,applauso. Un interminabile fragoroso applauso.

Ogni volta,tutto questo mi toglie il fiato per lunghissimi istanti,minuti, spesso ore.

Non mi resta che dire: Chapeau Miss Holiday, God bless you.

Maria Giovanna Cortellino

THE BAR KAYS

2011-04-11T16:18:00.005+02:00

Storia molto particolare quella dei Bar-Kays, band originaria di Memphis formatasi nella metà degli anni 60, fatta di momenti magici e di avvenimenti tragici che hanno solcato anche la storia della Black Music. Mi permetto di fare questa affermazione perchè dietro la vita dei Bar-Kays c'è un personaggio chiamato Otis Redding, mica noccioline...

Ma andiamo con ordine. Sicuramente uno dei momenti magici fu l'incontro tra Otis ed i "futuri" Bar-Kays.

Leggenda volle che si siano incontrati tra gli sgabelli dei lucidascarpe... Otis, incuriosito da quello che si diceva in giro di loro, volle metterli alla prova, e li portò negli studi della Stax.

Al Jackson, batterista di Booker T & The MGs, ne rimase impressionato. Il loro sound si poteva affiancare a quello dei Mar-Keys (studio band della Stax Records composta dai Memphis Horns, Booker T & The MGs e dai the Packers).

Fu questo il motivo della scelta del nome "Bar-Kays", per dare un'assonanza ed una direzione con la super combo dei Mar-Keys. Direzione che viaggiava verso un mix di funk, rock, soul ed R'n'B in maniera molto amalgamata.

Così, dopo dopo aver firmato un contratto con la Volt (una sotto-etichetta della Stax), i Bar Kays, formati da James Alexander al basso, Ronnie Caldwell all'organo, Ben Cauley alla tromba, Phalon Jones al sax, Carl Cunningham alla batteria e Jimmy King alla chitarra, divennero la seconda band di "casa" della storica etichetta di Memphis, e questo gli permise di affiancare artisti del calibro di Sam & Dave, lo stesso Otis Redding e molti altri artisti della Stax durante i loro concerti.

Il 1967 fu un anno chiave nella storia dei Bar-Kays perchè pubblicarono il loro primo, bellissimo, singolo Soul Finger, che divenne subito una hit e scalò le classifiche R'n'B dell'epoca. Il passo successivo fu proprio la pubblicazione, nello stesso anno, dell'album che prendeva proprio il nome del loro primo singolo di successo.

Mentre il loro disco scalava le classifiche, nello stesso anno, Otis Redding scelse i Bar-Kays come band del suo tour, ma dopo questi momenti magici, la tragedia incombette.

Il 10 dicembre 1967 Otis Redding e i Bar Kays erano su un aereo per una delle tante date del tour. Un aereo che non arrivò mai a destinazione. Un tremendo incidente che segnò la perdita di un artista unico come Otis Redding. Morirono tutti tranne uno, il trombettista Ben Cauley che si salvò miracolosamente. Anche il bassista James Alexander rimase vivo, ma solo grazie al fatto che fortunatamente per lui non riuscì a prendere quel maledetto aereo.

Fu così che nel 1968 i due superstiti e Allen Jones (uno dei produttori della Stax), decisero comunque di mantenere in vita il nome dei Bar-Kays, e reclutarono nuovi elementi: Ronnie Gordon alle tastiere, Harvey Henderson al sax, Michael Toles alla chitarra e i batteristi Roy Cunningham e Willie Hall.

La band continuò il suo lavoro alla Stax, e fu di supporto ai concerti di artisti come Albert King e Rufus Thomas. Ma non solo, infatti sono proprio i Bar-Kays che accompagnarono Isaac Hays nella registrazione di uno dei suoi album più belli: "Hot Buttered Soul" del 1969.

Nello stesso anno i nuovi Bar-Kays pubblicarono il loro secondo album ufficiale intitolato "Gotta Groove", con il quale tentarono di mantenere la stessa anima di "Soul Finger", ma non ne raggiunsero lo stesso successo.

Arrivarono così gli anni 70, e dopo aver reclutato il cantante Larry Dodson, la band decise di seguire l'ondata di sperimentazione alzata da personaggi come Sly & the family Stone e Funkadelic e il risultato fu l'album "Black Rock" del 1971. Un disco che non fu molto pubblicizzato dalla Stax e che non ebbe molto successo, ma che contiene brani come Baby I Love You, oppureYou Don't Know Like I Know dal sapore prettamente funk rock, anche Six O'Clock News Report merita attenzione.

La vita artistica dei Bar-Kays fu caratterizzata anche da molti cambi di formazione, come quello che vide protagonisti, dopo l'album Black Rock, lo storico trombettista Ben Cauley e il chitarrista Michael Toles che si trasferirono nella band ufficiale di Isaac Hayes e furono sostituiti rispettivamente da Charles Allen e Vernon Burch.

Quest'ultimo ebbe vita breve nella band, giusto il tempo dell'uscita di "Do You See What I See?" del 1972, forse l'album più brutto dei Bar-Kays di quel periodo. Fu sostituito da Lloyd Smith, e nel 1974 il gruppo tornò a far parlare di sè. Lo fece pubblicando "Coldblooded", un album decisamente degno di nota non solo musicalmente (davvero bello!), ma anche a livello di tematiche sociali importanti, impegnate socialmente e politicamente.

Il 1975 fu un altro anno di cambiamenti, la Stax Records era ormai in fin di vita e la band firmò per la Mercury. Il debutto con la nuova etichetta fu "Too Hot To Stop" del 1976, uno degli album più famosi e belli dei Bar-Kays. Ispirati dal P-Funk dei Parliament/Funkadelic, che si può notare proprio nella traccia che da il titolo all'album e non solo, sfornarono altri brani decisamente interessanti come la bellissima Shake Your Rump To The Funk e la potente Bang, Bang, anche se l'intero lavoro è degno di essere presente nelle collezioni degli appassionati di black music.

Sulla stessa onda di "Too Hot To Stop" arrivò l'anno dopo, nel 1978, l'album "Flying High On Your Love" che superò il mezzo milione di copie vendute, e si aggiudicò il disco d'oro. Sicuramente il brano da mettere più in evidenza è Let's Have Some Fun, ma anche in questo caso ci si trova dinanzi un disco davvero bello nella sua integrità, anche se pian piano ci si avvicina a quelle influenze "disco" tipiche della fine degli anni 70.

Il 1978 vide l'uscita di 2 dischi targati Bar-Kays: "Light Of Life" e "Money Talks" (pubblicato per la Stax che rientrò in gioco). Quest'ultimo decisamente più famoso grazie alla hit Holy Ghost che tirerebbe anche un morto a ballare al centro della pista. Molto belle anche tracce come Money Talks e la più lenta Monster.

Uno degli album classici della black music.

Nell'anno 1979 il richiamo della disco cominciò a farsi sentire in maniera più sostanziosa. La prova è l'album "Injoy", dove risalta la traccia Move Your Boogie Body che addirittura si piazzò alla numero 3 delle classifiche r'n'b.

Negli anni 80 invece, i Bar-Kays furono altrettanto prolifici a livello di album pubblicati, forse un po' meno riguardo qualità della musica e del groove. "As One" (1980), "Nightcruising" (1981), "Propositions" (1982), "Dangerous" (1984), "Banging The Wall" (1985), "Contagious" (1987) e "Animal"(1989), chiudino la carriera e la fantastica vita artistica dei Bar-Kays.

Curiosa però la loro riunione a metà degli anni 90, con la pubblicazione di "48Hours" (1994).

I Bar-Kays, nonostante la tragedia iniziale, sono stati una delle band più prolifiche del panorama funk mondiale. Non ci scordiamo anche la loro mitica partecipazione al Wattstax, una specie di Woodstock nera, al fianco di gente come Isaac Hayes, Albert King e Rufus Thomas.

i Bar-Kays fanno parte della storia.

Dj Danko.

JOHN COLTRANE

2011-03-30T13:37:00.030+02:00

John Coltrane: dall’Atlantic Records alla Impulse!.

Il mio primo disco jazz lo comprai da un rigattiere dov’era facile trovare cose interessanti e piccole chicche. Aveva una copertina graffiata con macchie di umidità e chiari segni di usura su cui campeggiava una scritta in giallo in alto - COLTRANE JAZZ. Di jazz ero vergognosamente a digiuno e non sapevo che da quel momento in poi avrei iniziato un viaggio da cui, ancora oggi, faccio fatica a tornare.

Il jazz non è qualcosa che si può raccontare con semplicità: è fatto di tessiture di accordi e di note che, ad un primo acchito, sembrano ingombranti e fastidiose, ma che, col tempo, raggiungono le giugulari e fanno vibrare. Di solito gli “esperti” di jazz sono creature fastidiose, pericolose ed ammorbanti, che iniziano a parlare di ottave e di soluzioni armoniche e di frazionamenti di tempi che non lasciano presagire nulla di buono. In realtà la musica è fatta di ascolto ed ha bisogno di orecchie pronte a lasciare timpani e martelletto disposti a vibrare ed a trasmettere, ad ogni colpo, sensazioni

Ascoltare Coltrane è un’avventura che io consiglio a tutti, un’esperienza da provare, una volta almeno. E dopo l’ascolto, nella perfetta beatitudine che avrete sicuramente provato, vedrete che il vostro approccio con la musica sarà cambiato. Ecco: quando mi si chiede un consiglio da chi vuole iniziare ad avventurarsi nell’ascolto del jazz, dico d’iniziare da Coltrane. Sembra un’assurdità ma, in realtà, il coinvolgimento di cui si è parte mentre si ascoltano i dischi di John Coltrane, è, a mio parere, un ottimo modo per iniziare un’avventura fatta di musiche, storie e passioni emotive.

Vi ho già parlato di Coltrane, del suo periodo più complesso, fatto di vicende personali ardue (l’entrare e l’uscire continuo dalla dipendenza da eroina…) e professionali (è stato più volte senza "lavoro"), che arriva sino al 1959, anno in cui chiuse la collaborazione con Miles Davis e pubblicò Giant Steps. Questo disco è per tutti uno degli album, assieme a Kind of Blue (in cui Coltrane suona il sax tenore) e Milestone di Miles Davis oltre a Somethin’ Else di Cannonbal Adderley, che, in un certo senso, hanno dato inizio a quella corrente jazz chiamata “modale” che sarà protagonista per lunga parte degli anni ’60.

Ora è il caso d’iniziare il discorso sull’epoca d’oro di John Coltrane, che vede esplodere la sua creatività musicale.

Dopo la registrazione di Giant Steps, Coltrane produce, sempre per la Atlantic, Coltrane Jazz (1959) in cui Like Sonny (dedicata a Sonny Rollins che nel 55 gli aveva lasciato il posto nella formazione hard Bop di Miles Davis) e Harmonique sono, anche se legate stilisticamente alle sonorità boppistiche, un vero e proprio preludio al Coltrane degli anni successivi. Coltrane Jazz non è un album modale, non è innovativo e non fu molto apprezzato dalla critica e dal pubblico.

La vera scissione, però, quella che darà il colpo di grazia definitivo alle costruzioni stilistiche del boppismo, è My Favourite Things (1960), ancora registrato per la Atlantic.

Considerato da molti uno dei dischi fondamentali del jazz, My Favourite Things vede in scena, per la prima volta, lo storico quartetto coltraniano con Mccoy Tyner al piano, Elvin Jones alla batteria e Steve Davis al contrabbasso, teso ad interpretare in maniera magistrale i quattro brani contenuti nell’album.

Un piccolo passo indietro…

L’atmosfera tra Coltrane e Davis, dopo la registrazione di Kind of Blue e la definitiva fuoriuscita dalla formazione davisiana da parte del sassofonista, non lasciò un buon rapporto tra i due. Nonostante alcune collaborazioni momentanee, in sala di registrazione e in alcuni live set, Davis non aveva ben digerito la separazione da Coltrane. Inoltre, Kind of Blue (Miles) e Giant Steps (Coltrane) uscirono quasi contemporaneamente e sebbene la critica avesse espresso un parere equanime, le vendite del disco coltraniano andarono decisamente meglio: il sound di Coltrane piaceva indifferentemente a bianchi e neri e attecchiva decisamente nella comunità studentesca inoltre, all'interno dei collage, Giant Steps era nelle hit list. Ciò portò Davis a dire – come una moglie abbandonata e ferita… - che Coltrane era un buon sassofonista ma non il migliore con cui avesse suonato.

Coltrane, però, era un pacifista ad oltranza e amava la musica come strumento di pace e di fratellanza tra i popoli e non rispose verbalmente a Davis, anzi, lasciò quasi correre. Quasi…

La risposta che Coltrane diede è nell'esecuzione di Summertime - traccia compresa in My Favourite Things - reinterpretata nell'occasione privandola completamente di quelle note malinconiche di cui Miles Davis l'aveva condita nell'esecuzione per Porgy and Bess (album del 1958) e riempendola di quella forma di circolarità sonora che sarà elemento contraddistintivo del sound coltraniano. Il brano risulta essere estremamente coinvolgente, effetto ottenuto con l'applicazione dei concetti coltraniani di jazz modale dove l'esaltazione della melodia è data dalla ripetitività del tema frammentato in più scale differenziate da piccole variazioni tonali.

Il capolavoro, però, è la main title, My Favourite Things di Richard Rodgers da The Sound of Music, brano scritto, originariamente, per la colonna sonora del film "Tutt'insieme appasionatamente". La melodia del pezzo emerge molte volte nel corso di questa versione di 14 minuti e su di essa Coltrane e Tyner innestano lunghi assoli sulla ripetizione dei due accordi, Mi maggiore e Mi minore. L'assolo di Tyner è caratterizzato dall'essere molto ritmico, e dal non ricercare la melodia. Il brano è avvolgente, magnifico, e i 14 minuti della sua estensione sembrano essere un tempo indefinito in cui l’ascoltatore è circondato dall’abbraccio pacificatore del sax soprano di Coltrane.

My Favourite sarà seguito da altre pubblicazioni per l’Atlantic - Coltrane's Sound e Coltrane Plays The Blues - in un percorso che raggiungerà un altro apice con Olè Coltrane (1961), ultima incisione per la Atlantic.

Sull’onda dello straordinario successo di My Favourite Things Coltrane si ritrovò, improvvisamente, ad essere considerato come il musicista di maggior successo nell’ambito del jazz spazzando via totalmente i ricordi di quanto aveva fatto Charlie Parker e la fama di gente del calibro di Telonius Monk. Per tutti, Coltrane era diventato l’espressione del jazz moderno e il suo sax aveva uno dei suoni più riconoscibili dell’universo musicale.

Fu per questo che Creed Taylor’s della Impulse! considerando Coltrane un “…poeta che riusciva veramente a far parlare il suo sax…” gli sottopose un contratto per un’incisione, un solo progetto che avrebbe portato alla nascita di Africa/Brass in poco tempo. Coltrane accettò le condizioni e si dedicò a quest’opera monumentale dimenticando totalmente il suo legame con l’Atlantic. Un cavillo lo costrinse a rientrare velocemente a New York ed entrare in sala di registrazione.

Fu così che il 25 maggio 1961 Coltrane incise, con Eric Dolphy, Freddie Hubbard, Art Davis, Reggie Workman, oltre a McCoy Tyner ed Elvin Jones, in poche ore, una manciata di tracce, delle quali non fu mai del tutto soddisfatto, ma che sono considerate, da molti estimatori, tra i suoi capolavori. La lunghissima Olé, che occupava tutto il primo lato del lp, colpì molto la critica dell'epoca ed è uno degli esempi più chiari del genio di Coltrane. La title track è un brano di sapore e ritmo flamenco ispirato a una canzone folkloristica spagnola "Venga Jaleo". Che Coltrane si trovasse a proprio agio con le atmosfere spagnole si era capito dai tempi di Flamengo Sketches (Kind of Blue) ma in Olé, con la ripetizione di quanto sperimentato in My Favourite Things, si va oltre ogni previsione: un semplice tema che viene stravolto in innumerevoli ripetizioni alternate a lunghe fughe modali. Coltrane torna al sax soprano (l’approfondimento dello studio e l’uso di questo strumento gli era stata instillata da Davis) e, con il flauto di Dolphy, evoca atmosfere orientali e africaneggianti, mentre la tromba di Freddie Hubbard riecheggia atmosfere andaluse e arabe. Il punto forte del pezzo è l'incedere dei due contrabbassi, impegnati sin dall'inizio del riff e poi in un duetto nel quale si alternano, anche con l'uso dell'archetto, nella esposizione quasi ipnotica del tema. Il finale è un potente delirio di suoni prodotti dal sax soprano fino alla calma quasi surreale dell'ultima ipnotica esposizione del tema.

Il sassofonista, in pratica, trasformò un’apparente “seccatura” nell'occasione di esplorare ancora la Spagna e l'Africa e l'improvvisazione modale di cui era maestro.

Anche Olè Coltrane fu un successo e subito dopo il sassofonista tornò a dedicarsi al progetto Africa/Brass.

La produzione di Coltrane non è facile da catalogare. Negli anni della Impulse! – pochi anni, in realtà – Coltrane fu completamente preso dalla propria creatività musicale vivendo, quasi, in sala di registrazione sino a diventare il vero fautore di una delle case discografiche che hanno fatto la storia del jazz. Ma di questo ne parleremo un’altra volta. Il nostro viaggio, nella sua musica, continua.

Buona musica.

Vincenzo Altini

JOHN LEGEND & THE ROOTS - WAKE UP!

2011-03-22T21:07:00.005+01:00

Titolo di un album che è tutto un programma se si pensa ai pezzi che contiene e al messaggio che contengono.

Wake Up! Svegliatevi, alzatevi e prendete coscienza del cambiamento e del periodo di negatività che il panorama musicale sta affrontando. Negatività e frivolezza dal punto di vista dei contenuti, con lo scarso impegno sociale degli artisti nel cercare di cambiare il mondo attraverso la musica, come si faceva nel periodo in cui vennero pubblicati per la prima volta i pezzi presenti in questo splendido lavoro di John Legend & The Roots.

“Wake Up” è infatti un bellissimo album di cover con un solo inedito che è Shine, scritto da John Legend, al secolo John Stephens che, come i più attenti di voi sapranno, nasce come autore; ha scritto infatti tantissimi pezzi per artisti come Alicia Keys, Kanye West, Lauryn Hill e Mary J Blige fino a quando nel 2004 ha pubblicato il suo primo album “Get Lifted”, un album attesissimo considerato da molti (e anche dal sottoscritto) il miglior album di John Legend finora, che ha venduto oltre 5 milioni di copie in tutto il mondo! Ha pubblicato poi “Once Again” nel 2006, non ai livelli del precedente ma comunque degno di nota, e poi nel 2008, “Evolver” decisamente inferiore ai lavori già pubblicati.

Che dire dei Roots… Sono da sempre uno dei miei gruppi preferiti, fin dal lontano 1987, anno del loro debutto, si sono distinti tra la massa con uno stile unico e sperimentazioni musicali di primissimo livello. Sono un gruppo Hip-Hop, qualcuno li definisce “Jazz-rap” (che non è un genere) ma io preferisco collocarli in una zona intermedia, al centro tra soul, funk, Jazz e Hip-Hop perché è questo che i Roots sono; un gruppo eclettico che sorprende sempre più ad ogni nuovo album!

Ma torniamo a Wake Up! Si inizia subito con un super-pezzo ovvero Hard Times (1971) di Baby Huey & the Babysitters. Cover interpretata al meglio da John Legend che in quanto a talento puro è secondo a pochi tra gli artisti degli ultimi anni. Molto bello il pezzo rappato da Black Thought dei Roots che mettono in mostra tutto il loro talento musicale in questo brano e non solo.

Si prosegue con Compared To What del 1969 di Les McCann & Eddie Harris, rivisitato in chiave funk. Pezzo energico se ce n’è uno con lo spettacolare basso di Owen Biddle e riffs di chitarra elettrica di Captain Kirk Douglas che danno il meglio di sé! A seguire un pezzo davvero molto bello, fresco e piacevole, si tratta di Wake Up Everybody, pezzo del 1976 degli Harold Melvin & The Blue Notes, cantato da John Legend con la collaborazione di Common e Melanie Fiona. Wake Up Everybody è stato il primo singolo rilasciato da questo album ed è, secondo Me, il pezzo da classifica perfetto per un album del genere, di facile ascolto e molto orecchiabile anche per chi non è appassionato di black music.

Si torna al funk con un pezzo di Ernie Hines, ovvero Our Generation del 1972, con la collaborazione di CL Smooth. Grande energia e come al solito Roots che non si risparmiano in uno dei migliori pezzi dell’album secondo chi vi scrive. A metà album troviamo una sorta d’ intervallo, un prelude di Malik Yusef a Little Ghetto Boy dell’immenso Donny Hathaway. Cover spettacolare, rivisitata in chiave moderna con Black Thought e John Legend che in questo pezzo sembrano tornare al 1972, interpretando questa pietra miliare della musica soul, con una passione ed un ardore che fa invidia a tutti quei musicisti che pur di far soldi abbandonano le tradizioni, dimenticandosi delle radici e della vera essenza della musica soul e non solo. Un giusto omaggio di JL e The Roots a Mr.Hathaway e a questo pezzo che è davvero storia della musica!

Si resta nel 1972 con Mike James Kirkland e la sua Hang On In There, interpretata da John Legend in modo impeccabile, da perfetto Soulman, ci riporta negli anni 70 con questo pezzo malinconico e dimenticato da molti (me compreso).

Cambio di genere! Si passa al reggae con Humanity (Love the Way It Should Be) di Prince Lincoln Thompson & The Royal Rasses. Pezzo scritto dallo stesso Lincoln Thompson, divenuto celebre grazie al suo reggae in falsetto lo contraddistingueva da tutti gli altri musicisti reggae.Bellissima la cover interpretata da JL e i Roots che stupiscono anche con il reggae!

Back to Soul Music con Wholy Holy di Marvin Gaye… (e che ve lo dico a fare!). Brano del 1971 contenuto nella Bibbia del Soul ovvero What’s Goin On dello stesso Marvin. L’originale è un pezzo di struggente bellezza e sensualità anche se a tema religioso, del resto stiamo parlando di Marvin signori. John Legend è uno di quegli artisti che si è ispirato da sempre a Marvin Gaye come icona e modello da imitare (musicalmente parlando), e in questa cover riesce a ridare nuova vita ad un superclassico di Marvin spesso eclissato dai grandissimi successi che hanno sbancato le classifiche di tutto il mondo.

Altro grande pezzo, datato 1973, dal testo toccante e profondo. È I Can't Write Left Handed di Bill Withers. Pezzo che parla delle catastrofi della guerra, in particolare quella del Vietnam, dato che il questo brano è stato scritto in quel periodo, e dei segni indelebili che lascia sui corpi nelle anime di chi la vive. Anche qui John Legend da il massimo di se interpretando questo pezzo, quasi come se stesse implorando qualcuno di smetterla con questo scempio.

Ultima cover dell’album è I Wish I Knew How It Would Feel to Be Free portato al successo da da Nina Simone nel 1967. Brano famosissimo che negli anni è stato cantato da gente come Solomon Burke, John Denver, Ahmad Jamal, Marlena Shaw e molti altri risultando uno dei brani più coverizzati di sempre! Questo pezzo infatti con gli anni è diventato inno del movimento per i diritti civili. Accompagnato da un coro gospel d’altri tempi, John Legend promosso a pieni voti per le cover, risultando all’altezza anche in questo pezzo, breve ma intenso.

L’album si conclude con l’unico inedito che è Shine scritta dallo stesso John Legend. Brano piacevole in perfetto “stile Legend”, che chiude uno dei migliori album del 2010 in modo magistrale.

Wake Up! è più di un semplice album da ascoltare. È un album da capire, da assimilare per la qualità musicale dei brani, delle interpretazioni ma soprattutto per i temi trattati, che ne fanno un album impegnato socialmente, concepito durante la campagna elettorale del Presidente Obama con John Legend & The Roots schierati dalla sua parte.

Con questo album si è “risvegliato” anche lo stesso John Legend che si stava perdendo un po’ dopo lo scarso successo di Evolver. Con i Roots ha ritrovato energia ed è tornato più in forma di prima!

Un album consapevole, che fa riflettere sul momento musicale poco proficuo che stiamo attraversando e sui diversi problemi sociali che affliggono i popoli della Terra. I brani, infatti, non sono stati scelti a caso. Sono tutti pezzi pubblicati nel periodo più florido della storia della musica, gli anni 70, tutti socialmente impegnati. Ogni brano è stato interpretato magistralmente da JL e i Roots che ci danno, con questo lavoro, una vera “sveglia musicale” che dovremmo diffondere soprattutto tra i più giovani, sempre più lontani dalle radici della musica.

Musicalmente Wake Up è un gran bell’album, suonato egregiamente e piacevole da ascoltare, altamente consigliato. Un album originalissimo per come è stato concepito ed uno dei più belli degli ultimi anni secondo chi vi scrive. Del resto sapevamo già del talento indiscusso sia dei Roots, sia di John Legend che con questo album entrano definitivamente tra i migliori artisti del momento e di sicuro tra i migliori degli ultimi anni. Degne di nota anche le collaborazioni esterne con Common, Melanie Fiona e Malik Yusef che impreziosiscono il tutto con la loro presenza. Certo i puristi forse storceranno il naso ascoltando i pezzi rappati da Black Thought o Common ma sappiate che si tratta di MC di classe e di primissimo livello. Professionisti che prima di essere MC sono musicisti, produttori e quant’altro. Ci tenevo a sottolinearlo per quanti non li conoscessero.

Che altro dire allora?!

Wake Up! Svegliatevi!

Yayo

CHARLES BRADLEY: No Time For Dreaming

2011-03-09T08:31:00.013+01:00

CHARLES BRADLEY: No Time For Dreaming.

Sinceramente, lo dico senza reticenze, storie come quella di Charles Bradley, facendo parte di un canovaccio nella musica nera, mi piacciono particolarmente. Sono storie che hanno un'impronta decisa di romanticismo cavalleresco e sembrano venute fuori da un'altra era. Certo, facendo riferimento a quella serie di “prodotti” musicali che l'industria discografica contemporanea sforna continuamente, Charles Bradley è, essenzialmente, un "figlio" di altri tempi, lontano dall'immagine commerciale della musica contemporanea. Non ha un faccino carino, non è ammiccante, non ha un look cool, non sculetta ma ha una voce che spacca ed una personalità che viene fuori ad ogni nota.

La sua faccia è quella tipica di chi ha vissuto una vita dura e difficile in cui la passione per la musica – nata nel 1962, quando la sorella lo accompagnò ad assistere al concerto di James Bronw all'Apollo Theatre – nonostante l'indiscusso talento, svolge il ruolo della cattiva compagna.

Bradley, infatti, dopo la scoperta della musica di JB, inizia a girovagare per gli states con lo pseudonimo di Black Velvet James Brown jr, imitando nelle movenze, nel look, nel modo di tenere il palco e nell'impostazione vocale James Brown senza per questo meritarsi fama e attenzioni da parte del pubblico e dei discografici. Ciò che, invece, gli permette di acquisire una certa notorietà è l'altra sua passione, la cucina che gli consente, facendolo diventare uno stimato ed affermato cuoco, di lasciare il suo nome impresso nelle varie città degli States.

Al rientro a New York, però, c'è una svolta: Charles Bradley incontra Thomas “Tommy TNT” Brenneck, chitarrista della scuderia DAP TONE. In quel periodo la Dap Tone aveva già scoperto la potenzialità vocale e mediatica di una star quale Sharon Jones; aveva, inoltre, già incontrato il soul morbido e d'altri tempi di Lee Fields e, con i Dap Kings (di cui Tommy Tnt è il chitarrista), il percorso di riscoperta di sonorità soul funk anni '60/'70 era iniziato e portato avanti con maestria. Fu per questo che a Brenneck venne spontaneo presentare Bradley a Bosco Mann.

Nacque l'EP Take It As It Come (2002), con Sugarman, sassofonista dei DAP KINGS, a cui seguirono, sempre direttamente per la Dap Tone Records, i singoli Now That I'm Gone (2004) e This Love Ain't Big Enough For The Two Of Us (2006), entrambi registrati con i The Bullets, altro progetto Dap Tones.

Nell'inseguire un sound dai connotati sempre più marcatamente soul funk 60's e 70's, la Dap Tone fa con Bradley quella scoperta che gli consente di catalogarsi ancora di più come casa discografica dagli evidenti caratteri nostalgici in cui la qualità e la pulizia del suono sono la parte preponderante. Inoltre, negli stessi anni, Brenneck lavora ad un altro interessante progetto, la Menahan Steet Band che con la Budos Band insegue su base orchestrale il sound perfetto degli anni '60. La ricerca porterà TNT a creare la divisione Dunham all'interno della DAP che si orienterà verso la registrazione analogica con mixer a 8 piste, così come avveniva negli anni '60.

Ma cosa c'entra tutto questo con Bradley? E' semplice: nel 2007, Charles Bradley inizia a collaborare fortemente con i Menahan Street Band diventandone l'espressione vocale, il front man, e producendo, dapprima, il singolo The World (Is Going Up In Flames) e successivamente Telephone Song che saranno poi inseriti in No Time For Dreaming, album uscito il 25 gennaio 2011.

Ora è semplice dire che il disco è bello, curato nei minimi particolari e che le atmosfere riscaldano l'aria in quanto il lavoro svolto da Bradley e la Menahan riproduce con assoluta pulizia il sound soul funk degli anni d'oro. Provate a sentire James Brown, Al Green e Marvin Gaye, chessò, tre pezzi a caso - It's A Man's World; Let's Stay Toghether e Let's Get It On - e provate a pensare che quei brani siano stati scritti e registrati nel 2011. Scoprirete molte affinità di questi tra questi grandi della musica nera e Charles Bradley.

Affinità che vanno oltre l'impostazione vocale.

La copertina di No Time For Dreaming è una citazione. Charles Bradley è sdraiato e sorride sornione guardando in macchina. Ricorda Jb in Soul On Top. Una scelta dettata da esigenze commerciali, senza dubbio, come allusiva è al foto contenuta all'interno del disco in cui Charles è ripreso mentre canta ad occhi chiusi e il viso contratto. JB, anche qui.

Se non l'avete capito, lo dico: il disco è da comprare.

Buona musica.

Vincenzo Altini

THE ROOTS

2011-03-01T11:14:00.002+01:00

Al microfono Black Thought (Tariq Trotter), alla batteria Questlove o ?uestlove (Ahmir Khalib Thompson), al basso Hub (Leon Hubbard), Kamal (Scott Storch) alle tastiere, Knuckles alle percussioni, Captain Kirk alla chitarra e Malik B anche lui al microfono…questa è la formazione di un gruppo ormai diventato storico nel mondo della musica black: The Roots!

Nonostante il loro genere sia stato catalogato come “alternative” hip hop, insieme ad altri gruppi del calibro di Blackalicious o Common, la longevità dei loro successi è tutt’oggi evidente anche dopo 24 anni di carriera.

È un successo apparentemente inspiegabile, il motivo? Bè loro rappresentano l’altra faccia dell’hip hop: la frangia con una dignità culturale ben lontana dal genere che in quel periodo avrebbe deteriorato buona parte della produzione negli anni ‘90.

The Roots non indossano catene d’oro da mezzo chilo, non impugnano pistole e nei loro video non vanno in giro con macchinone costosissime, non usano toni violenti o sessisti, insomma si discostano in tutto e per tutto da quello stereotipo di rapper cafone che mangia hamburger bevendo champagne.

Da cosa lo si intuisce? Basta ascoltare Things Fall Apart del 1999, nel quale professano una forte critica nei confronti di quella malsana commercializzazione dell’hip hop, ovvero quel colonialismo indecente che da lì a poco avrebbe distrutto le radici della musica Black nel mondo dell’hip hop!

Phrenology è il titolo dell’album pubblicato nel 2003, semplice come citazione colta: questo termine indica la scienza che studia la personalità in base alla conformazione del cranio… Personalità elementare in un cranio molto piccolo è il modello del pubblico di massa moderno, questa è l’unica spiegazione che mi sento di dare al tanto osannato successo di tutte quelle orrende sonorità tanto ipercompresse quanto stucchevoli che tanto vanno di moda oggi.

L’incontro tra l’MC Black Thought e il batterista Questlove risale all’ormai lontano 1987, nella Philadelphia High School for Creative Performing Arts. Inizialmente i due non hanno i soldi per permettersi giradischi, mixer, microfono e soprattutto la giusta quantità di vinili per produrre rap a regola d’arte, quindi, per sbarcare il lunario, cercano di ricreare le ritmiche della Golden Age con la batteria dello stesso Questlove, il quale ha dalla sua parte un talento straripante, e inoltre, provenendo da una famiglia di grandi musicisti doo wop, già a 13 anni era un vero maestro con le bacchette.

E così The Square Roots, il primo nome del gruppo, decidono di esibirsi dovunque capiti l’occasione, dai marciapiedi alle feste o sul palco della loro scuola.

In questo periodo si aggiungono il bassista Hub e il rapper Malik B e con questa formazione comincia il periodo di rodaggio che li vede impegnati tra New York e Philadelphia, diventando rapidamente un gruppo molto gettonato nella realtà underground.

Nel 1993 arriva la loro prima grande occasione, quando viene loro chiesto di rappresentare l’hip hop statunitense a un festival tedesco; per l’occasione incidono l’album Organix con l’intento di venderne qualche copia durante i concerti.

Le antenne dei professionisti dell’etichetta DGC/Geffen ne captano il talento, e nel ’95 arriva la pubblicazione dell’album Do You Want More?!!??!

È un disco prodotto senza nessun tipo di campionamento, senza ricorrere a materiale registrato, in cui è la stessa crew a suonare la propria musica; proprio per questo però, il disco non ha successo, perché è il periodo del pieno boom del G-Funk (ghetto-funk o gangsta-funk) e quindi la loro trasgressività nel proporre un hip hop strumentale, passa inosservata agli occhi del grande pubblico.

In questo stesso anno la line up si espande, con l’ingresso di due membri fondamentali per l’evoluzione del gruppo, ovvero il tastierista Kamal e il beat boxer Razhel the Godfather of Noyze.

Questa nuova formazione dà vita nel 1996 a Illadelph Halflife, preceduto dal singolo Clones, che raggiunge rapidamente la Top 5 della rap chart, un brano dalle sonorità pungenti tipiche del rap underground, per il quale è stato prodotto anche un bellissimo video, che ripercorre tutte le quattro discipline della cultura hip hop, dal breakin rappresentato dal grande b-boy advocate Bobbito Garcia, al padre fondatore del movimento dei graffiti di strada Phase 2. Grazie anche all’influenza dei nuovi elementi, il gruppo scende a compromessi inserendo dei campionamenti nelle basi, rendendo così il prodotto finito un po’ più commerciale, ma mai tralasciando quello stile arguto e intelligente che li contraddistingue e che traspare anche nella hit Keep It Real.

Il 1999 è un anno intenso e ricco di eventi per la band: il rapper Malik B esce di scena per problemi con la droga (riapparirà saltuariamente nei successivi album), ma è anche l’anno del terzo disco Things Fall Apart, grazie al quale il gruppo raggiunge finalmente la consacrazione a livello mondiale. Il conseguimento di questo enorme successo è dovuto anche alle numerose collaborazioni che hanno impreziosito l’intera opera: il cantante soul D’Angelo, Common, Mos Def, la club hit The Next Movement prodotta da Dj Jezzy Jeff. Ma è grazie soprattutto alla perla del disco, ovvero You Got Me, che le vendite raggiungono quasi il milione di copie: cantata dall’inimitabile Erykah Badu e scritta da una allora sconosciuta Jill Scott, questa meraviglia si aggiudica il Grammy award!

The Roots Come Alive è uno dei pochissimi album live della storia hip hop; viene registrato tra New York e Parigi e risale sempre al 1999. Forse incuriosito proprio da questa produzione, l’anno successivo, Jay-z li convoca per il suo Unplugged registrato per Mtv.

Dopo tutti questi successi e riconoscimenti, il gruppo si rimette in discussione lavorando su un progetto del tutto innovativo, abbandonando da subito l’idea di seguire una falsariga del successo ottenuto dal precedente disco.

Infatti nel 2002, dopo l’intenso lavoro progettuale in studio durato tre anni, portano alla nascita l’album Phrenology. Disco ricco di sfumature creative, in cui viene meno la vena jazz che aleggiava nelle precedenti produzioni lasciando il posto ad un rock razionale e più melodico.

Un pioniere come Afrika Bambaata sostiene che sia proprio il rock ad avere un rapporto di fratellanza con l’hip hop, e che quindi la connessione tra questi due generi è più diretta rispetto a quella commistione col jazz molto orecchiabile, ma poco incisiva ed energica.

Seguendo questa filosofia, questo album si potrebbe definire il più rap di tutta la discografia dei The Roots!

Questa formula vincente prende vita nel singolo di successo The Seed 2.0, nel quale partecipa lo stesso Cody ChessnuTT ovvero autore, vocalist e chitarrista del brano stesso già incluso nel suo album solista d’esordio The Headphone Masterpiece.

Molte altre efficaci collaborazioni danno alla luce brani davvero ben riusciti: Break You off con la calda voce di Musiq e anche l’ipnotica ritmica di Sacrifice, in cui una stranamente soave Nelly Furtado arricchisce il coro in sottofondo.

A poco meno di due anni, pubblicano The Tipping Point, titolo emblematico che riprende quel concetto dall’opera scritta da Malcom Galdwell, ovvero quel “punto critico” oltre al quale una semplice idea può diventare all’improvviso uno di quei fenomeni di massa, difficili da spiegare razionalmente. È un punto critico per la loro ricerca innovativa, perché in un ambiente, quello della musica hip hop, ormai fin troppo standardizzato, è sempre più difficile stupire le orecchie assopite delle masse. Ma proprio partendo dalla tradizione, prende forma un rap musicalmente riuscitissimo, in cui la ritmica incisiva di Questlove si fonde al meglio con i campionamenti ricercatissimi di Kamal, come nella miglior tradizione del genere hip hop. Dal rap su quarti molto ravvicinati di Black Thought sul campione di Supercar nel brano Don’t Say Nuthin’, o i richiami a Bob Marley nelle tonalità del ritornello di Guns Are Drawn, brano molto critico nei confronti della pubblica amministrazione americana, ma anche le ballatissime I Don’t Care e Stay Cool sono tutti tasselli che completano un puzzle perfetto, nonostante le importantissime assenze di Razhel e Malik B.

Poco dopo la pubblicazione di questo album, i rapporti con la casa discografica Geffen cominciano a rovinarsi del tutto, fino a spingere il gruppo ad orientarsi verso la famosissima Def Jam. Prima di questo epico passaggio però, a fine 2005 esce in due volumi separati Home Grown! The Beginner’s Guide To Understanding The Roots, nel quale sono presenti numerose chicche sia live che versioni inedite in studio.

L’inaspettato cambio di etichetta spaventa non poco i seguaci storici del gruppo, in quanto la Def Jam produce anche gruppi hip hop decisamente più pop; ma ovviamente stiamo parlando dei The Roots, che non si fanno influenzare sicuramente dalle esigenze commerciali dei produttori, anzi, il singolo Don’t Feel Right apre la strada ad un disco rabbioso e carico di coscienza civile, intitolato Game Theory. Con le sue rime infuocate, Black Thought diventa un intrattenitore educativo così come nel primo singolo, anche nei brani In The Music e False Media.

Altrettanto commovente è il brano Can’t Stop This, dedicato a J Dilla, grande amico e collaboratore dei The Roots, scomparso nel febbraio 2006.

Due anni dopo arriva Rising Down, il disco che più dei precedenti sottolinea l’integrità morale e creativa della band e il rifiuto a scendere a compromessi, dimostrando di avere il totale controllo artistico della loro musica.

In effetti lo stesso Questlove definisce quest’album come il più politico fino a questo momento, in quanto vengono trattati argomenti impegnati quali la dipendenza dalle droghe, le differenze di trattamento all’interno delle carceri e più in generale la vita a Philadelphia. Di certo non sono messaggi tranquillizzanti quelli lanciati dalla band, basti pensare che la data del lancio ufficiale del disco cade proprio il 16esimo anniversario dai famosi disordini di Los Angeles, scatenati dall’assoluzione di quei famosi poliziotti che furono ripresi a picchiare il nero Rodney King.

Altri brani significativi sono I Will Apologize, un tributo al grande Fela Kuti, e anche Criminal, una riflessione intensa sulle ingiustizie della vita di strada, e anche il singolo Birthday Girl nella quale spicca la voce del cantante dei Fall Out Boys, Patrick Stump.

Nei due anni che seguono Obama diventa presidente, la band diventa ospite fisso del Late Night With Jimmy Fallon e lo storico bassista Hub lascia il posto a Owen Biddle, grazie al quale, provenendo da una scuola più jazz fusion, The Roots cominceranno ad orientarsi verso una black progressiva anni 70. Ne sono una prova, nell’album How I Got Over, la collaborazione con artisti meno rap come i Monster Of Folk e Joanna Newsom nei brani Dear God 2.0 e Right On.

Nuove melodie psichedeliche e nottambule, con un flow decisamente superiore alla media tanto da chiamare in causa, sempre con estremo rispetto creativo, la buonanima di Curtis Mayfield in Walk Alone; per non parlare della base old school di Radio Daze, alla quale si abbina una tastiera quasi orientale dell’ottimo Kamal.

Il brano Wake Up Evereybody, al quale partecipano John Legend, Common e Melanine Fiona, viene pubblicato durante il periodo della campagna elettorale di Obama, e successivamente nel 2010 nasce l’album Wake Up!

È un progetto portato avanti dai The Roots insieme al talentuoso cantante John Legend, una raccolta di grandi classici intramontabili, magistralmente reinterpretati dalla potente voce dello stesso Legend, accompagnato dalle metriche di Black Thought e dal “direttore d’orchestra” Questlove.

Sembrerebbe troppo facile tirare in ballo titoli come Little Ghetto boy o I Can’t Write Left Handed per riscuotere un successo già bello e pronto ma attribuibile solo agli autori originali, ma sicuramente il talento e la passione che trasudano da questa collaborazione, rendeno queste pietre miliari della black music assolutamente moderne e le note ormai metabolizzate, rievocano in chiave attuale quelle genuine emozioni che solo la musica di qualità riesce creare.

Dopo tanti anni ormai, le “radici” di questo gruppo si sono ben saldate nonostante il terreno non sempre fertile e, grazie alla loro robusta qualità, continuano a trasformare ciò che assorbono in frutti carichi di sostanze nutritive per la mente di chi li sa apprezzare. The Roots, proprio come “radici”, tramutano tutto ciò che assimilano dall’ambiente circostante, in un messaggio efficace, diretto e decisamente realistico del nostro vivere quotidiano… Mai nome più azzeccato per questa band hip hop!

Claudio Valerio

KOOL & THE GANG

2011-02-12T13:21:00.006+01:00

La storia di Kool & the Gang nasce tra i banchi di un liceo di Jersey City, a metà degli anni ’60: un gruppo di teenager preferisce studiare Miles Davis e James Brown al posto della matematica e della geografia, inizia a collaborare con alcuni musicisti e a suonare nei club.
E’ una storia che prende di volta in volta un nome diverso, da Jazz Birds a Jazziacs (alcuni dei nomi precedentemente utilizzati dal gruppo), ma che probabilmente nasce ancora prima, quando il piccolo Ronald ascolta un suono irresistibile provenire dalla stanza dei genitori. Da qualche giorno il padre aveva comprato un giradischi nuovo di zecca e le note che si sprigionavano dai solchi di quel vinile erano quelle di Round about midnight.

L’anno decisivo per i talentuosi amici è il 1969. Kool & the Flames, ennesima trasformazione del gruppo, diventano Kool and the Gang, per evitare confusione con i Famous Flames di James Brown, ed incidono l’album omonimo.
La formazione è composta dai fratelli Robert “Kool” (basso) e Ronald (sax tenore) Bell, Claydes “Clay” Charles Smith (chitarra), George “Funky” Brown (batteria e percussioni), Dennis “Dee Tee” Thomas (sax contralto), Robert “Spike” Mickens (tromba), e Ricky Westfield (tastiera), ai quali si aggiunge Clifford Adams al trombone.

I dischi successivi registrati dal vivo confermano quanto di buono si dice in giro della band, una vera e propria orchestra soul jazz, che non ha bisogno di cantanti sul palco: bastano i fiati a rendere il loro suono travolgente.
Il successo in classifica arriva con Wild & Peaceful (1973). I discografici della De-Lite volevano qualcosa di simile a Soul Makossa, che aveva ottenuto una incredibile popolarità. La band, infastidita dalla richiesta, si chiude in studio e in un giorno solo tira fuori tre “bombe” registrate una dopo l’altra: Jungle Boogie, Funky stuff e Hollywood swinging. Dopo la sessione, Robert si avvicina ai discografici e, ancora stizzito ma orgoglioso del risultato ottenuto, dice: “Ecco la vostra Soul Makossa!”.

L’album seguente, Light of worlds (1974), segna un cambiamento nello stile e nel comportamento della band, che fa emergere il suo lato spirituale. Una sorta di risveglio, aiutato dalla pratica dello yoga e dalle filosofie orientali, che possiamo ben rappresentato dalla stupenda Summer madness. Ripreso successivamente da tantissimi rapper e utilizzato nella colonna sonora di Rocky, il brano apre la porta a un mondo magico nel quale gli strumenti del gruppo entrano con discrezione fino all’acuto finale.
Le sirene della disco si avvicinano, ma Kool & the Gang resistono ancora per un po’ al fascino delle piste da ballo e restano fedeli al loro “messaggio” con gli album Spirit of the boogie and Love & understanding.

Nel 1976 Ricky Westfield lascia il gruppo, nello stesso anno esce l’album Open Sesame e la title track viene inserita nella colonna sonora de La febbre del sabato sera. Cosa ci facevano i fratelli Bell accanto ai fratelli Gibb?
Quello che stava succedendo iniziava ad essere chiaro. Gli Earth Wind & Fire e i Commodores basavano il loro successo su una forte presenza vocale, George Clinton e i suoi gruppi, Parliament e Funkadelic, stavano portando il funk a un altro livello. Non restava che far prendere al gruppo una nuova direzione per poter competere con le armi giuste: via alle audizioni per la ricerca di un vocalist ed ecco arrivare, direttamente dai nightclub, James J.T. Taylor, soul singer dalla voce cremosa e dalla grande personalità.
Scelta fondamentale che, accompagnata dalla supervisione di un nuovo produttore, Eumir Deodato, apre al successo mondiale e a una nuova storia, che chi ha amato i primi Kool & the Gang spesso ripudia.

Dal 1979 al 1986, le vendite dei loro dischi, le hit in classifica e i premi ricevuti non si contano più. Sono gli anni di Ladies’ night, Too hot, Celebration, Get down on it, Steppin’ out, Fresh, Victory. Chi non ha ballato uno di questi brani?
Certo, i suoni sono più semplici e freddi rispetto agli inizi, ma il divertimento che ognuna di queste canzoni trasmette è testimoniato dalle facce sorridenti dei componenti della band, raffigurati sul retro delle copertine degli album di quel periodo. D’altronde un successo tale, anche economico, non l’avevamo mai vissuto nella prima parte della loro carriera. Gran parte della vita trascorsa a cercare l’armonia musicale del gruppo e quasi dieci anni passati a sfornare hit pop dance.
L’album Forever (1987), titolo emblematico, sancisce praticamente la fine del gruppo, abbandonato da Ronald Bell e da J.T. Taylor.

Seguono vari tentativi di riunire la band, l’ultimo nel 2007 con l’album Still Kool, ma forse il loro miglior album recente è una raccolta di succesi, Reloaded: nuove versioni dei loro brani più famosi con la partecipazione di artisti del calibro di Jamiroquai, Angie Stone, Redman, Lisa Stansfield, Youssou N’Dour e tanti altri. Impresa difficile, infatti non tutte le tracce sono all’altezza, ma sicuramente un buon riassunto della carriera di questa band dalle due facce.
Quale preferite?

Mr.Soundelicious

LAFAYETTE AFRO ROCK BAND

2011-02-08T19:23:00.005+01:00

Long Island - New York, Stati Uniti, 1970.

E' proprio quello il periodo in cui una band, capitanata dal vocalist Bobby Boyd decide di formarsi. Il funk, l'afro, il rock.... il loro credo.

Ma il 1970 è un periodo molto florido per il funk, e migliaia di gruppi si sfidano a colpi di groove per arrivare al successo. C'è chi lo raggiungerà e chi, invece, si fermerà a stampare un misero 45 giri.

I nostri protagonisti vista l'enorme concorrenza, decidono nel 1971 di provare un'altra via: L'Europa in particolare la Francia, senza però l'adesione di Bobby Boyd che invece deciderà di restare in America per tentare il colpaccio.

Larry Jones, Frank Abel, Lafayette Adson, Keno Speller, Ernest "Donny" Donable, Arthur Young, Michael McEwan e Ronnie James Buttacavoli volano a Parigi si ribattezzano "Ice" e cominciano a suonare prevalentemente nelle zone frequentate da immigrati nord-africani. ll loro sound impregnato di groove non può far altro che attirare la loro attenzione.

Attira però anche quella di Pierre Jaubert, produttore discografico, che fa dei 'nostri' la studio band del suo Parisound.

Nel 1972 arriva l'anno dell'esordio discografico, dopo però essersi ribattezzati Lafayette Afro Rock Band, e lo fanno con l'etichetta America pubblicando "Malik". Un disco incredibile, che oltre a chitarre e sound prettamente funk, raccoglie ritmiche africane non tralasciando l'anima soul.

Da segnalare la bellissima Darkest Lights tra l'altro campionatissima (da artisti come Public Enemy), ma anche la stessa Malik dal sound prettamente funk, e la perla da dancefloor I Love Music. Un disco tanto bello quanto non facilissimo da reperire.

Nel 1973 arriva la seconda e, purtroppo, ultima fatica della band che pubblica per l'etichetta Musidisc il disco "Soul Makossa", che oltre a contenere una fantastica versione del successo di Manu Dibango, ha tra le sue tracce migliori Hitache, perla che contiene un break di batteria iniziale campionato da centinaia di artisti tra i quali De La Soul, Naughty By Nature, LL Cool J, Janet Jackson solo per citarne alcuni.

Tutte le tracce meritano, un sound che passa dall' afro-funk a lettere cubitali che prende vita in mine come Azeta e Nicky (First One) ad influenze rock come in Oglenon. Decisamente notevole.

Nonostante i lavori della band siano solo due, stampati anche in un lasso di tempo decisamente breve, ancora oggi gli appassionati di Black Music e le varie compilations funk, che tutt'ora vengono stampate, suonano i Lafayette Afro Rock Band.

Non possono mancare nelle collezioni dei "drogati" dell'afro-funk.

Una nota particolare, infine, va fatta sulle 2 splendide copertine che custodiscono i 2 lavori. Entrambe molto simili, ma immensamente splendide ed essenziali. Sicuramente 2 opere d'arte, che trovate allegate all'inizio di questo articolo.

Procuratevi i dischi dei Lafayette Afro Rock Band, non ve ne pentirete.

Dj Danko

TERRY CALLIER

2011-01-30T13:10:00.020+01:00

Alcune volte non è così semplice trovare un incipit nelle storie dei musicisti che raccontiamo... non è semplice individuare quello che può essere il punto da cui far partire la descrizione della loro formazione e spiegare, in un certo qual modo, il perché di alcune scelte. Talvolta questa difficoltà può essere dovuta ad una storia di vita piena di vicende ed aneddoti o ad un'oggettiva complessità d'individuare una linea nella produzione musicale. Queste situazioni sono facilmente superabili prendendo come riferimento tre o quattro punti (chiaro, si parla di dischi... ndr) e lasciando defluire nell'articolo le informazioni che formano, poi, le storie. In alcuni casi, invece, la difficoltà è dovuta ad una forma di partecipazione emotiva che la storia, la musica, la vita dell'artista comunica a chi la racconta. In questo caso non esiste un metodo o un percorso da seguire per superare l'empasse.

Nel caso della storia musicale di Terry Callier - e qui lo confesso - la mia emotività raggiunge livelli altissimi: la sua musica è stata una fedelissima compagna in un certo periodo della mia vita e se non mi estraniassi totalmente dai ricordi, brani come Occasional Rain e Satin Doll continuerebbero ad essere parte di me senza che alcuno di voi avesse voglia di legarvi altre storie e, in questo caso, avrei fallito...

La musica di Terry ha un black sound particolare intriso di jazz, soul, funky e folk, non definibile. La predominanza della voce, suadente e morbida, ha punti soul e jazz e s'inserisce nell'accompagnamento folk derivante dall'uso della chitarra acustica. La ritmica ha richiami funk. Il jazz è nell'uso dei tempi, dei fiati e il prodotto è un sound unico in cui si ritrovano Billie Holliday, Ella Fitzgerald, Charlie Parker, Gil Scott Heron, George Benson.

Ma andiamo per ordine.

Ad 11 anni, nella natia Chicago, Terry entrò a far parte di un gruppo doo – woop, che si esibiva nei bagni del plesso scolastico dove le pareti di marmo miglioravano l'acustica consentendo una più pulita trasmissione del suono. Poi, ogni giorno, tornato a casa, trascorreva il suo tempo a giocare e suonare con il suo miglior amico: Curtis Mayfield, destinato a diventare uno dei più importanti artisti soul.

La capacità musicale di Callier non potè sfuggire a Charles Stepney che portò il diciassettenne Terry ad un'audizione presso la Chess Record. Il risultato fu che Terry Callier entrò in sala di registrazione il lunedì mattina ed incise “Look At Me Now” e il sabato successivo il disco era nell'hit list dell'Illinois. Il successo fu tale che Leonard Chess, il boss della Chess Record, gli propose un tour con Etta James e Muddy Waters a cui, però, Terry non partecipò a causa della ferma volontà della madre che lo costrinse, momentaneamente, a riporre in un cassetto i sogni e a proseguire gli studi universitari. In questi anni di studio universitario Terry ebbe modo di affinare la sua tecnica chitarristica e gettare, poi, le basi per il perfezionamento del suo sound.

Nel 1964, all'età di 19 anni, Callier firmò un contratto per la Prestige Records ed entrò in studio per registrare “The New Folk Sound Of Terry Callier”, un debut album con una storia un po' particolare. Terminate le registrazioni, Samuel Charters, il produttore della Prestige, partì per un viaggio alla scoperta di se stesso portando con se i nastri di “The New Folk Sound” nel deserto del New Messico dove trascorse due anni nei “viaggi” propostigli dai funghetti allucinogeni e dalle note della musica di Terry. Solo al rientro nella realtà reale di Charters, l'album fu dato alle stampe e pubblicato all'insaputa di Terry Callier. Il disco fu trovato casualmente, tempo dopo, dal fratello di Terry in un negozio di dischi e libri usati.

La storia di “The New Folk Sound” iniziò a circolare negli ambienti e, nel 1971, all'età di 26 anni, Terry fu chiamato a tenere una serie di serate tra Chicago e New York, con gente del calibro di Gil Scott Heron e George Benson, e scrisse per “The Love We Had Stays In My Mind”, per la Cadet, che i Dells portarono ad un discreto successo. Grazie a questa collaborazione la Cadet gli sottopose un contratto per tre album da pubblicare nel periodo '72/'74. Nacquero, nell'ordine, Occasional Rain, What Color Is Love e I Just Can't Help Myself, tre meravigliosi album che sorprendono per il connubbio tra la voce decisamente ipnotica e calda di Terry e gli arrangiamenti orchestrali.

I tre album, però, non ebbero un grande successo immediato, anzi, il pubblico li capì poco ed a parte Ordinary Joe, singolo tratto da Occasional Rain, entrata in classifica e diventata un masterpiece negli States, non lasciarono il segno nelle vendite ma fecero parlare la critica musicale del folk – jazz sound di Terry Callier consegnando la sua musica ad un pubblico sempre più di nicchia.

Nel 1976, Callier, su invito di Gil Scott Heron, incontrò Don Mizel che gli fece sottoscrivere un contratto con la Elektra per gli album Fire On Ice (1977) e Turn You To Love (1978).

Fire On Ice è un disco con brani originali mentre Turn You To Love, per scelta commerciale della Elektra, contiene due brani presi da Occasional Rain - la title track e Ordinary Joe - in modo da consentire una più semplice collocazione del disco sul mercato. Il successo, però, arrivò con il 45 giri Sign Of Time ( nulla ha a che vedere con l'omonimo brano di Prince, ndr) che portò Callier ad essere l'artista più programmato da Frankie Crocker per la WBLS, nonché uno degli artisti più acclamati al Montreux Jazz Festival del 1979.

La carriera di Callier è caratterizzata da entrate ed uscite improvvise dalla scena musicale. Molto strana e contemporaneamente affascinante è la considerazione che i suoi volontari allontanamenti dalle scene musicali siano avvenuti nei momenti di maggiore notorietà. Negli anni '60 un primo distacco dalle scene lo si ritrova subito dopo il successo di Look At Me Now e, successivamente, dopo la vicenda di The New Folk Sound. Gli anni '70 sembrano essere finalizzati al raggiungimento del successo che, dopo 5 dischi importanti e belli, inizia ad arrivare grazie ad un singolo nel 1979 ma qui, ancora una volta le vicende della vita privata portarono Terry ad una scelta profonda: la figlia dodicenne, Sundiata, avuta da un precedente matrimonio, andò a trovarlo a Chicago per una vacanza estiva e scelse di vivere con il padre. Ovvio che, come ogni buon padre di famiglia, Callier, rendendosi conto della profonda difficoltà di gestire la propria carriera musicale e l'affidamento della figlia, fece una scelta: per assicurarsi un reddito fisso e stabile ed una vita tranquilla e gestibile, si ritirò dalle scene ed iniziò una carriera di docente informatico presso l'Università di Chicago.

Negli anni '90, però, in piena epoca di recupero delle sonorità soul jazz funk groove del periodo acid jazz, Callier fu chiamato a suonare nei club inglesi da un certo Eddie Piller che nel frattempo, per l'etichetta Acid Jazz, aveva ripubblicato I Don't Wanna To See Myself (Without You) scritto da Callier per la Erect Records nel 1982, prima del suo ritiro dalle scene.

In una forma d'inseguimento del successo in cui s'invertono le parti, il prof. Callier fu assalito dalla notorietà oltre i confini nazionali ed oltre la nicchia di pubblico che lo aveva consacrato a proprio beniamino negli anni '70.

Nel 1995 la Prestige ripubblicherà The New Folk Sound che ottenendo un discreto successo commerciale porterà alla nascita di una nuova fase artistica e di vita di Terry Callier. La nuova ondata di successo lo porterà, infatti, a scrivere un nuovo album, Time Peace (1998), con il quale si aggiudicherà il premio delle Nazioni Unite “Time For Peace Arward” per il contributo artistico alla pace nel mondo.

Conseguenza dell'aggiudicazione del prestigioso premio fu l'allontanamento forzato dalla docenza universitaria. La sua vita artistica non era conosciuta dal collegio di docenti con i quali Callier lavorava e ciò fu visto come una violazione del contratto. Terry fu licenziato e scelse, forzatamente, stavolta di dedicarsi alla vita artistica coinvolgendo, in alcuni progetti, anche la figlia Sundiata (è l'autrice di When A Lark Is Singing da In Life Time – 1999).

Da quel momento in poi troviamo il nome di Terry Callier in numerose collaborazioni eccellenti in progetti che vanno oltre il folk jazz e la black music. Intervallando i live alle registrazioni (splendide e consigliatissime Lookin' Out del 2004 e Welcome Home del 2008, senza tralasciare Hidden Conversations del 2009, tutti prodotti per la Mr Bongo) l'influenza e la voce e la chitarra di Terry Callier la ritroviamo nei lavoro dei Koop, dei Massive Attack, dei 4 Hero, di Paul Weller e, soprattutto, nella suadente Dolphins di Berth Orton.

Buona musica.

Vincenzo Altini

BEN HARPER

2011-01-24T18:22:00.004+01:00

Se per molti musicisti il raggiungimento del successo discografico è dato da un casuale percorso di fortunati incontri o eventi e situazioni particolari, bè questo non è proprio il caso di Benjamin Chase Harper.

La linearità della sua formazione musicale sembra quasi un mandato, un vero e proprio incarico a continuare la divulgazione di quell’inno alla vita nel mondo contemporaneo che aveva iniziato a celebrare Bob Marley, ricercando quella forma poetica sensibile e al contempo autoritaria, riscontrabile solo nei versi di Bob Dylan.

Classe 1969, Ben nasce in California, nell’Inland Empire, a Claremont a ottanta chilometri da Los Angeles, in una famiglia dalle radici molto miste: il padre Leonard, percussionista, è di discendenza afroamericana e cherokee, mentre la madre Ellen Chase-Vendries è ebrea, figlia di immigrati russi.

I suoi genitori si separano quando aveva solo cinque anni e lui, insieme ai fratelli Joel e Peter, trascorre la sua infanzia con la famiglia materna, che si occupa di musica da tre generazioni: nonno liutaio, nonna chitarrista, madre cantante e chitarrista. La famiglia, inoltre, possiede un negozio di strumenti musicali, il Folk Music Center and Museum, nel retro del quale Ben comincia a strimpellare la chitarra già da molto piccolo. Si può ben capire che tutti i membri della sua famiglia non sono solo semplici appassionati ma veri professionisti, intensamente innamorati del loro mestiere e che inevitabilmente riversano la loro passione nel giovane Harper, il quale dimostra da subito notevoli capacità nel suonare la chitarra acustica. È in quel periodo che il nonno materno gli fa scoprire la sua vera propensione: esortandolo a provare quella slide guitar Weissenborn, originale degli anni ‘20, lo stesso strumento che successivamente diventerà indispensabile nelle sue creazioni musicali.

Alla sua prima esibizione pubblica, a soli dodici anni, dimostra di essere un enfant prodige, non solo per i suoi evidenti virtuosismi alle sei corde, ma soprattutto per le influenze che in un così giovane musicista vengono fuori, nota dopo nota: da Ry Cooder a Bob Dylan, da Sam Cooke a Jimmie Rodgers fino al pioniere Robert Johnson, ed ancora molti altri musicisti funk, soul, jazz e rock.

La sua musica però non si può definire semplicemente black: anche se non trascura le sue origini afro americane, il suo stile è una vera e propria evoluzione, che affonda le radici nel jazz, nel rap, nel blues, ma che attraversa anche il rock con le sue ramificazioni più moderne. Lo stesso Herper ha sempre sottolineato che le sue canzoni non sono indirizzate ad un solo determinato pubblico, bianco o nero, ed è proprio questa convinzione ad indurlo nella ricerca di nuove sonorità.

Di conseguenza, egli stesso rifiuta di essere etichettato in un genere e al tempo stesso non cede alla commercializzazione, mantenendo saldi quei suoi valori radicati nell’umanità pacifica che crede nella riunificazione dei popoli.

La sua prima produzione risale al 1992 quando registra, insieme all’amico e chitarrista folk Tom Freund, un LP intitolato Pleasure and Pain.

Dopo questo primo esperimento, arriva la sua prima e vera missione nel 1994 con Welcome To The Cruel World, nel quale Harper descrive in un emozionante disegno musicale il nostro mondo crudele, che nonostante tutti i suoi difetti rimane comunque la nostra casa. Lo fa attraverso pregiate sonorità, ma soprattutto attraverso sorprendenti testi che svelano l’integrità morale di un cantautore all’altezza del miglior Dylan, e quell’ottimismo presente anche nella musica di Marley.

Nel successivo Fight For Your Mind del 1995, il giovane di Claremont comincia sempre più ad allargare i suoi orizzonti, cimentandosi in tutte le sfumature della black music. Fondamentale per l’evoluzione del suo percorso artistico è la formazione della band degli Innocent Criminal, non un semplice gruppo di supporto, ma dei veri compagni di vita, tra i quali il talentuoso bassista Juan Nelson, il batterista Oliver Charles e il percussionista Leon Mobley.

Ovviamente in questo album la gamma di suoni a cui Harper attinge, si dilata e anche le sonorità della sua chitarra Weissenborn cominciano a saturarsi di distorsioni.

Il disco comincia sulle note tranquille di Oppression, per passare al funk-blues di Ground On Down nella quale la lap steel comincia a riscaldarsi, accompagnata dalla classe di Juan Nelson che sorregge la band in una dinamica robusta. Gold To Me è un soul in cui Ben canta l’amore per la sua donna, la sua chitarra torna sulle ginocchia e la sua voce diventa più solare; il Tone Bar utilizzato per ottenere le tipiche sonorità slide, sembra quasi voler riproporre quei suoni caldi dei fiati della tradizione Stax e Motown.

L’atmosfera si rilassa su Burn One Down, quasi un inno folk, in stile giamaicano, alle droghe leggere, costituito da semplice chitarra acustica e percussioni.

Su Excuse Me Mr. la ritmica si fa quasi ipnotica, l’accusa contro la civiltà industriale si fa feroce, la voce filtrata sembra prendere la forma della coscienza di un uomo moderno egoista e materialista.

Sul brano soul By My Side eccelle la presenza dell’Hammond di Ervin Pope; in God Fearing Man invece Ben dà sfogo alla sua mistica classe alla slide guitar, in un lunghissimo e incalzante assolo.

Nel suo terzo disco The Will To Live, datato 1997, Harper continua a cantare il suo messaggio sociale, ma musicalmente evolve quelle particolari influenze blues rock alla Led Zeppelin, alternandole al soul caldo e intenso di Al Green: la funkeggiante Mama’s Trippin e la intensa Glory & Consequence ne sono l’esempio.

Burn To Shine, 1999, e Live From Mars, 2001, seguono la scia del precedente disco, con influenze black che ammiccano persino al blues anni venti in Suzie Blue o a certe cover di gran classe nel live, tra le quali Sexual Healing del grande Marvin Gaye.

Nel 2003 viene pubblicato l’album più completo e maturo della sua carriera: Diamonds On The Inside. I testi sono incisivi e il suo messaggio è riflessivo ma ottimista: spronare i popoli nella ricerca di quella luce che faccia risplendere, come un diamante, la forza interiore dell’uomo.

With My Own Teo Hands, il primo singolo, è un vero e proprio omaggio a Bob Marley, più ricercate sono le sonorità in brani come When it’s good, vero e proprio gospel dal ritmo energico, o in Picture Of Jesus, brano in cui i cori della preghiera dei padri africani si mescolano con la delicata tonalità di Harper. Perfettamente bilanciato anche il brano Blessed To Be Witness, un crescendo di strumentali delicate, dalle forti radici africane; nettamente più funk e ritmati in stile Motown, i brani Bring The Funk e Run Eyed Blues.

Vincitore di un Grammy, There Will Be A Light nasce nel 2004 con la collaborazione dei Blind Boys Of Alabama, collettivo di cantanti non vedenti over ottanta. Il disco parte subito molto allegro sulle note di Take My Hand, in cui ben si intersecano percussioni e sonorità liquide di tastiere e chitarra wah wah; l’inversione di mood ci porta alla ballad Where Could I Go, stile Otis Redding.

Finalmente un assolo intenso di Ben con la sua chitarra in 11th Commandament, che apre la strada alla cover di Bob Dylan, Well Well Well, ottimamente reinterpretata dai protagonisti corali diretti dalla rassicurante chitarra slide di Harper.

Dopo l’emozionante gospel Mother Pray, interamente vocale, entusiasma l’ultimo brano sempre gospel ma più movimentato, a base di hammond e cori allegri e incalzanti.

Il successivo doppio album Both Side Of The Gun, divisione voluta come semplice distinzione di ballate e brani spirituali nel primo e sonorità più aggressive nel secondo, risulta meno efficace dei precedenti. Il primo disco infatti, lento e romantico, appare quasi piatto; diverso il secondo disco, ricco di ritmiche funkeggianti come nella title track o gospel dai lineamenti country-folk come Gather Round The Stone. Il brano più emozionante di questo album resta sicuramente Black Rain: un funk rabbioso in cui si incrociano perfettamente archi alla Blaxploitation, con l’esplicito testo che fa riferimento a quella pioggia nera, causa di guerre e sofferenza.

Un messaggio anti-Bush da vero rivoluzionario:

Now you don't fight for us

But expect us to die for you

You have no sympathy for us

But still I cry for you

Now you may kill the revolutionary

But the revolution you can never bury

Il terzo album con gli Innocent Criminla è del 2007, intitolato Lifeline, disco sicuramente più rilassato dei precedenti, sia dal punto di vista musicale che nelle tematiche affrontate. Il gospel è meno potente, il rock ammicca ad un più tranquillo r’n’b e anche l’assolo di weissenborn in Paris Sunrise #7, che anticipa la poetica title track, è una tranquilla e soave melodia.

Questo è il Ben Harper che fa surf con Jack Johnson sulle tranquille spiagge di Byron Bay, luogo davvero suggestivo, dove tornerei molto volentieri, e dove Ben passava le sue serate suonando per il pubblico non pagante di backpackers dell’Arts Factory Lodge, un vero e proprio laboratorio artistico, in cui chiunque può lasciare un ricordo del proprio talento musicale. L’ultima nuova collaborazione arriva nel 2009 con i Relentless7 con l’album White Lies For Dark Times, nel quale le sonorità si soffermano su tematiche prettamente rock e funk con una dose massiccia di chitarre elettriche.

Degno di nota è l’ultimo progetto, ovvero la formazione del trio Fistful Of Mercy , nell’agosto 2010, formato da Ben Harper, l’estroso Joseph Arthur e Dhani Harrison figlio del mitico George.

Nell’opera di Harper è davvero gradevole ascoltare il meglio della tradizione black mescolarsi sapientemente a sonorità più moderne, egli è un magistrale regista e un vero portento alla chitarra slide e al contempo poeta e narratore romantico nel descrivere una modernità incentrata sullo spreco e sul consumismo. La positività con cui divulga il suo messaggio, può solo stimolare l’uomo moderno a perseguire quell’attivismo sociale rivolto ad un’educazione più consapevole e finalizzata ad uno stile di vita meno materialista, per il raggiungimento di quella pace così necessaria in tempi di forti crisi culturali e politiche.

Claudio Valerio

RAY CHARLES

2011-01-15T16:35:00.002+01:00

«I was born with music inside me. That’s the only explanation I know»

La storia che sto per raccontarvi è quella di un artista che ha fatto epoca, uno degli artisti più grandi che la storia della musica abbia mai conosciuto. Uno dei pionieri del Soul, uno di quei nomi che tutti hanno sentito almeno una volta. Vi sto parlando di un Genio. Già perché è così che lo riconoscono tutti. Mi riferisco ovviamente a Ray Charles.

Giusto per avere idea di che personaggio sia Ray Charles, basti pensare che è stato inserito al 2° posto della classifica dei 100 migliori artisti ogni epoca dell’autorevole Rolling Stone, nel 2008, davanti a mostri sacri della musica come Marvin Gaye, Elvis Presley, Sam Cooke, Bob Dylan e John Lennon. Secondo “solo” a sua maestà Lady Soul, Aretha Franklin.

Ray Charles Robinson nasce nel 1930 ad Albany in una povera famiglia. Appena nato si trasferisce a Greenville, Florida. Abbandonato da suo padre quando era neonato, a soli 5 anni Ray assiste impotente alla morte del suo fratellino George, annegato in una tinozza piena d’acqua. Evento questo che segnerà per sempre la personalità di Ray che si sente colpevole dell’accaduto. Soffrirà per quasi tutta la vita di allucinazioni e fobie legate all’annegamento del povero George. Sempre in questi anni, il piccolo Ray inizia ad avere problemi con la vista, che lo porteranno alla cecità completa all’età di 7 anni. In realtà nemmeno lo stesso Ray conosce le cause del suo handicap. I medici allora gli diagnosticarono un glaucoma, secondo altri fu un’infezione.

Iniziò quindi a frequentare la scuola per ciechi fino alla morte di sua madre. Si trasferì in seguito a Jacksonville dove si esibiva per 4 dollari a sera in piccoli locali. Poi suonò per i Florida Playboys e in questo periodo Ray iniziò a portare gli occhiali scuri creati da Billy Stickles.

Si mette in luce a Seattle, dove si trasferisce nel 1947. Qui le sue performance attraggono l’attenzione di una piccola casa discografica che gli propone un contratto, è la Downbeat/Swingtime che rilascia il primo singolo in assoluto di Ray Charles, nel 1949 che è I Love, I Love You (I Will Never Let You Go). Nello stesso anno usciranno Confession Blues, How Long Blues e molti altri singoli fino al 1951 quando ottenne primi importanti risultati con Baby Let Me Hold Your Hand. In questo periodo incontra Ahmet Ertegün che gli fa firmare un contratto per la Atlantic Records. Sotto consiglio dei discografici cambia il suo nome d'arte in Ray Charles per evitare confusione con il pugile Ray Robinson.

I primi lavori con l’Atlantic, come i successi precedenti, sono ottimi ma mancano di quel tocco di originalità che ne farebbe dei pezzi unici. Lo stile musicale ricorda quello di Nat “King” Cole e Charles Brown, il che avrebbe annoiato il pubblico data la poca originalità e la sensazione di”già sentito” che si sarebbe diffusa.

Nel 1953 lo stesso Ahmet Ertegün, quindi, gli propone Mess Around, un brano scritto da Lui stesso. Ritmo travolgente e grande energia che fanno del brano una hit assoluta che scala le classifiche! È il primo grande successo del nostro Ray che nel 1954 supererà di gran lunga il successo di Mess Around con la spettacolare e pluricampionata I Got A Woman che spopola letteralmente in tutti gli Stati Uniti. Questo storico pezzo è stato scritto dallo stesso Ray, ispiratosi ad un pezzo dalle sonorità tipiche degli stati del Sud che spesso Ray ascoltava in radio. Ed è insieme a Renald Richard, suo trombettista che scrivono questo pezzo, sulle note di un frenetico gospel e sonorità rhytm and blues. Non mancarono le critiche da parte delle comunità religiose che vedevano profanato il loro sound, tipico dei canti sacri. Soprattutto perché nel testo si parla di donne. Già le donne. Un aspetto della vita di Ray Charles che influenzò molto la sua carriera e le sue scelte musicali. Nella sua vita Ray si sposò solo due volte, ma ebbe ben dodici figli da sette mogli diverse.

La sua storia più importante è probabilmente quella risalente al periodo più florido della sua carriera, insieme a Della Beatrice Howard che aiutò molto Ray nello sviluppare una propria identità musicale. Molte però furono le sue amanti tra le quali Margie Hendricks che era una delle tre Raelettes, il trio di coriste reclutate da Ray stesso per dare una seconda voce ai suoi pezzi. Scelta che si rivelò azzeccata come non mai dato che qualche anno dopo tutte le radio trasmettevano l’originalissima e per certi versi divertente What’d I Say. Intro di basso unica, quasi rivoluzionaria dato che fu uno dei primi singoli rhytm and blues ad affermarsi nelle classifiche pop ottenendo un successo spropositato. What’d I Say è al decimo posto nella classifica di Rolling Stone delle 500 canzoni più belle di sempre! Il fato volle che questo pezzo non era programmato e non era nemmeno nella testa di chi l’avrebbe suonato quella sera, probabilmente a Brownsville, Pennsylvania. Uno show terminato troppo presto e Ray che fu costretto ad improvvisare e dare spazio a tutto il suo genio musicale. Tra le prime battute troviamo influenze di boogie-woogie, poi si passa al blues in 12 misure; una serie di riffs seguiti da percussioni, con parti di gospel con le Raelettes che seguono Ray sui celebri versi (Ooohhhh, Oooohhhh,….) oppure nel ritornello quando, dato che improvvisava, sembra chiedere:«Tell Me What’d I Say» (Ditemi cosa devo dire!) e poi gemiti con allusioni sessuali, in un botta e risposta tra Ray e coriste dal ritmo incalzante che, ascoltandolo, difficilmente vi farà stare fermi!

What’d I Say fu il primo brano rhytm and blues a sfondare nelle charts pop e questo segnò la diffusione del soul in un pubblico più universale. Quasi come un puzzle, la missione di the Genius si stava compiendo: aveva tastato il terreno con I Got A Woman, “profanando il gospel” e ora con What’d I Say aveva cambiato le carte in tavola ottenendo un disco d’oro e influenzando tutta la storia del blues, e del rock and roll.

La sua fama è ormai alle stelle e arriva il momento per i cambiamenti. Firma infatti un contratto con la ABC Records. Siamo nel 1959. Iniziano gli anni d’oro per Ray che domina le classifiche R&B americane e non solo! Sono gli anni di Georgia On My Mind, dalle sonorità country/blues. Un inno al suo Stato d’origine, lo stesso stato che nel 1961 lo mandò via per sempre, quando si rifiutò di suonare per un pubblico, quello di Augusta, Georgia prettamente razzista. Sono gli anni della segregazione razziale e Ray con il suo gesto da una scossa al movimento per i diritti degli afroamericani.

Sempre nel 61, nuovo singolo, nuovo successo! Hit The Road Jack, scritta da Percy Mayfield, in cima alle classifiche grazie a Ray e le Raelettes che “dialogano” anche qui splendidamente anche in questo pezzo. Negli anni successivi ci saranno Unchain My Heart, You Don’t Know Me, You Are My Sunshine, Don’t Set Me Free e molti altri successi.

1962, esce “Modern Sounds in Country and Western Music” album country come s’intuisce dal titolo che diventa uno dei più venduti di tutti gli States! Grazie a questo album anche la musica country entra nelle chart nazionali! Ray Charles era da sempre grande appassionato di questo genere musicale essendo cresciuto nelle campagne del sud, ascoltava spesso brani del genere e. Non era tanto la musica country che Ray amava, quanto le storie che raccontava; storie parlavano di amori tormentati, di cuori infranti e sentimenti incompresi. Negli anni successivi pubblicò altri lavori country riscuotendo un discreto successo.

Come tutti i grandi geni, anche Ray Charles aveva dei problemi. Non mi riferisco alla cecità ma al suo consumo di eroina, fin dai tempi di Seattle. Con gli anni divenne sempre più succube della droga fino a quando venne arrestato prima ad Indianapolis poi a Boston dove rischiò seriamente di finire in prigione. A questo punto iniziò a disintossicarsi in una clinica di recupero a St.Francis. Ray ne uscì rigenerato.

Il 7 Marzo 1979, l’assemblea generale della Georgia si scusò con Ray Charles dopo i conflitti per i diritti civili e nell’aprile dello stesso anno Georgia On My Mind divenne canzone ufficiale dello stato.

Negli anni 80 la produzione musicale di Ray Charles è intensa così come negli anni passati, purtroppo però non sono all’altezza delle produzioni degli anni 60 e 70. Per rilanciarsi ed avere anche apprezzamento da un pubblico più giovane, interpreta la parte di Ray, vecchio venditore di strumenti musicali, nel film The Blues Brothers (1980), e si esibisce in Shake Your Tailfeather. Nel 1985 invece partecipa al progetto USA for Africa cantando una parte importante nella We Are The World con Michael Jackson, Lionel Richie e soci.

Non vi ho parlato della discografia di Ray Charles. Ho preferito focalizzare i singoli successi anche perché la produzione discografica di Ray è davvero infinita, conta ben 62 album di cui 7 live dai quali sono stati estratti 127 singoli! Gli ultimi album di Ray da vivo sono datati 2004 e sono “Live @ The Olimpia”, registrato nel 2000; “Ray Charles Celebrates a Gospel Christmas With the Voices of Jubilation”, album natalizio e “Genius Loves Company” album di featuring con importanti artisti come Elton John, Norah Jones, Diana Krall, B.B. King, e molti altri; che riporta Ray in vetta alle classifiche, tanto da aggiudicarsi ben 8 grammy su 10 nomination, compreso quello di Album dell’anno! “Genius Loves Company” uscì il 31 agosto 2004, due mesi dopo la morte del Nostro Genio. Infatti il 10 giugno Ray si spense nella sua casa a Beverly Hills, circondato dalla sua famiglia e dai suoi amici più stretti. Ad ucciderlo, un cancro al fegato. Aveva 73 anni.

Nell’ottobre dello stesso anno uscì “Ray” film biografico sulla vita di Ray Charles, molto introspettivo e profondo. La spettacolare e perfetta interpretazione di Jamie Foxx nei panni di Ray Charles gli valse l’Oscar come miglior attore protagonista. Assolutamente da vedere!

Sono pochissimi gli artisti che possono vantare una produzione simile a quella di Ray Charles, non tanto per il numero di album, ma per le pietre miliari che ci ha regalato tra la fine degli anni 50 e la metà degli anni 70. Una voce unica, calda, appassionata. Inconfondibile. Le sue movenze e il suo modo di suonare il piano come nessun altro ne hanno fatto un’icona, uno dei più grandi esponenti di sempre della musica soul e non solo. Ray è stato modello e fonte d’ispirazione per tantissimi giovani musicisti che hanno seguito il vento dell’innovazione portata dallo stesso Ray regalandoci un patrimonio musicale dal valore inestimabile che meriterebbe di essere tramandata a tutte le generazioni.

Yayo

GRANT GREEN

2011-01-09T23:24:00.003+01:00

Oltre la perfezione ha sede la sublimazione.

Là, dove sembra impossibile arrivare, oltre il giardino, dove i sogni prendono forma e la mente si lascia andare ad uno stato di percezione altro. Fare proprio uno strumento, renderlo parte di sé e, nel contempo, farne l’estensione della propria anima e messaggero di sentimenti tanto profondi quanto veri, è opera dal più degno degli sciamani. E proprio come ispirato dalle più alte divinità, Grant Green ha raggiunto l’unicità del suono della chitarra nel jazz ed elevato la sua musica a livelli trascendentali.

“Io non ascolto molto i chitarristi, solo strumenti a fiato. Ero solito stare tutta la notte a copiare i solo di Charlie Parker nota per nota”. Bebop di Charlie Parker, uso delle pause alla Davis, fraseggio mai spinto al limite, condito semmai da spostamenti ritmici che fanno del suono sincopato che ne deriva il proprio omaggio alle ancestrali sonorità dell’Africa Occidentale: questo, e molto altro, è Grant Green.

A suo agio in ogni veste musicale, maestro indispensabile negli anni ’60 nei quartetti jazz accanto a batteria, sax ed organo, è con l’Hammond di Larry Young che trova il maggior feeling, dando vita ad un moderno sound jazz frutto dell’alchimia perfetta di due anime elevate.

Tra i pochi chitarristi in grado di percepire, rielaborare e riproporre il sound della Blue Note, la grande famiglia che lo accolse e che rese reale il sogno di vederlo registrare ed esibirsi accanto a mostri del calibro di Herbie Hancock, Lee Morgan ed Hank Mobley, trovò terreno fertile ovunque, seminando creatività e raccogliendone meraviglia.

Resosi testimone di opere d’arte altrui, onorando diversi artisti, primo fra tutti James Brown con la sua “Ain’t it funky now?”, mentore di chitarristi emergenti (siamo a metà degli anni Sessanta e George Benson deve ancora rendere edotto il mondo della propria eleganza stilistica) che in lui videro la speranza di rendere grande il proprio strumento in un genere di musica esigente e selettivo, arrivò, con la propria arte, a farsi testimone di quel nuovo movimento musical-cinematografico che era la blaxploitation, firmando la prima colonna sonora della Blue Note per il film “The Final Comedown” (1972), ove la musica diviene personaggio, e lo spettatore è vorticosamente trascinato nella storia di questo “uomo qualunque in un luogo qualunque”.

Da taluni considerato il “Padre dell’Acid Jazz”, campionato in modo diffuso da artisti di fama mondiale (A Tribe Called Quest e Public Enemy per citarne alcuni), Grant Green rimane un innovatore, a modo suo e nel suo genere, che ha ancora voce nell’immensa eredità musicale di cui noi possiamo godere, ricchezza che ha voluto donarci dopo essere partito, nel 1979 – all’età di 44 anni – per il l’ultimo, lungo viaggio verso l’estasi eterna.

Astrid Majorana

MADLIB

2011-01-02T09:42:00.014+01:00

Provo oggi a scrivere un articolo dedicato ad uno dei produttori ed mc -anche se l'aggettivo adatto per lui è proprio "musicista" essendo anche polistrumentista- più produttivi degli ultimi tempi.

Riportare o parlare della sua intera discografia, compresi i dischi in cui magari ha solo partecipato, creerebbe problemi di spazio e tempo rilevanti. Mi cimenterò infatti a parlare, oltre di alcuni aspetti della sua vita che l'hanno portato ad essere quello che è, dei suoi lavori più importanti, che l'hanno consacrato come uno dei geni più creativi che l'hip hop abbia avuto nella sua storia.

Stiamo parlando di Otis Jackson Jr. alias MADLIB.

Nato nel 1973 ad Oxnard (California), si può definire vero e proprio figlio d'arte. Il padre, Otis Jackson Sir., è stato un discreto cantante soul anni '70, di cui ricordiamo il successo avuto con il brano Message to the ghetto, la madre, Sinesca Faddis, è stata una cantante jazz.

Ma non solo, suo zio Jon Faddis, fratello della madre, è uno storico trombettista jazz.

Insomma, la materia prima al nostro piccolo Otis Jr. non mancava. Ci è nato in mezzo alla musica. Così come suo fratello minore Michael, che seguirà le sue orme diventando colui che oggi è chiamato con il nome di "Oh No The Disrupt".

Quando Madlib e suo fratello sono ancora piccoli il padre si ritira dalle scene, cercando di dedicare il suo tempo alla famiglia, ma comunque decide di non tralasciare la musica dilettandosi nel suo studio. Ed è proprio in quella stanza che i suoi figli crescono e si divertono. Con la musica. Tra strumenti musicali e mixer da studio.

Negli anni sia Madlib che suo fratello si avvicinano al mondo del rap, e specie lui, Otis Jr., comincia a collaborare in veste di produttore con artisti del calibro di Alkaholiks e Cali Agents.

Successivamente formerà un gruppo chiamato Lootpack, insieme al suo amico mc Wildchild ed a Dj Romes.

I Lootpack lavorano a molto materiale che non uscirà ufficialmente (ma che poi verrà portato alla luce nel 2004 con "The Lost Tapes") prima di pubblicare per la Stones Throw, che è l'etichetta alla quale Madlib si legherà, un paio di mix The Anthem e Whenimondamic tra il 1998 e il 1999, e il successivo album di esordio "Soundpieces: Da Antidote", sempre nel 1999. Un capolavoro assoluto che vede tra gli altri la partecipazione di gente come Defari, Dilated Peoples, Alkaholiks e lo stesso fratello Oh No.

Ed è proprio in questo disco che fa la sua prima apparizione un personaggio dalla voce alquanto insolita. Un mc chiamato Quasimoto. Non è altro che lo stesso Madlib che si "inventa" questa sua specie di alter-ego, e non è altro che l'inizio di una trafila di pseudonimi che si accollerà nella sua carriera artistica.

Ma l'avventura di Quasimoto non si ferma qui, sì perchè Madlib decide di dargli una propria vita artistica ed una serie di lavori che cominciano con la pubblicazione di alcuni mix tra i quali Microphone Mathemtics e Come On Feet pubblicati rispettivamente nel 1999 e 2000, sempre per la Stones Throw records e che saranno contenuti nell'album "The Unseen". Un altro capolavoro.

Da questi 2 primi progetti, "Soundpieces" dei Lootpack e "The Unseen" sotto lo pseudonimo Quasimoto, si incomincia ad intravedere il particolare approccio che Madlib ha con la produzione. Cambi repentini di loop, ricerca massima e molta attenzione dedicata alle percussioni, samples che derivano dal jazz più puro con qualche spruzzata di funk che non fa mai male, il tutto condito da quella sporcizia che solo il vecchio e fumoso jazz può dare, con l'aggiunta dei piccoli click che solo i vinili regalano. Sì perchè Madlib oltre ad essere tutto quello che è, è un grande fanatico e collezionista di vinili soprattutto jazz, ma anche funk e non solo.

Possiamo dire che il diggin' è uno dei suoi sport preferiti.

Sempre nel 2000 Madlib da vita ad un nuovo progetto che mescola jazz, hip hop ed elettronica sotto il nome di Yesterdays New Quintet. Composto, come dice il nome stesso da 5 elementi: lo stesso Madlib e i fittizi Malik Flavors, Monk Hughes, Ahmad Miller e Joe McDuphrey. Perchè fittizi? Semplice... perchè non esistono. Sono ennesimi pseudonimi usati dallo stesso Madlib! I lavori infatti sono interamente composti da lui e l'esordio del quintetto fittizio arriva nel 2001 con l'album "Angles Without Edges" e continua nel 2004 con "Stevie" dove rivisita i successi del mitico Stevie Wonder, per non parlare dei progetti solisti dei fittizi membri del quintetto (e quindi dello stesso Madlib), e della raccolta di materiale inedito pubblicata nel 2007 in "Yesterday Universe: Prepare For A New Yesterday (Volume One)". Una vera miniera.

Altro pseudonimo usato da Madlib è Beat Konducta con il quale negli anni pubblicherà vari volumi composti prevalentemente da materiale hip hop strumentale a tema (Africa, India...) nel suo stile unico ed inarrivabile.

Tutto ciò senza tralasciare 2 perle, entrambe condivise con altri 2 mostri sacri, che non posso non menzionare: nel 2003 pubblica insieme al grande produttore di Detroit J-Dilla (o Jay Dee, R.I.P.), sempre per la Stones Throw, l'album "Champion Sound" sotto il nome di Jaylib, mentre nel 2004 realizza, in collaborazione con il grande rapper M.F.Doom, uno dei dischi rap più belli degli ultimi anni: "Madvillainy" sotto il nome Madvillain.

Due capolavori assoluti che meritano di essere nelle collezioni di ogni appasionato di rap serio del globo.

Sempre nel 2003 arriva per Madlib l'occasione unica di mettersi di fronte alla critica dei grandi appasionati del jazz pubblicando per la Blue Note un disco che rivisitasse i grandi successi dell'etichetta jazz più famosa e storica del mondo.

Arriva così "Shades Of Blue" che vede il nostro beniamino cimentarsi in versioni remix di brani dei celebri Donald Byrd, Bobbi Humphrey e Horace Silver tanto per citarne alcuni. Il tutto contornato dal bellissimo video girato per il brano Slim's Return che consiglio a tutti di visionare e che inserirò alla fine di questo articolo.

La discografia di Madlib di certo non finisce qui. Pubblica nel 2005 il secondo capitolo sotto lo pseudonimo di Quasimoto "The Furter Adventures Of Lord Quas", remixerà il disco di Madvillain, non parliamo poi dei vari Medicine Show e delle collaborazioni con artisti come Talib Kweli, De La Soul, Prince Po, Erykah Badu, Mos Def e tanti, davvero tanti altri...

Insomma, come detto all'inizio, parlare dell'intera discografia di Madlib significherebbe scrivere un libro.

Sono però altrettanto sicuro che vista la produttività di questo mostro della musica, il titolo dell'ipotetico libro sarebbe "La storia infinita", con la certezza che, oltre ad i tasselli importanti della musica hip hop che ho citato in questo articolo, ne arriveranno altri targati MADLIB INVAZION!

Dj Danko.

MILES DAVIS - Kind Of Blue

2010-12-16T17:23:00.026+01:00

Miles Davis: 1949 - 1959. Kind Of Blue

“ La vita senza musica è impensabile... la musica senza vita è pura accademia... ecco perchè il mio approccio con la musica è un abbraccio totale.” (L.Benrstein)

Il jazz abbraccia questa filosofia ed è musica d'arte nel senso di esprimere il cuore di chi suona, aiutando l'uomo a confrontarsi con se stesso. Il jazz si rivolge a tutti nello stesso modo autenticamente umano dei quadri di Van Gogh, delle pennellate di luce di Caravaggio, dell'immaginifica concezione di Paradiso di Michelangelo. Così il jazz va incontrato, non consumato in modo indolore perchè contiene un grido, una visione espressiva che altro non è che il punto più profondo dell'essere umano.

Esiste una forma d'arte, in Giappone, in cui l'artista si trova a confronto con una tela bianca, un pennello e il colore nero, ed è obbligato ad essere spontaneo. In questa forma d'arte non è la perfezione che suggerisce l'emozione ma l'interpretazione presente nel messaggio, nell'opera dell'artista che dev'essere libero da condizionamenti assoggettato soltanto da quelle del proprio cuore. Questa forma d'arte, se vogliamo, grazie alla cosiddetta interpretazione improvvisativa, è molto simile al jazz...

L'artista è completamente nudo e privo di ogni forma di difesa, così, l'oggettiva difficoltà è nel conservare l'integrità dell'anima, del vissuto, e, in un certo senso, affrontare critiche e incomprensioni. Questa è l'anima del jazz. L'abbraccio incondizionato che il musicista, attraverso le improvvisazioni, volge all'ascoltatore.

La convocazione della formazione composta da Julian “Cannonbal” Adderley, Wynton Kelly, Paul Chambers, Jimmy Cobb, Bill Evans e John Coltrane per la session di registrazione di Kind of Blue di Miles Davis giunse al termine di un primo percorso evolutivo artistico del trombettista di Saint Louis.

Dopo Birth of The Cool, Miles fu travolto da una fase di incomprensione artistica che lo accolse al rientro negli USA dalla tournee francese con Tadd Dameron, Kenny Clarke e James Moody. In Francia, il cool jazz, con le sonorità limpide e "notturne", fu molto apprezzato e permise a Davis di entrare dalla porta principale nei circoli intellettuali parigini. In Usa, invece, il cool veniva visto come un'espressione artistica creata da un “nero per far suonare i bianchi”(Chet Baker, Jerry Mulligam) non riscuotendo, così, alcuna attenzione da ciascuna comunità . Poi, il distacco da Juliett Greco (amata follemente in Francia), la morte di Fats Navarro (vecchio amico), il primo divorzio e il senso di solitudine, spinsero Davis verso una forma di depressione che Miles cercò di superare rifugiandosi nella tossicodipendenza da eroina.

Solo nel 1954, dopo essere andato a Saint Louis per sottoporsi alle cure disintossicanti del padre, Davis riuscì a recuperare la sua verve artistica. Gli album Dig, Blue Haze, Bags' Groove e Miles Davis and the Modern Jazz Giant e Walking (anche se di tono inferiore rispetto alle future produzioni) rappresentano un passaggio fondamentale della creatività davisiana: l'inizio dell'uso sistematico della sordina; la gestione dello spazio musicale, ereditata da Ahmad Jamal; la collaborazione con Horace Silver per il primo disco di hard bop (Walking, 1954), in cui la sezione fiati - in tutte le tracce - suona all'unisono eccependo il lavoro solistico tipico del be bop, preannunciano il lavoro cesellante del Miles Davis degli anni successivi. Saranno questi, infatti, gli anni in cui Davis affinerà la tecnica pulita e languida tipica del suo stile, inserendo, nelle esecuzioni il sound minimalista con un approccio solistico e improvvisativo caratterizzato da strutture armoniche semplici ed immediate.

Il momento definitivo di svolta, l'attimo che indica che il peggio è passato, è rappresentato dal leggendario assolo su Round Midnight al festival di Newport del 1955: accompagnato da Thelonius Monk, Davis disegna su una tela bianca, con un pennello intinto nell'angolo più recondito del suo cuore, un abbraccio caldo, malinconico e rincuorante che accompagna l'ascoltatore verso una visione in cui la tromba è al centro dell'inquadratura ed il piano, con note basse, smorzate e lente, è la cornice di un bellissimo quadro che fu messo in vendita dalla Columbia nel 1955.

Nel 1954, rinvigorito dalla nuova ondata di successo, Davis fondò il primo dei suoi celebri quintetti: John Coltrane al sax tenore, Red Garland al pianoforte, Paul Chambers al contrabbasso e Philly Joe Jones alla batteria. Questa è una delle più grandi formazioni di hard bop che produsse 4 importanti album per la Prestige Records – Relaxin', Steamin', Workin', Cookin' – caratterizzati da un suono asciutto ed incisivo dove la tromba di Davis s'inserisce con un fraseggio che enfatizza il registro medio dello strumento.

Il sodalizio con Gil Evans, dopo Birth of The Cool, continuò con una serie di dischi, in cui Davis recita il ruolo dell'unico solista che s'inserisce con eleganza in finissime tessiture orchestrali. Miles Ahead del 1957 è l'esempio della splendida fusione.

Nel 1957, Davis, stanco dei problemi di tossicodipendenza dei componenti – tra i primi Coltrane e Chambers, che arrivavano, spesso, in ritardo e senza strumenti alle prove ed ai concerti –, sciolse il sestetto ed andò in Francia da Juliette Greco. Qui fu ingaggiato da Louise Malle per la registrazione del soundtrack del film “Ascensore per il patibolo” dove utilizzò un procedimento innovativo: l'incisione fu ricavata dal materiale sonoro, quasi completamente improvvisato, nato mentre i musicisti guardavano le scene del film.

Una volta rientrato in USA, Davis rispolverò l'idea del quintetto e, dopo aver reingaggiato Coltrane, che si era disintossicato, e Cannonbal Adderley, al sax contralto, riprese il suo percorso artistico nel mondo dell'hard bop. Milestone (1957) è l'album simbolicamente più valido di questo periodo in cui la title track presenta un Davis il cui stile improvvisativo, essenziale e melodico, sarà successivamente definito modale.

Sempre del 1958 è l'ultima collaborazione come sideman con Adderley per il fantastico album Somethin'Else.

Il 1959 è uno di quegli anni destinati a passare alla storia della musica.

Nel 1959 nasceranno, a pochi mesi l'uno dall'altro, due dei più importanti album della musica: Giant Steps di John Coltrane e Kind of Blue di Miles Davis.

Per Kind of Blue – universalmente riconosciuto come uno dei dischi più belli ed eleganti – Davis convocò il suo sestetto per la seduta di registrazione presso lo studio della Columbia Records della 30a strada di New York.

I musicisti si ritrovarono in sala di registrazione senza aver mai letto gli spartiti. A ciascuno, all'ultimo momento, Davis consegnò le scale da eseguire senza specificare né tempi di uscita ed entrata né il loro ordine di esecuzione. Ognuno era lasciato libero d'interpretare e di sfogare il proprio istinto seguendo quel che le scale davisiane gli suggerivano. S'iniziò a suonare. Davis di spalle al mixer, rivolto verso la crew, guardando negli occhi Coltrane, Adderley, Evans, Kelly (piano, soltanto in Freddie Freeloader), Chambers e Cobb , dettava a ciascuno i tempi di entrata e di uscita.

Ogni musicista usava il pennello intinto nella propria anima messa nudo, intingendo e dipingendo senza sosta. Nel disco si ascoltano straordinarie pennellate che abbracciano l'ascoltatore e lo accompagnano in Paradiso.

Il 2 marzo furono incise So What, Freddie Freeloader e Blue in Green. Il 22 aprile Flamenco Sketches e All Blues.

Le takes di registrazione hanno dato origine a leggende: si dice che ciascun brano sia stato eseguito una sola volta. In realtà, per rispetto al tormento d'animo vicino ad ogni forma d'arte, non è vero che ci sia stata una sola registrazione per ogni brano. Litigi accesi, discussioni, la voglia di procedere su strade differenti, portarono alla rottura definitiva tra i grandi componenti del sestetto. In fase di mixaggio del disco furono scelte le first take e rimase l'ordine delle tracce che Miles aveva pensato: quello delle due differenti session di registrazione.

Nel mettersi a nudo l'anima dell'artista si priva di difese, è tormentata. Vibra. Poi spicca il volo verso il Paradiso.

“Questo album dev'essere stato fatto in Paradiso.” (Steve Cobb)

Buona musica.

Vincenzo Altini

MICHAEL JACKSON

2010-12-14T16:14:00.006+01:00

Non ci interessa parlare della sua pelle sbiancata o degli innumerevoli ritocchi di chirurgia plastica. Non ci interessa sapere i risvolti giudiziari della sua vita o analizzare le sue follie da star. Non ci interessa capire quali sono state le cause, ancora misteriose, della sua morte.
Vogliamo raccontare una parte della storia di un ragazzino che, a soli undici anni, debutta sulla scena da professionista insieme ai fratelli Tito, Marlon, Jackie e Jermain Jackson.

Il piccolo Michael ha come riferimento James Brown, la sua capacità di intrattenere il pubblico e il suo modo di stare sul palco e di ballare. Abilità che non passano inosservate alla cantante Gladys Knight e, successivamente, a Berry Gordy, il patron della Motown al quale la stessa Gladys aveva suggerito di ingaggiarli. A Berry iniziano a scintillare gli occhi quando pensa ai Jackson 5, il gruppo composto dai cinque fratelli dell’Indiana che possono diventare le prime star adolescenti della Motown. Per completare l’operazione di marketing, sceglie Diana Ross come madrina ufficiale del gruppo. Siamo nel 1969, l’anno dell’album Diana Ross presents The Jackson 5 e, soprattutto, del singolo I want you back, una canzone fresca e orecchiabile dal ritmo trascinante. Una hit che va al primo posto delle classifiche americane e al secondo di quelle inglesi. Da quel disco in poi, la strada è in discesa. Le hit si susseguono una dopo l’altra (Abc, Never can say goodbye, Ain’t no sunshine, Shake your body down to the ground, Blame it on the boogie) e i Jackson 5 diventano i Beatles neri, cinque ragazzi da imitare (anche nel look) e idolatrati da milioni di fan. Questo anche a costo di sacrificare i sogni e i giochi di un adolescente, spesso obbligato dal padre a sedute di registrazione infinite mentre gli altri ragazzini sono per strada a giocare.

Per fortuna c’è un’amica vera al suo fianco, Diana Ross, con la quale recita la parte dello spaventapasseri in The Wiz, adattamento cinematografico del successo teatrale The Wizard of Oz. Non è propriamente un successo, ma rappresenta la svolta della sua carriera. Il produttore musicale di The Wiz è tale Quincy Jones e tra i due si crea quella intesa tutta speciale a base di amicizia, rispetto e fiducia. Michael si affida totalmente a Quincy, il padre che non ha mai avuto, il risultato è Off the Wall (1979). Il disco si apre con la prima canzone interamente scritta da solo, Don’t stop ‘til you get enough, che ancora oggi fa ballare chiunque come se avesse le formiche nel sedere. Seguono Rock with you, scritta da Rod Temperton (autore anche della stupenda title track dell’album), She’s out of my life e I can’t help it, tra i cui autori figura mr Stevie Wonder.

Tra premi, numeri uno in classifica e un nuovo disco con i fratelli (Triumph), Michael trova il tempo per tornare in studio a lavorare con Quincy Jones a un nuovo disco, che passerà alla storia come l’album più venduto di tutti i tempi. E’ Thriller (1982), costato “soli” 750.000 dollari, molto ben ripagati dagli incassi. Il primo dei sette singoli (su nove brani!) è il duetto con l’amico/rivale Paul McCartney, The Girl is mine, una canzoncina semplice e fischiettabile. Ma come, tutti quei soldi spesi per pubblicare una canzone, anche banalotta? Calmi, il duetto rassicurante serve solo a calmare gli animi e a preparare l’arrivo della “bomba”: Billie Jean. Niente più miele, le atmosfere dolci e zuccherose si infrangono su un tema scottante e su un groove incalzante e si sciolgono in una intro lunga, inusuale per un pezzo pop, che contribuisce a far crescere l’attesa. Chi è Billie Jean? E di chi è quel figlio? Il video contribuisce al successo del brano: Michael balla illuminando i mattoni con i suoi passi, quasi come in una gigantesca discoteca all’aperto con un solo protagonista nel mezzo della pista.
Le immagini fanno la fortuna anche del singolo Thriller. La canzone diventa un cortometraggio di quattordici minuti diretto dal regista John Landis: il sorridente Michael si trasforma, all’uscita dal cinema e davanti alla fidanzata, in un terrificante uomo con gli occhi da gatto che, pian piano, viene circondato da zombie ballerini. Storico, come il giubbotto di pelle rossa indossato nel video.
Per ritrovare la dolcezza e la sensibilità di Michael nell’album, bisogna aspettare Human nature, un invito a lasciarsi andare e a mordere la città come fosse una mela. Insomma, un capolavoro dopo l’altro, tante possibili hit messe in sequenza per un disco diventato leggenda.

Passano cinque anni, durante i quali Michael non se ne sta con le mani in mano (incide Victory, l’ultimo album con i fratelli, e scrive We are the world insieme a Lionel Richie), e arriva Bad, l’ultimo disco realizzato con Quincy Jones. Un album molto pop, con batterie elettroniche e ritmi nervosi, nel quale si intravede il Michael del futuro, un Michael che, almeno musicalmente, è diventato maturo e autonomo. E’ quello che pensa Quincy, che gli suggerisce il produttore per il suo prossimo disco, Teddy Riley, e lo lascia amichevolmente a percorrere la sua strada.
Dove, anche noi, preferiamo lasciarlo.

Mr.Soundelicious

MACEO PARKER

2010-12-06T10:38:00.000+01:00

Se pensate per un attimo al funk, al massimo della sua espressione, molto probabilmente la prima immagine creata dal vostro inconscio sarà quella di James Brown, scatenato sul palco a cantare e ballare Papa's got a brand new bag o Sex Machine…

Non potrebbe essere altrimenti!

Ma subito dopo vi passeranno per la testa gli Earth Wind & Fire, George Clinton e i Parliament Funkadelic; e se siete ben preparati e avete davvero il funk che vi scorre nelle vene, penserete ad un musicista, simbolo del funk, ovvero Maceo Parker!

Fin dalla sua nascita, Maceo era destinato ad essere un musicista. Suo padre infatti suonava il piano e la batteria, sua madre cantava in un coro gospel della chiesa, e i suoi fratelli Melvin e Kelis suonavano rispettivamente batteria e trombone. Lui scelse il sassofono che da allora divenne parte integrante di sé.

Maceo che ha collaborato con tutti gli artisti citati (tranne gli EWF).

Di sicuro la collaborazione che più lo ha segnato è stata quella con The Godfather of Soul, al quale si unì nel 1964 insieme a suo fratello Melvin. In realtà James Brown voleva solo Melvin come batterista, ma alla fine decise di prendere anche Maceo nella sua band. Avrà pensato: «Vuoi vedere che questo qui mi diventa un fenomeno?!». Beh con la benedizione del Padrino James, Maceo lo divenne. Nominato leader della band da James Brown, Maceo è decisamente uno dei motivi principali dello spropositato successo che ebbe il Padrino. Certo la personalità, l’energia e il talento di James Brown sono indiscussi, ma Maceo fu un elemento fondamentale per quel sound unico e inconfondibile che possiamo ascoltare ancora oggi negli innumerevoli campionamenti fatti dai vecchi pezzi suonati proprio da Maceo & Co. Uno degli aspetti impressionanti è l’intesa che nacque tra i due, vera chiave del successo. Celebre è l’incitazione di James Brown che invita Parker a scatenarsi: «Maceo, I want you to Blow!»

Nel 1970 viene pubblicato il primo lavoro da solista di Maceo “Doing Their Own Thing” sotto la House Of The Fox ma nonostante sia un grande album, per essere un album di debutto, non viene apprezzato moltissimo dalla critica che vede il nome di Maceo ancora legato strettamente a quello di James Brown. Dopo qualche anno, con alcuni membri del gruppo fondò i Maceo & All the King's Men con i quali partì per un tour di 2 anni. Nel 1974 torna nella JB’s Band per incidere Parrty - Part I insieme ai Maceo & the Macks, singolo di grande successo, inserito nel secondo album da solista di Maceo, ovvero “Us”, pubblicato proprio nel 1974. In quest’album troviamo anche la famosa Soul Power, brano che ancora oggi è tra i più famosi della band e tra i più coverizzati e campionati. L’anno seguente lui e alcuni membri del gruppo, incluso Fred Wesley lasciano la band per collaborare con Bootsy Collins, George Clinton e i Parliament Funkadelic. Il suo funk energico, ricercato, e originale non poteva non colpire un ambasciatore del funk come George Clinton, per il quale suono per diversi anni, regalando al numeroso pubblico che si presentava ai concerti performance indimenticabili. Sempre nel 1975 esce il suo terzo album, “Funky Music Machine”, una delle gemme più rare di Maceo ed il secondo con i King’s Men. Stile inconfondibile quello della band che vede tra le proprie file gente come Charles Sherrell, Melvin Parker, e Jimmy Nolen.

1984, Maceo torna a casa, ancora presso JB, ma la parentesi è breve, di lì a poco Maceo Parker si sarebbe messo in proprio. Dopo un debutto in sordina con “For All The King’s Men”datato 1989, nel 1990 viene fuori il suo primo grande successo:: “Roots Revisited”, album molto più jazz, molto più soft e pulito rispetto a quello che ci si aspettava da Maceo ma senza allontanarsi mai dalle Roots appunto, dalle radici funk della sua formazione. In ogni caso un grande lavoro, seguito immediatamente dal “Mo’ Roots” che bissa alla grande il successo del precedente album. Secondo molti è il miglior album di Maceo, non secondo Me, il meglio deve ancora venire. Comunque sia Mo’Roots è un ottimo album che contiene tra i vari pezzi una reinterpretazione strumentale di Let’s Get It On di Marvin Gaye. Troviamo inoltre Hallelujah, I Love Her So di Ray Charles, che apre l’album. La maggior parte dell’album è strumentale, anzi direi tutto tranne una cover di Fa Fa Fa (Sad Song) di Otis Redding, interpretata alla grande da Kym Mazelle e lo stesso Maceo.

Ma il successo vero per Parker arriverà nel 1992 con “Life On Planet Groove”. Un album live considerato da molti e anche dal sottoscritto, uno dei migliori album funk, live, di sempre. Si apre con Shake Everything You've Got. Dopo poche note, il saluto di Maceo Parker: «We like to play 2% jazz, 98% funky stuff!». Posso assicurarvi che sarà dura rimanere fermi e non farsi trascinare dall’energia che sprigiona questo pezzo. Accompagnati dalla batteria suonata da Kenwood Dennard di ritroverete dopo circa 10 minuti in una situazione dove non importa se siete in camera, in macchina, a letto o chissà dove; starete saltando e “muovendo tutto ciò che avrete”. Improvvisamente sarete assaliti dal solo di Maceo Parker che vi farà letteralmente ribollire il sangue. Vi sentirete parte del pubblico che delira in sottofondo. 16’41’’ di pura follia funk!!!

Si prosegue con Pass the Peas, pezzo omaggio ai Parliament Funkadelic di George Clinton seguita dalla celeberrima I Got You (I Feel Good) (devo dirvi di chi?) con Kym Mazelle che ci regala un’interpreazione degna veramente del genio che la cantò la prima volta! Tra i brani a seguire attraversiamo il 2% di Jazz del quale Maceo parlava nell’introduzione del disco, con Children’s of the World, Addictive Love e un’ impressionante interpretazione per sentimento e struggente bellezza di Georgia On My Mind. Perché impressionante? Perché se non sapeste che è Maceo a cantare, non vi accorgereste della differenza con Ray! L’album si conclude con Soul Power ’92 che riprende e chiude con ritmi decisamente più sostenuti accompagnato dal trombone di Fred Wesley e Alfred "Pee Wee" Ellis al sassofono, ovviamente insieme a Maceo! Tre della vecchia scuola James Brown! Album fortemente Consigliato!!!

Dopo qualche anno di break nel 1998 esce un altro capolavoro: “Funk Overload”. Un mix di bombe funk da far paura. Si inzia da Maceo’s Groove rappato dal figlio di Maceo Parker, Corey. Un pezzo che emana un’aura di energia allo stato puro! Se provate a chiudere gli occhi eccovi lì, scatenati per strada a ballare come nel video si questo spettacolare pezzo! Se riuscite a rimanere fermi significa che avete qualche problema! A seguire pezzi come Uptown Up, Elephant’s Foot, Youth Of The World contro i quali non potrete opporre resistenza! Ci sono inoltre un remake del classico di Rufus, Tell Me Something Good, e una cover di Sing A Simple Song di Sly Stone. In definitiva Funk Overload è un album grandioso, uno dei migliori del genere secondo chi vi scrive, di sicuro uno dei migliori di Maceo Parker.

Dal 1998 ad oggi Maceo ha pubblicato altri album come “Dial: M-A-C-E-O” nel 2000 e “Made by Maceo” nel 2003. E comunque in tutti questi anni fino ad oggi, Maceo è in tour continuamente ed ogni sera regala al pubblico scariche di adrenalina come pochi altri al giorno d’oggi! Posso testimoniarlo io stesso che quella sera di Luglio dell’estate 2009, ero a Perugia per Umbria Jazz. Alla fine del concerto ero così scosso che nella mia testa la musica continuava e il ritmo aveva ormai pervaso tutti i muscoli del mio corpo. Ci volle un po’ per riprendermi…

Maceo è sempre stato fin da ragazzo un gradissimo fan di David "Fathead" Newman, Hank Crawford, Cannonball Adderley e in particolare di Curtis Ousley meglio conosciuto come King Curtis. Ma più di tutti Maceo impazziva per Ray Charles e la sua band, come dargli torto! Da tutti questi grandissimi musicisti Maceo ha tratto ispirazione, ha imparato e il suo sound, soprattutto nella prima parte della sua carriera è influenzato da sonorità che a tratti ricordano i suoi idoli. Dopo l’esperienza con Padrino James Brown, ovviamente le cose sono un po’ cambiate; Maceo ha creato una sua identità musicale che lo accompagnerà per tutta la sua carriera. Un musicista virtuoso dal talento innato, capace di regalare emozioni fortissime. Se avrete occasione di vederlo dal vivo e avete voglia di far ribollire un po’ il sangue nelle vostre vene; fate un favore a voi stessi: Non perdetelo!

Yayo

THE LINK QUARTET

2010-11-25T13:36:00.007+01:00

The Link Quartet

Vorrei fare un appello ad alzata di mano per contare quanta gente non ha mai ballato o sia riuscita a non battere piedi e mani al suono dell’hammond. Oppure mi basterebbe capire quanti non si siano meravigliati dal vedere - ed è fortuna, credetemi! – quello strumento simile ad un pianoforte chiuso in una scatola di legno che suona come se fosse un organo a canne.

L’hammond è stato inventato per sostituire i costosi e impegnativi organi nelle chiese. Costosi perché la loro produzione artigianale richiede maestranze difficili da reperire – oltre alla necessaria ricalibratura periodica delle singole canne – e impegnativi perche lo spazio occupato da un organo a canne può averlo solo una chiesa ricca e grande come le cattedrali o le basiliche europee. Le piccole chiese della provincia americana non erano certamente in grado di competere con gli spazi e la ricchezza delle grandi chiese ma, al loro interno, la liturgia era caratterizzata da teatralità e forza espressiva. Ciò che mancava era uno strumento che corrispondesse alle esigenze.

L’ing. Hammond, così, inventò questo strumento particolarissimo che, seppur privo di canne, riproduceva perfettamente la musicalità dei grandi organi ecclesiastici con un suono orchestrale completo in cui l’orchestra, in realtà, era un solo musicista che, lavorando sulle note e sulle armoniche, produceva un sound avvolgente e completo di tutte le scale e tonalità. Ciò avveniva nel 1935 e sino agli inizi della Seconda guerra mondiale, l’hammond fu effettivamente protagonista della musica nelle cappelle americane.

Poi, la Seconda guerra mondiale fu il volano per il successo dell'hammond come strumento per far ballare: i soldati americani che arrivavano in Europa si portavano dietro voglia di ballare e di stare insieme e l'hammond era quello strumento che le cappellette militari mettevano a disposizione. Fu così che s’iniziò ad usare l’hammond oltre all'uso liturgico in quel fenomeno di liturgia del divertimento e del ballo che fu la musica americana in Europa durante e dopo la guerra. L’hammond ha così iniziato un viaggio che l’ha portato ad attraversare la storia della musica dal blues al rhythm & blues al rock ‘n roll, dal pop al rock all’hard rock, dal jazz al soul al soul jazz al funk, sino ad arrivare ai giorni nostri.

Splendidi eredi di quella famiglia di musicisti che si sono dedicati allo studio ed all’applicazione delle sfaccettature sonore dell’hammond sono i Link Quartet da Piacenza. Nati da un’idea del chitarrista Mr.Link aka Giulio Gardini i Link Quartet, oggi, dopo una serie di cambi nella formazione, possono essere considerati, tranquillamente, la miglior hammond band presente sul panorama musicale italiano e a livello europeo la band che ha proseguito, reimpostandola, la traccia dei James Taylor's Quartet.

Il loro primo disco, Episode One, uscito per la spagnola Animal Records, nel 2001 è un lavoro di cover strumentali godibilissime che sorprendono per freschezza ed incisività, in cui il sound rievoca scene da film anni ’70. Non si tratta di semplice revival, anche se la band ripesca a piacimento brani dai repertori di gente come Lalo Schifrin, Nino Ferrer, Quincy Jones, Small Faces e persino dei Green Day, dei quali rileggono "Espionage", ma di una vera e propria rilettura dei brani secondo lo stile della formazione. I Link Quartet dimostrano, in questo lavoro, con il loro sound, di essere capaci come pochi di personalizzare brani altrui evitando sbavature.

Ma è con i lavori Beat.it del 2002 e Italian Playboys del 2004, entrambi usciti per l’americana Hammondbeat, che i Link Quartet, con una formazione ulteriormente cambiata, iniziano un percorso di completa caratterizzazione del loro sound distaccandosi un po’ dal percorso acid jazz e lounge del periodo anni ’90.

Italian Playboys, in particolare, è un disco più vario e consapevole in cui i LQ dimostrano di aver preso coscienza e sicurezza e ognuno dei 14 pezzi prende le mosse da atmosfere particolari (jazz, rock, funky, soul, lounge, progressive, new jazz etc), trasformandole e rendendole omogenee all’insieme. Le influenze sono quelle sonorità proprie del background musicale degli anni ’60 e ’70.

Move Move Move, da Italian Playboys, è una cover accattivante - un classico molto difficile da reinterpretare ( la reinterpretazione, spesso, da origine a scopiazzamenti malriusciti, vaghi e malati, o a riletture non facilmente riconoscibili...) - ed è stata inserita nell'album dopo la tournée americana, su richiesta della produzione discografica. Lady Shave, sempre da Italian Playboys, è un altro pezzo che viene fuori dai live set ( era usato come brano d'apertura nella tournee spagnola del 1999). La vera forza dei LQ è nella loro capacità straordinaria di tenere il palco, di cantare e suonare dinnanzi al pubblico facendolo ballare con le percussioni, con la ritmica di basso e batteria, con l'acidità del suono dell'hammond e con il classico uso funkista sincopato della chitarra. La fluidità di Move Move Move e Lady Shave è una propria dei live set.

Glass Onion è una cover dei Beatles (White Album) ritrasformata e dotata di una nuova personalità. Ciò è dovuto alla formazione musicale dei componenti della band: da Jack McDuff e tutta la produzione soul jazz americana (la loro natura black) a quella straordinaria produzione mood/northern soul di gran parte del sound anni'60, sino al rock british school ( la natura white...) di Brian Auger. Una miscela esplosiva, avvolgente, fluida e continua supportata in live da chiari riferimenti cinematografici e d'arte visiva degli anni '60.

Con Decade (Hammondbeat, 2006), un ep con Sweet Little Apples, Don't Brust My Bubble, Mao et Moi e Three In A Bed, dopo un ulteriore cambio di formazione, i Link Quartet celebrano il loro decennale di attività e, con due brani inediti e due già pubblicati in altre compliations del settore, mostrano un ulteriore salto di qualità.

Il sound è marcatamente funk/soul jazz vintage, con punte acide ed aggressive.

In Fast Girl & Sexy Cars, sempre della Hammondbeat (2009), l'ironia non si ferma al solo titolo. Il brano è divertente, fresco nel suo richiamo vintage, e presenta ampi riferimenti alle tonalità spinte di McDuff, Jones, Patton, Wilson e ammiccamenti al JTQ.

Poi l'ingresso nella RecordKicks, produzioni nu soul nu funk, con la collaborazione della splendida voce di Giselle Smith in un sound molto vintage e moderno, tanto accattivante e tanto bello, su quella linea di sonorità tracciata da eminenze musicali contemporanee.

Il loro è un sound attuale che cerca la sua attualità nel passato. Anni trascorsi di musica moderna.

Il tempo dei Link Quartet è tempo di musica moderna.

...e di loro ne sentiremo parlare nel tempo.

Buona musica.

Vincenzo Altini

GEORGE CLINTON - PARLIAMENT - FUNKADELIC

2010-11-22T10:02:00.005+01:00

Funk, ultima frontiera.

Ecco a Voi i viaggi della Nave Madre, durante la missione diretta all'esplorazione di strani mondi, alla scoperta di nuovi suoni e nuove forme di vita, fino ad arrivare là, dove nessun uomo è mai giunto prima.

È l'Anno Domini 1975, l'era del puro funk ha inizio, la black music prende forma nella sua essenza più pura; George Clinton ed il suo bassista Bootsy Collins ricevono una visita sulla via del ritorno a casa: “Una luce rimbalzava da una parte all'altra della strada; la vedemmo più di una volta e ricordo che dissi qualcosa a proposito del fatto che la Mothership era arrabbiata con noi perché avevamo rivelato il funk alle masse senza permesso...proprio in quel momento la luce colpì l'auto, l'illuminazione stradale scomparve e improvvisamente ci ritrovammo da soli, senza nessuno attorno...Dissi: <>. Sono le parole del Primo Ministro del funk, George Clinton, l'uomo che più di chiunque altro ha creduto nella musica come in una religione, carismatico al punto di raccogliere sotto la sua ala un così vasto numero di musicisti da chiedersi chi dei mostri dell'epoca del funk non abbia suonato con lui piuttosto che chiedersi chi abbia collaborato a qualcuno dei suoi stravaganti progetti. Da qualsiasi sostanza sia stata causata questa visione poco importa, fu il momento della rinascita per il funk e per i suoi predicatori.

Dagli anni '50 molti episodi si succedettero nella vita musicale (e non) di George Clinton, ma, come in un circolo vizioso, un elemento tornava sempre: la voglia di radunare i migliori (e i più pazzi) musicisti in circolazione per far sì che il verbo del funk si diffondesse, perché, dice il saggio “Il funk è quello di cui hai bisogno in ogni momento”; era la formula perfetta contro la “sindrome” della “doppia coscienza”, l'essere di colore ed il sentirsi a disagio nella proprio paese, quegli Stati Uniti d'America che vedevano tutto bianco o nero, ma soprattutto bianco. C'era bisogno del funk come di aria pura, un nuovo credo, una speranza cui aggrapparsi per sentirsi parte di un “tutto”, nel sogno della connessione alla coscienza collettiva, al fine della creazione di un mondo perfetto, in tutto e per tutti.

Prima furono “Parliaments”, sonorità doo-wop ed un solo singolo di successo, “(I Wanna) Testify”, emerso grazie all'incarico di Clinton alla Motown in veste di autore; poi furono “Parliament-Funkadelic”, un ensamble di musicisti con diverse provenienze (dalle band di Sly Stone e James Brown per esempio) che nel 1975 diede vita al progetto che palesò il funk agli occhi del mondo: l'Lp “Mothership Connection” ripulì il genere da tutti i fronzoli dati dalle ballads sempre presenti negli album black, regalando al mondo della musica ciò di cui aveva bisogno senza saperlo (coscientemente almeno), gettando le basi per il futuro, piantando i semi per il genere che ne seguì e che dal funk attinse a piene mani: l'hip hop. Molti musicisti devono la loro fama a brani dei Parliament-Funkadelic, campionati e rivisitati a man bassa. Nel mondo reale, purtroppo, George Clinton non potè approfittare di questa ricchezza a causa di guai legali dovuti all'utilizzo degli stessi musicisti per formazioni diverse (Parliament, Funkadelic, Bootsy's Rubber Band, Brides of Funkenstein) sotto diverse etichette, tutte band oggi conosciute sotto il nome di “P-Funk”: significa forse Pure Funk? Sì, è il funk allo stato puro, quello che ti legge nella mente, che ti entra nelle vene per divenire parte di te, fino alla fine del tempo e dello spazio. Se è questo quello che vi smuove lo stomaco, che vi fa ribollire il sangue, allora mandate al diavolo qualunque ostacolo tra voi e la vostra vera natura, recatevi nel miglior negozio di dischi della vostra città (ma di quelli piccoli, a gestione familiare) e chiedete al commesso il miglior disco funk che sia mai stato prodotto nella storia: vi chiederà di attendere qualche istante, sparirà dietro ad una porticina che nemmeno avevate notato, e tornerà con il suo miglior sorriso stampato sul volto e ciò che avevate chiesto: “Mothership Connection”. Vi dirà che potrà fornirvene altri, “Cosmic Slop” dei Funkadelic per esempio, prezioso per la cover art di Pedro Bell; “Osmium” dei Parliament, che riporta incisioni di gospel, rock e di funk, quello vero. Ci pensate su e gli fate notare che questi titoli erano già nella vostra lista ed una espressione sorniona basterà a fargli capire che voi sapete di cosa state parlando e gli direte che farà meglio a prepararsi al vostro ritorno, per l'acquisto dell'album che vi sconvolgerà, dall'inizio alla fine: “Maggot Brain”, dei Funkadelic; sì, esattamente quel contenitore di suoni che friggono il cervello, quell'album dalla copertina eloquente (una testa di donna che esce, urlante, dal terreno), una tirata polemica sulla paura acclusa alle note di copertina...voi siete pronti per una crociera sull'astronave del funk.

Questa nave è anche la vostra.

Intraprenderete un viaggio attraverso spazi ancora inesplorati, spingendovi con coraggio dove nessun uomo (forse) è mai stato prima.

Astrid Majorana

JAMES SENESE E NAPOLI CENTRALE

2010-11-15T08:06:00.002+01:00

Italia, 1944. La seconda Guerra Mondiale volge verso la fine. Le forze USA e i "partigiani" contro i fascisti e le forze tedesche.

Napoli. Un soldato afro-americano di nome James Smith incontra la giovane Anna Senese. I due si innamorano...

1945. L'anno delle bombe atomiche su Hiroshima e Nagasaki. La seconda Guerra Mondiale finisce. Le truppe tedesche e fasciste si arrendono, mentre un piccolo genio di nome Gaetano nasce.

Gaetano Senese, in arte James Senese, inizia la sua carriera di sassofonista negli anni 60 con i "4 Conny" dove collabora con il bassista e cantante Mario Musella, e con il quale succesivamente collaborerà anche negli Showmen.

James però è innamorato del jazz, e delle sue sperimentazioni. E' innamorato di Coltrane e di Miles Davis.

Sente l'esigenza di creare qualcosa di nuovo. Di sperimentale.

Fù così che nel 1975, insieme all'amico batterista Franco Del Prete fonda i Napoli Centrale, quartetto che vede James al sassofono, flauto e alla voce, Franco Del Prete alla batteria, Mark Harris alle tastiere e Tony Walmsley al basso.

Il frutto di questo sodalizio prende vita proprio nello stesso anno, 1975. Il titolo è semplicemente "Napoli Centrale", la casa discografica la Ricordi.

Un lavoro, a mio parere, eccelso. Un mix di jazz, funk, fusion e un pizzico di rock progressive miscelato alla perfezione con musica popolare napoletana. Ricordano molto, musicalmente, i Weather Report, che si sa, James ama e studia.

Il brano leader è Campagna, una descrizione di vita dei braccianti tra i quali James è cresciuto (anche la copertina del disco raffigura i protagonisti tra le campagne dei dintorni napoletani), mentre Gente e' Bucciano, altra perla musicale, affronta la questione dei migranti che si trasferiscono dalla propria terra natale, per andare a lavorare nelle fabbriche del nord.

Il tema si sviluppa anche in Viecchie, mugliere, muorte e criaturi, la mia traccia preferita, che già dal titolo è eloqueste: mancano i giovani, che vanno via per cercare fortuna altrove, un'industrializzazione che proprio non va giù. Musicalmente molto cupa, ma essenziale per affrontare il tipo di tematica.

Tutto il disco è, come direbbe il mitico Miles: Cool!

Franco Del Prete si destreggia alla batteria come non mai, tra ritmiche jazz, funk e virtuosismi che fanno di lui davvero un grande batterista. Stesso discorso per tastiere e basso, che mantengono calda l'interpretazione e che riportano direttamente l'aria che si respira al sud.

James, infine, è perfetto. E' come se parlasse con il suo sassofono. Nostalgico e incazzato quando serve. Lo capisci dalle sue note. E poi le parole, i temi, il dialetto.

Che disco...

Nello stesso anno però il tastierista Mark Herris e il bassista Tony Walmsley seguono altri lidi e vengono sostituiti rispettivamente da Pippo Guarnera e Kelvin Bullen.

1976 vede la nascita di "Mattanza", secondo lavoro ufficiale dei Napoli Centrale, stampato sempre su Dischi Ricordi.

La potenza è la stessa: jazz, funk, fusion e musica popolare napoletana.

Bisogna evidenziare assolutamente brani fantastici come Sangue Misto, e l'incalzante Simme Iute e Simme Venute.

Un altro lavoro da incorniciare, che permette ai "nostri" di suonare al Festival Jazz di Montraux, una cosa non da molti. E questo ci inorgoglisce.

Nel 1977 altro cambio di formazione. Al basso arriva il giovane e promettente Pino Daniele e alle tastiere Ciro Ciscognetti.

"Qualcosa ca nu' mmore" chiude il periodo Napoli Centrale degli anni 70. Sperimentazione ancora più marcata e più incentrata verso il jazz, con testi al contrario più "leggeri" e meno impegnati socialmente.

A questo punto James tenta la carriera da solista con vari lavori usciti negli anni 80, e verso la fine di quest'ultimi, crea una nuova ed ennesima formazione dei Napoli Centrale con Agostino Marangolo alla batteria, Savio Riccardi alle tastiere e Gigi De Rienzo al basso.

Il quartetto produce altri tre dischi: "Jesceallah" nel 1992 e "Ngazzate Nire" nel 1994 e "Zitte! Sta Vnenn O' Mammon" nel 2001, ma nessuno dei tre raggiunge il livello e la riconoscenza ottenuta dai primi tre lavori degli anni 70.

Oltre a portare avanti il progetto Napoli Centrale, James continua anche a produrre lavori solisti. L' ultimo è datato 2005 e si intitola "Je sto ccà" e racchiude un album con tre brani inediti e un libro con la sua biografia dal quale mi sembra opportuno riportare la frase di James scritta sul retro della copertina:

<<Sono nato nero e sono nato a Miano, suono il sax tenore e soprano, lo suono a metà strada tra Napoli e il Bronx, studio John Coltrane dalla mattina alla sera, sono innamorato di Miles Davis, dei Weather Report e in più ho sempre creato istintivamente, cercando di trovare un mio personale linguaggio, non copiando mai da nessuno…il mio sax porta le cicatrici della gioia e del dolore della vita. >>

Grazie James Senese e Napoli Centrale per aver tenuto alto il nome dell'Italia nel panorama Jazz-Funk.

Dj Danko

JAMES BROWN

2010-11-08T08:06:00.004+01:00

Ci sono poche persone al mondo che possono vantare una fama così estesa.

Così come ci sono poche persone al mondo che possono vantarsi di aver avuto una tale influenza sulla stragrande maggioranza dei generi musicali.

Lui è una di quelle persone.

Nato poverissimo in una baracca nel sud degli Stati Uniti e, alla fine dei suoi giorni, sepolto in una bara placcata oro, James Joseph Brown (1933-2006) è la perfetta incarnazione di un mito, con le sue stravaganze, i suoi eccessi, i suoi errori ma soprattutto il suo lascito.

Pur essendo cresciuto dalla zia, tra alcool e puttane, James ha da subito capito che doveva prendere a pugni la vita, prima che la vita facesse lo stesso nei suoi confronti atterrandolo senza indugio.

In quel periodo peraltro i ragazzi come lui finivano regolarmente a penzoloni dagli alberi se sgarravano.

Lui no.

Lavorando nei campi di cotone e lustrascarpe, James Brown non ha certo lesinato i piccoli furti, che a 16 anni lo portarono a conoscere, nel riformatorio di Toccoa, il suo futuro compagno di band Bobby Byrd.

Una volta fuori dal riformatorio il vispo James, che possedeva già lo charme che l’avrebbe reso famoso in tutto il mondo, venne accolto in casa di Bobby, che aveva già un suo gruppetto musicale, e non ci mise molto a spodestarlo dal suo ruolo per diventarne lui stesso bandleader.

Dopo una lunga gavetta, arriva il contratto con l’etichetta sussidiaria della King, ovvero la Federal Records, che lo porta assieme al suo gruppo “the Famous Flames”, a incidere il loro primo successo “Please, Please, Please”.

Era il 1956.

Il disco ebbe un successo enorme e schizzò immediatamente nella hit parade di Billboard. Di li in seguito, per tutti gli anni 60 e gran parte degli anni 70, James Brown piazzò singoli in classifica.

Nel 1963 la svolta epocale.

Registrò il suo concerto al teatro Apollo di Harlem, il 24 ottobre 1962 e pubblicò quello che è tutt’ora considerato l’album live più venduto della storia; James Brown Live At The Apollo, giudicato dalla rivista americana Rolling Stone come uno dei 500 album più importanti della storia (piazzandolo significativamente al 24° posto…).

Ma il merito più grosso attribuitogli è senz’altro quello di aver rivoluzionato la concezione stessa di groove, gettando le fondamenta non solo per quello che si sarebbe chiamato “funk”, ma per la concezione stessa di tutta la musica moderna a venire.

James Brown percepiva ogni strumento come se fosse la componente percussiva di un ensamble ritmico, sincronizzando chitarre, bassi e ottoni alla batteria, quindi ottenendo musica pulsante, fortemente sincopata, che si concentrava sul groove anziché sulla melodia, stravolgendo completamente gli standard dell’R’n’b tipico e sorpassando di gran lunga i suoi colleghi troppo fissi sul “contorno”.

In più il suo lato “consciouss” gli suggerì di utilizzare la sua musica per comunicare un messaggio che andava ben oltre le semplici “ballad” smielate.

L’educazione per la sua gente, il sensibilizzare il suo pubblico (prevalentemente di colore) a farsi una cultura, a studiare, perché un uomo acculturato non si fa mettere i piedi in testa da una società che li voleva ignoranti e ubbidienti.

Ma si sa, la vita è fatta di alti e bassi, e per quanto il lato artistico di James Brown non fu messo mai in discussione (tranne da alcuni dei suoi stessi musicisti…), il lato privato era sempre in moto costante.

La perdita, nel 1973, del figlio Teddy (unico dei suoi figli con un talento musicale innato) in seguito ad un tragico incidente stradale, lo spiazza, lo atterra.

Pubblicherà in quello stesso anno l’album “The PayBack”, dopo essersi ributtato a capofitto nella musica per poter sfuggire alla realtà.

Le sue vicissitudini coniugali non erano da meno al suo stile “rugged and raw”, finendo più volte, nel corso degli anni, sui giornali di tutto il mondo. L’uso di droghe di certo non aiutavano il suo carattere impulsivo di natura a mantenere la calma, anche in situazioni decisamente meno importanti della perdita di un figlio, come quella volta che imbracciò il fucile e minacciò i suoi collaboratori perché sosteneva che qualcuno avesse usato la sua toilette privata nel suo ufficio.

Celebre anche l’inseguimento filmato dagli elicotteri della polizia sul finire degli anni ’80, a cui seguì l’arresto.

Insomma, la vita di James Brown era un coacervo di stati d’animo dissimili fra loro, alternando momenti di grande lucidità e carattere, a momenti di pura follia.

Genio e sregolatezza, si sa, ma a farne le spese a un certo punto fu proprio la sua musica, ormai in lento declino a causa dell’avvento di generi musicali sempre più sintetici e lontani dal suo stile.

Qualche cameo cinematografico qua e la, grazie all’amico Dan Aykroyd, dapprima nel film The Blues Brothers e in seguito nel film Doctor Detroit (sempre con lo stesso Aykroyd tra i protagonisti), e l’improvviso ritorno “a bomba” sulle scene, grazie al singolo “Living in America” nel quarto capitolo della saga “Rocky”, rinnovando la sua presenza nelle classifiche di Billboard, fino al quarto posto, con qualche altro milione di copie vendute.

Poi nuovamente il buio.

Altri scandali, tra cui l’accusa di tentato omicidio nei confronti della moglie, l’arresto per possesso di cocaina, detenzione di armi e molti altri reati impietosamente immortalati da una foto segnaletica che lo ritrae stravolto.

Non ha mai smesso di calcare i palchi di tutto il mondo, un vero professionista fino in fondo.

Colto da un tumore alla prostata, nel 2006, si sottopose a tutte le cure necessarie per poter finalmente dichiarare di aver sconfitto anche quel male, come se la vita non l’avesse mai abbastanza messo alla prova.

Il 25 dicembre del 2006, all’1:45 di mattina, in una camera dell’Emory Crawford Long Hospital, a causa di una violenta polmonite, ha perso l’unica sfida che non avrebbe mai potuto vincere.

L’intero mondo musicale ha pianto per il padrino del soul.

In tutti i lati del globo, quel giorno di Natale non c’erano le campane e le preghiere a ricordare la natività.

Nelle case rieccheggiava il suo acuto stridulo al testosterone.

Semplicemente grazie.

Dj Argento